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Alors que de nombreuses internautes bénéficient, sans trop s’en rendre compte, du fruit de travail d’une poignée de développeurs passionnés et idéalistes (Firefox et Thunderbird), seule une minorité utilise le système d’exploitation qui était à l’origine des logiciels libres : les différentes distributions de Linux n’occupent qu’une part de marché négligeable (moins de 1%), alors qu’ils sont bien implantés dans l’univers des serveurs. Issu de l’initiative de deux informaticiens, Linus Thorvalds, à l’origine de Linux, et Richard Stallman, à l’origine de la licence GNU, Linux poursuit sa carrière dans l’ombre des grands systèmes d’exploitation, Windows et Mac. Pourtant, ce système d’exploitation – ou plutôt ces systèmes d’exploitation, il en existe de nombreuses variantes – possède de nombreux atouts qui le distinguent de ses grands frères “commerciaux” : placé sous la licence GNU, il est développé et maintenu par une équipe interne de programmeurs bénévoles, travaillant main dans la main et en liaison ininterrompue, grâce à Internet.

Nous avons concocté une petite série d’articles qui vise à vous faire découvrir cet univers bien particulier que représentent Linux et les logiciels libres. Les premiers articles peuvent vous paraître un tantinet complexes puisqu’ils vous exposent les particularités, les avantages et les inconvénients (ils existent bel et bien…) de Linux, ainsi que les différentes manières de le choisir et de l’installer. Mais soyez rassurés, QuestionsPhoto.com demeure bel et bien un site dédié à la photo : par la suite, nous examinerons en détail comment apprivoiser Linux pour importer, gérer, corriger et imprimer des images !
Lire le premier article

Avant l’apparition des modèles performants, notamment reflex, le traitement numérique d’une photo consistait à passer une diapositive ou un négatif au scanner ; on appliquait ensuite des corrections, notamment avec Photoshop, logiciel fétiche de toute une génération de graphistes et de photographes.
Mais aujourd’hui il est possible, à partir d’un fichier numérique, de retrouver la colorimétrie et le grain d’images argentiques, notamment grâce au programme DxO FilmPack qui peut être utilisé seul, mais qui est beaucoup plus puissant quand il est intégré à DxO Optics Pro.

Utiliser FilmPack dans DxO Optics Pro

Fichier numérique d’origine Nikon D200 à 100 ISO

Le logiciel FilmPack est disponible de façon indépendante, mais prend tout son intérêt comme plug-in de Photoshop et surtout de DxO Optics Pro dans lequel il s’intègre complètement. L’achat de la licence donne le droit de télécharger et d’installer à la fois le plug-in DxO, le plug-in Photoshop et une version indépendante à accès direct.

Le principe consiste à convertir un fichier numérique vers une copie qui non seulement peut prendre la colorimétrie particulière d’un film argentique, mais encore son grain pour donner la sensation que l’on examine un tirage issu d’un original argentique. Certes, des critiques s‘élèvent contre tendance à vouloir retrouver les “rendus” de photos issues d’une autre technologie, mais les avantages sautent aux yeux : par exemple, on pourra compléter aujourd’hui, à partir de prises de vue numériques, des séries de photos de paysages engrangées au fil des années avec des appareils argentiques. Mais il est également possible d‘être créatif avec le FilmPack, en affectant le grain d’un film noir et blanc à un profil couleur, ou inversement.

Quand on connaît bien les caractéristiques des films argentiques que l’on veut simuler, on peut aussi combiner les variantes, notamment parce que DxO s’est appuyé sur la prise de vue, l’analyse et le scan de vrais films argentiques pour élaborer les profils du FilmPack ; or, il était jusque là impossible de retrouver des émulsions couleurs neuves pour des produits discontinués depuis une dizaine d’années ou plus. Mais en examinant des films d’une même famille (par exemple, Kodachrome) dont on possède des diapositives, on pourra modifier les réglages de base puis créer des “presets” qui seront dans l’esprit des films disparus.
Quand le FilmPack est installé et activé dans DxO Optics Pro v5, il n’apparaît pas en temps que tel dans le menu : on verra que ses réglages s’intègrent dans les palettes Couleur et Détail. Mais il convient en premier lieu de vérifier que l’image de base se prêtera bien à la transformation.

Partir d’une image neutre

Pour appliquer un effet argentique sur une photo, il importe qu’elle soit relativement neutre au préalable, car si elle était déjà trop contrastée ou saturée à la prise de vue, certains profils de films apparaîtraient cumulatifs. De même, il est facile de comprendre que le grain que l’on va appliquer est en réalité un défaut caractéristique de l’argentique, mais qu’il donne une personnalité à la photo : il conviendra donc, si besoin, d‘éliminer le “bruit numérique” qui ressemble parfois au grain, pour ne pas mélanger les deux effets.

Après sélection en réglages automatiques, j’ai juste appliqué un léger maintien des hautes lumières.

Si l’image est assez neutre à l’origine, il suffit de la sélectionner avec le réglage automatique DxO Défault Preset. S’il s’agit d’un fichier RAW, comme pour notre exemple, on ouvrira la palette Lumière et on s’assurera que l’on a pas de risques d’avoir des blancs “grillés”, car le grain argentique rend ce défaut moins criant qu’en numérique. Ici, pour être certain de n’avoir aucun problème dans le ciel, j’ai activé un léger maintien des hautes lumières. Si l’image semble trop sombre, on pourra ajuster le DxO Lighting sur Moyen ou Fort.

On peut ensuite fermer la palette Lumière et examiner les commandes de la palette Couleur. Comme nous allons essayer des profils de diapositives couleur qui étaient surtout utilisées en plein soleil, il est possible de bloquer la température de couleur sur Lumière du jour, ce qui présente sur cet exemple une faible différence avec le réglage automatique choisi par l’appareil.

Choisir une balance Lumière du jour est de peu d’effet, car l’automatisme de l’appareil avait bien fait son travail.

Choisir le film à simuler

On ouvre alors le menu Rendu des couleurs ; il est possible de choisir entre des modèles de films argentiques négatifs ou positifs. On peut visualiser rapidement l’effet selon le film choisi grâce à l’affichage permanent Avant/Après que je vous conseille d’adopter pour ce type de corrections.

L’application d’un profil de film est visualisable immédiatement.

Il est à noter que les profils notés “Générique” sont des interprétations, et que seuls les autres profils ont été calculés scientifiquement par analyse colorimétrique des émulsions. Pour cet essai, je vais choisir un film très utilisé en argentique par les paysagistes, le Fuji Velvia 50.

Choix du modèle de film

Il est possible de personnaliser le rendu de l’image en ajustant librement le contraste et la saturation. Le menu Modes couleur va permettre d’augmenter un peu le contraste pour simuler un aspect très à la mode depuis des années dans les revues de découverte géographique et de voyage.

Sélection du Contraste

On peut aussi augmenter la saturation des couleurs dans ce menu, mais j’aime bien me servir pour cela de la commande Vibrance qui sature les tons francs en préservant les tons nuancés. On pourrait bien sûr se servir d’autres outils (notamment la courbe de tons), mais les commandes utilisées ici sont rapides et plus intuitives.

Réglage de la Vibrance

Etes-vous plutôt mer ou montagne ? Peu importe, puisque cet atelier va vous expliquer comment remplacer l’arrière-plan d’une photo en mixant deux images prises dans des conditions très différentes. Les techniques décrites ici sont celles employées pour un photomontage classique : utilisation d’un masque de fusion puis réglage des niveaux et harmonisation des couleurs.

A travers cet exercice, vous découvrirez une méthode que vous pourrez appliquer dans bien des cas. Mais avant de vous lancer dans la réalisation, commencez toujours par réfléchir quelques minutes au résultat que vous souhaitez obtenir. Cette petite phase de réflexion vous permettra de mieux déterminer les étapes de montage et de retouche qui vous seront nécessaires pour réussir votre photomontage.

Première image de départ

Seconde image de départ

1. Ouvrez les images de départ. Sélectionnez le calque Arrière-plan du bateau dans la palette des calques et glissez-le sur le paysage de montagne, en maintenant la touche Maj enfoncée. Un nouveau calque, le Calque 1, est créé.

2. Sélectionnez le Calque 1. Cliquez sur l’icône Ajouter un masque de fusion, située en bas de la palette des calques. Vous allez maintenant détourer la mer dans l’image de bateau pour faire apparaître la montagne en arrière-plan.

3. Utilisez l’outil Zoom pour grossir l’image à 200%. Sélectionnez l’outil Pinceau dans la palette d’outils, le noir en tant que couleur de premier plan, et cliquez sur la forme dans la barre d’option pour choisir une brosse de 40 pixels.

4. Peignez le masque de fusion au niveau du ciel. Le paysage de montagne apparaît progressivement. En cliquant droit (Ctrl + clic sur Mac), n’hésitez pas à modifier la taille de la brosse pour l’adapter à la zone à remplir.

5. La photo de bateau est plus sombre que celle de montagne. Rendez-vous dans le menu Image>Réglages>Niveaux. Déplacez le curseur gris du niveau d’entrée des tons moyens vers la gauche, afin que la valeur indiquée soit 1,29. Validez en cliquant sur OK.

6. Pour finir, harmonisez les couleurs via le menu Image>Réglages>Correspondance de la couleur. Réglez les options d’image sur 131, 120 et 59. Dans la zone Statistiques de l’image, sélectionnez “Fusionnées” dans l’option Calque. Cliquez sur OK.

Et voici l’image finale :

Retrouvez Pascal Curtil sur son site ou sur le mini site dédié au livre et au photomontage

Découvrez, grâce à ce tutoriel vidéo, comment calibrer votre appareil photo avec Photoshop CS3, Camera Raw et le script ACR Calibrator.
Vous pouvez visualiser la vidéo dans le lecteur ; pour passer en mode plein écran, il suffit de cliquer sur le petit “carré” situé en bas à droite de l’interface utilisateur.

Bien que la balance des blancs fasse partie des paramètres de prise de vue qu’on pourrait négliger lorsqu’on travaille au format RAW (elle se corrige aussi bien a posteriori dans votre logiciel de développement RAW), elle est primordiale pour réussir ses photos au format JPEG : lors du dématriçage dans l’appareil, le processeur interne fige les valeurs colorimétriques et effectue une transformation du gamma, ce qui rend une correction ultérieure fort périlleuse. Alors qu’il est très confortable de corriger la balance des blancs de toute une série de photos lorsqu’elles comportent un gris de référence, si ce dernier manque, nous sommes souvent contraints de “tâtonner” en cliquant avec la pipette sur des zones d’une image censées à la neutraliser. Qui plus est, les préréglages de l’appareil (Lumière du jour, Temps nuageux, Flash, Tungstène…) ne remplissent pas toujours leur rôle et les logiciels de développement RAW ne parviennent pas toujours à les interpréter correctement.

Vue recto-verso des chartes TrueColors “S” et “M”

Les photographes de studio utilisent ainsi depuis très longtemps des chartes de gris dédiées à la balance des blancs – à ne pas confondre avec les vieilles chartes de gris Kodak, inadaptées au réglage de la balance des blancs (outre le fait que la plage n’est pas “neutre” d’un point de vue colorimétrique, elle est bien trop sombre pour un échantillonnage fiable sur une image RAW linéaire…).

De nombreux produits rivalisent pour attirer l’attention du client : la ColorCheckerWhite Balance, les chartes WhiBal, WarmCard, QPCard, DigiGrey, Ezybalance et RefCard, pour ne nommer que les plus connues.

On pourrait alors se demander pourquoi Profil ICC.com, prestataire en gestion des couleurs, s’apprête à commercialiser un nouveau produit (encore un…) de ce genre. Et bien, la True Colors est intéressante à plus d’un titre : teintée dans la masse et fabriquée dans un matériel épais (3 mm) et rigide, elle ne craint (presque) rien, ni chocs, ni pliures – ce qui est très intéressant pour un photographe en déplacement.

Jusque-là, j’avais toujours hésité à emmener une telle charte par crainte de l’abîmer – hormis une petite DigiGrey, glissée dans l’étui de mon flashmètre. A première vue, la TrueColors ressemble furieusement à la Digigrey, surtout la petite (taille S) qui mesure 5,3×9 cm contre 5,5×8,5 cm pour la DigiGreyMini, mais leur surface est différente : alors que la DigiGrey possède une texture un peu granuleuse, celle de la TrueColors est parfaitement lisse. Toutes deux possèdent une pastille autocollante avec deux plages, noire et blanche (utile pour corriger le contraste d’une photo) ; la DigiGrey y ajoute six plages couleur qui peuvent servir comme référence. Tandis qu’il faut acquérir un support dédié pour la DigiGrey, un simple stylo introduit dans l’encoche de la TrueColors suffit pour la positionner dans un décor. Autre bonne idée : le tour de cou à attache rapide livré avec chaque TrueColors.

Une charte “baroudeur”

Possédant des chartes de gris diverses et variées, je suis passablement perturbé par leurs différences de teinte. Outre une luminosité différente, certaines chartes sont plus “chaudes”, d’autres plus “froides”, ce qui me fait douter de leur utilité car elles sont censées de comporter un gris parfaitement neutre ! Certes, quelques fabricants publient les valeurs Lab prélevées sur une seule charte ou interpolées à partie de celles de plusieurs chartes, mais cela ne justifie pas de telles dérives.

La TrueColors ne me semble pas seulement visuellement très neutre ; vous trouverez, au dos de la charte, les valeurs Lab issues d’une mesure individuelle de chaque charte – ce qui est très rassurant quant au sérieux de son fabricant.

Compte tenu de ses atouts, la TrueColors reste très accessible, les tarifs varient entre 19,95 € et 39,95 € suivant la taille de la charte, 44,95 € et 79,95 € pour un ensemble de deux ou trois chartes. Bref, le produit est fort alléchant…

Pour davantage d’informations et des conseils d’utilisation, n’héhistez pas à consulter le site du fabricant.

La sortie récente d’un drôle de scanner à films équipé d’un capteur CMOS au lieu des habituelles barrettes CCD m’a redonné de l’espoir : las de passer de longues soirées face à l’écran dans les bruits tantôt sourds tantôt stridents de mon scanner à films, j’avais rêvé d’un outil silencieux, efficace et rapide pour numériser mes photos argentiques sans avoir à y passer une année entière…

Hommage à Franco Fontana, Hegau/Allemagne, hiver 1984, Pentax K1000, objectif 50 mm f/4 SMC Macro sur Kodachrome 25, numérisé avec Canon EOS 1Ds, objectif macro EF 100 mm f/2.8

Hélas, le Reflecta xScan, tel est le nom de cet illustre scanner sans pièces mobiles, est loin d’offrir la qualité d’image et la vitesse de numérisation requises. Bien que son constructeur annonce une résolution native de 1800 dpi et une vitesse de numérisation d’une seconde par document, ses performances réelles sont bien moins flatteuses : le site allemand Scandig lui reconnaît 1500 dpi et de 22 à 39 secondes pour la numérisation (une capture numérique, vu que le xScan utilise un capteur…) et l’enregistrement d’une image. Compte tenu de la résolution (qui ne permet que des tirages autour de 13×18 cm à 300 dpi…) et la faible étendue dynamique de l’outil, il n’est guère indiqué pour archiver les vestiges de l’époque “anté-numérique”.

Læsø, Danemark, 1984, Pentax K-1000, Super-Takumar 200 mm f/4, Ektachrome 100 numérisé avec Canon EOS 1Ds, objectif macro EF 100 mm f/2.8

Mes placards sont encore pleins d’ustensiles d’un monde disparu que je m’obstine à conserver coûte que coûte ; ainsi, je possède encore une fidèle table lumineuse et divers porte-films de mon agrandisseur. J’ai été très tenté d’utiliser ces accessoires pour numériser quelques originaux (diapos et négatifs couleur et noir et blanc au format 24×36 et en moyen format) à l’aide de mon appareil reflex numérique.

La base même du logiciel DxO Optics Pro est un système automatique de correction optique qui, sur la base de la reconnaissance de l’objectif utilisé, va rectifier la distorsion, le vignetage, l‘écart de piqué entre le centre et les bords de l’image, de même que les aberrations chromatiques. DxO permet aussi de corriger la perspective, ce qui permet des interventions créatives surtout si l’on a pensé, dès la prise de vue, à un post-traitement ultérieur.

Fuji S5 focale 18 mm

L’image qui sert de base à ce test a été prise avec un Fuji S5 et le classique zoom universel Nikon 18-200 DX VR, très pratique en promenade ou en voyage car il offre toutes les positions entre le grand-angle “ normal “ (équivalent 27 mm en 24 × 36) et le grand téléobjectif (équivalent 300 mm en 24 × 36). Cependant, surtout quand il est employé à sa focale minimale de 18 mm et à pleine ouverture, il présente quelques défauts connus et vérifiés par les tests techniques : distorsion importante, vignetage gênant dans les angles, et un peu d’aberration chromatique.

Ces défauts sont d’inégale importance :

• la distorsion a tendance à courber les lignes droites, mais est plus visible sur une ligne d’horizon que dans une église ;

• le vignetage assombrit les coins de l’image ;

• l’aberration chromatique peut provoquer des franges roses ou vertes, notamment sur les bords.

Ces contrôles sont activés par défaut quand l’image est sélectionnée dans le logiciel avec les réglages par défaut (DxO Default Preset), mais il vous est proposé de vérifier si la focale et la distance de mise au point sont correctes. En effet, l’information de distance ne figure pas dans les métadonnées de fichiers pour tous les modèles d’appareil, elle est par exemple absente de ceux du Fuji S5 alors qu’elle figure dans les fichiers de son “ cousin “ le Nikon D200 ! Si l’on ne procède pas à ce réglage facultatif, la distance se met à l’infini ce qui n’est pas gênant en paysage ou architecture, mais donnera cependant une correction moins efficace des gros plans.

Avec certains modèles d’appareils, il est conseillé de renseigner la distance de mise au point pour la correction de distorsion.

Les contrôles de base du logiciel semblent satisfaisants sur cette image, mais j’ai voulu redonner un peu de matière aux vitraux traversés par la soleil, aussi ai-je activé, dans la palette Lumière, un réglage Fort pour le Maintien des hautes lumières. En revanche, je n’ai pas modifié le Dxo Lighting, laissé sur son réglage de base (Léger).

J’ai seulement corrigé les hautes lumières pour éviter que les vitraux ne soient trop transparents.

Après ces réglages très simples, la correction d’image est de belle qualité et l’on pourrait s’en satisfaire. Cependant, il est intéressant d’expérimenter les fonctions de correction de géométrie pour donner une autre interprétation à l’image. Les déformations qui peuvent subsister ne sont pas liées à des défauts optiques proprement dits, mais à la perspective : j’ai choisi un cadrage oblique pour faire ressortir le personnage et le mur du fond à droite, alors qu’un cadrage frontal aurait supprimé ces deux éléments. Mais étant en contrebas de la chapelle, je n’ai pu que subir l’inclinaison des colonnes et leur ligne de fuite vers le haut de l’image – impossible de cadrer autrement.

Nous allons donc voir si une modification de la perspective amène une vision différente, sachant que l’appréciation pourra en être assez subjective. Dans le menu Perspective/Horizon existent plusieurs réglages que nous allons combiner.

DxO vient de mettre en ligne une mise à jour de la version 5 de DxO Optics Pro, qui permet de traiter les fichiers du gros succès des ventes de Noël en catégorie expert, le Nikon D300. Bien que Nikon présente le D300 comme son appareil “pro léger”, c’est la version standard de DxO qui accueille les modules destinés au D300, excellente nouvelle ! En revanche, cette nouvelle version n’est encore disponible qu’en environnement Windows ; la version Mac a hélas pris du retard et sortira d’abord en version bêta publique au mois de février.

Photo P. Jammes. Nikon D300, 3200 ISO

Après un lancement sans doute un peu rapide au mois de novembre (voir l’article de Volker Gilbert : DxO Optics Pro 5.0 – Chronique d’une naissance prématurée), la version 5 de DxO Optics Pro pour Windows semble avoir pris sa vitesse de croisière. La version 5.0.3b mise en ligne la semaine dernière ne soulève de problèmes de fonctionnement qu’avec certaines configurations, notamment d’ordinateurs portables, et il est conseillé en cas de blocage de contacter immédiatement le support DxO. Pour avoir fait tourner de façon intensive DxO version 5 sur trois ordinateurs Windows au mois de décembre (un sous Vista family, deux sous XP) je commence à comprendre la nature des problèmes qu’ont rencontrés certains utilisateurs… dont moi-même au début.

D’abord, sur les machines équipées XP, il a été parfois nécessaire de désinstaller, puis de réinstaller complètement le package .NET Framework de Microsoft avant d’installer DxO Optics Pro, car une nouvelle version (3.5) était devenue disponible en même temps que le programme. Ensuite, dans certains cas, une mauvaise installation de la base de données DxO a pu se produire : il suffit de l’effacer avant réinstallation dans le dossier créé par défaut dans le dossier Documents and setting>Application Data, et le logiciel en initialisera une autre lors de son démarrage suivant. Enfin, certains périphériques (tablette graphique ou lecteur d’empreinte digitale de sécurité) ont pu susciter des troubles.

Dans le dossier Storage, le fichier OPDB est la base de données DxO. En cas de problème, on peut l’effacer avant une réinstallation.

Cette situation n’est cependant pas idéale, c’est le moins que l’on puisse dire, et les développeurs ont du faire face à beaucoup de problèmes imprévus et au mécontentement des pionniers qui avaient procédé à la mise à jour payante dès sa sortie publique. Plusieurs versions corrigées ont été mises en ligne, et une version 5.0.4 est prévue pour début février : elle devrait comporter des améliorations quant à la stabilité.

Finalement a été prise la sage décision (frustrante pour les fans !) de décaler la sortie de la v5 en Mac tant que la version Windows ne serait pas corrigée de tous ses bugs, et de procéder par la voie la bêta publique qui sera proposée vers la fin de l’hiver à la communauté Mac. Ce procédé, mis en oeuvre récemment par Phase One (Capture One 4) ou par Adobe (Ligthroom) est plus sécurisant pour l’utilisateur qui peut à la fois procéder à des essais “grandeur nature” et signaler très vite les problèmes rencontrés. Rétrospectivement, peut-être aurait-il fallu procéder de même avec la version Windows…

Les actions Photoshop (ou scripts) permettent d’automatiser des opérations de retouche répétitives. Grâce à ces scripts, il est possible de mémoriser une suite de commandes dans un fichier particulier portant l’extension .atn. Vous pourrez ainsi reproduire à l’identique un traitement particulier (et souvent complexe) sur tout un lot d’images. Vous pouvez télécharger de nombreux scripts payants ou gratuits sur Internet, ou bien encore réaliser vos propres scripts.

Les scripts ont été développés pour le logiciel Photoshop (depuis sa version 5), mais rien n’avait été prévu pour sa version grand public, Photoshop Elements. Il existe fort heureusement une solution pour intégrer ces scripts dans le tout récent Photoshop Elements 6. Voici la marche à suivre.

Préambule

Comme vous pouvez le constater sur l’image ci-dessous, les scripts de Photoshop Elements sont systématiquement associés à une image au format .png. En effet, les scripts de Photoshop Elements sont affichés sous forme de vignettes dans la palette d’effets de Photoshop Elements. Il convient donc de créer cette image .png, qui sera associée au script, afin de pouvoir l’utiliser dans Photoshop Elements. Cette image .png doit impérativement porter le même nom que le fichier .atn (action) qui lui est associé.

Prenons l’exemple de mon “célèbre” script de redimensionnement sans perte de netteté, “Redim-Net TransFXBv1.1.atn”. Il convient de créer une vignette image portant le nom “Redim-Net TransFXBv1.1.png”, aux dimensions 64×64 pixels.

• Placez ensuite le script (le fichier .atn) et la vignette (.png) dans le dossier C:/Documents and Settings/All Users/Application Data/Adobe/Photoshop Elements/6.0/Photo Creations/Photo Effects.

• Maintenant, ouvrez l‘éditeur de Photoshop Elements, affichez l’onglet Effets, puis cliquez sur la petite icône comportant un “fx” (rien à voir avec mes initiales, je vous assure !) pour afficher l’ensemble des “effets”. Parcourez ensuite les vignettes jusqu‘à ce que vous trouviez la vignette “Redim-Net – V 1.1 – TransFXB”.

• Pour appliquer le script, faites simplement glisser sa vignette sur la photo.

• Pour ne pas à avoir à rechercher le script à chaque fois dans la liste par défaut, il suffit de l’ajouter aux favoris, puis d’afficher les favoris à partir de menu Fenêtre>Favoris. Il est également possible de faire glisser vos scripts les plus utilisés dans la boite de dialogue Favoris pour les y ajouter.

Post-scriptum par Volker Gilbert

En suivant les différentes étapes de cet excellent mode d’emploi très détaillé de François-Xavier, je suis enfin parvenu à modifier les quelques scripts que je propose sur mon site. Ces scripts sont dorénavant compatibles avec Photoshop Elements 6, vous pouvez les télécharger en suivant le lien précisé à la fin de l’article.

Voici les scripts en détail :

B&W. Ce script génère deux calques de réglage du type Saturation pour obtenir des conversions monochromes de qualité. En cliquant sur la vignette du calque de réglage nommé “Couleur”, vous pouvez optimiser le rendu de vos images (via les curseurs Saturation et Teinte des teintes respectives).

Smart Sharpen. Un script pour l’accentuation “intelligente”, permettant de choisir l’accentuation pour les ombres et hautes lumières de votre image. Assez “dur”, le réglage peut être modéré grâce à un réglage de l’opacité de chaque calque.

Luminance Sharpen. Ce script permet une accentuation de type Lab sur une copie de l’arrière-plan – vous pouvez ainsi accentuer vos images sans pour autant accentuer le bruit couleur.

Stair Interpolation. L’interpolation par paliers permet d’augmenter le poids et les dimensions de votre fichier par paliers de 10%. J’ai intégré ici une accentuation de type Lab pour compenser la perte de piqué engendrée par l’interpolation.

Face à la recherche de perfection ambiante qui trouve son expression dans des appareils numériques toujours plus puissants, et qui génèrent des photos toujours plus larges, plus propres et plus proches de la réalité, on oublie souvent qu’il existe une autre esthétique fondée sur la sensualité de l’imperfection, sur des images floues et déformées.

Image réalisée avec le script HolgaRoid Generator

Il y a peu de temps encore, le grand public raffolait d’appareils, aussi désuets que passionnants, fabriqués avec un manque de rigueur affligeant dans les usines du tiers monde photographique : les Holga, Lomo, Diana et Seagull, pour n’en nommer que les plus populaires. Victimes de leur succès, les plus encensés de ces “toy cameras” se négocient aujourd’hui à des tarifs irréalistes et qui frôlent l’arnaque – les Holga sont à plus de 50 € et le Seagull, qu’on pouvait acheter pour une bouchée de pain il y a vingt ans, à 200 €. En plus, afin de pouvoir photographier dans toutes les conditions, il est souvent nécessaire d’en acheter plusieurs exemplaires, chacun ayant ses propres particularités et défauts. Et il y a “last but not least” un autre facteur aggravant : tous ces appareils utilisent… des pellicules.

Image realisée avec un scanner à plat et le script PolaRoid Generator V1.1

Fort heureusement, il est possible de photographier en numérique, tout en utilisant les appareils et objectifs les plus perfectionnés, puis de dégrader les images a posteriori, grâce à deux scripts pour Photoshop, disponibles ici et là.

Les scripts, mis au point par Maxmilian Jaenicke alias rawimage, sont d’une réalisation vraiment astucieuse et professionnelle. Grâce à plusieurs points d’arrêt, ils permettent de personnaliser l’aspect final des images. Le premier s’évertue à reproduire le rendu d’une photo faite avec une Holga sur du film Polaroid “type 87”, le second le rendu d’une photo Polaroid sur du film “600” ou “SX-70 Time Zero”.

Image réalisée avec le script HolgaRoid Generator