Le boîtier idéal pour la photo rapprochée

C’est peut-être dans ce domaine que le choix est le plus complexe, et je me suis rendu compte que j’alternais régulièrement entre mes différents boîtiers pour ce type de prises de vue.

Une focale un peu longue et un capteur avec un coefficient de conversion de 1,3 ou 1,6 seront utiles pour photographier les abeilles qui butinent.

Un capteur plein format. Le plein format offre l’avantage d’une visée claire et précise, ce qui est très utile lorsqu’il faut faire le point sur la tête d’un coléoptère de quelques millimètres. Les boîtiers à petit capteur n’offrent pas ce confort de visée et, si vous êtes porteur de lunettes, le choix du viseur est encore plus important. Mais l’avantage d’un petit capteur est qu’il permet un rapport de grossissement plus élevé. En effet, les objectifs ont une distance de mise au point minimale en dessous de laquelle la photo ne peut être nette. Mais à cette même distance, si le boîtier possède un capteur avec un coefficient de conversion de 1,5, le sujet sera 1,5 fois plus gros qu’avec un boîtier plein format. Dans certaines situations, c’est très appréciable, en particulier avec de petits sujets.

En photo d’insectes, il est intéressant d’avoir un boîtier doté d’un bon autofocus si on veut réaliser des images d’animaux en vol ou en action.

Un autofocus performant. L’usage de l’autofocus dépend également de la situation. Dans certains cas, il est utile car le sujet est facile à « caler » sur un collimateur et la mise au point autofocus est très efficace, mais il y a aussi beaucoup de situations dans lesquelles le fouillis végétal et la taille réduite du sujet rendent la prise de vue en autofocus quasi impossible. Il est alors plus efficace, et plus rapide de faire la mise au point à la main.

La cadence du moteur a ici peu d’importance.

Exemples de kits reflex

Débutant

Canon EOS 1100 D et objectif EFS 18-55D : environ 370 euros

Nikon D3100 et 18-55 Vr : environ 400 euros

« Avancé »

Canon EOS 600D et objectif EFS 18-55D IS2 : environ 550 euros

Nikon D3200 et 18-55 Vr : environ 550 euros

Expert

Canon EOS 60D et objectif EFS 17-85 : environ 1 050 euros

Nikon D7000 et AF-S DX18-105 Vr : environ 1 000 euros

..

La recherche et le traitement

Une fois la séance de prise de vue terminée, transférez les images sur votre ordinateur afin de les examiner scrupuleusement à la recherche du cliché comportant une étoile filante.

Traitez l’heureuse élue selon votre méthode habituelle. Pour les paramètres de développement du RAW, ayez la main légère ; mettez notamment l’accentuation à zéro afin d’éviter la montée du bruit (toujours plus ou moins présent en astrophotographie). Le mode « Réduction de bruit longue pose » ayant été désactivé, vous remarquerez peut-être dans l’image quelques points brillants colorés, les pixels chauds. Il vous faudra les éliminer à l’aide du pinceau à clôner.

Pour cette rotation d’étoiles (on dit aussi « filé »), l’appareil a été dirigé plein nord, vers l’étoile polaire, et les poses ont été allongées à plusieurs dizaines de minutes.

..

———————————————————————————

Thierry Legault vient de publier une nouvelle édition de son best-seller, Astrophotographie. Astrophotographe amateur de renommée mondiale, sa maîtrise de l’ensemble du domaine lui a permis de réaliser toutes les photographies de cet ouvrage, dont certaines sont uniques.

L’astéroïde numéro 19 458 a été officiellement baptisé « Legault » auprès de l’Union astronomique internationale. Le prix Marius Jacquemetton lui a été décerné en 2004 pour ses travaux photographiques par la Société astronomique de France. Co-auteur du Grand Atlas de la Lune chez Larousse (2004) avec Serge Brunier, il a également écrit de nombreux articles sur l’astrophotographie dans des magazines d’astronomie en France et aux États-Unis. Il anime des stages d’astrophotographie et donne régulièrement des conférences en Europe, en Amérique et en Asie. Ses photographies, notamment de la station spatiale, sont diffusées dans le monde entier (The Times, The Guardian, The Daily Mail, The Wall Street Journal, CNN, Science et Vie, Le Monde, Le Figaro, Le Point, Ça m’intéresse, TF1, France2, M6…). www.astrophoto.fr

Mis à jour à l’occasion de cette 2e édition, son ouvrage richement illustré et documenté s’adresse à tous les passionnés du ciel. De la simple prise de vue sans instrument (constellations, étoiles filantes, comètes, éclipses…) à l’astrophotographie plus équipée pour la photographie lunaire et planétaire, la photographie solaire et la photographie du ciel profond, il vous guidera dans le choix de vos matériels, vous conseillera sur les techniques de prise de vue et de traitement et vous apprendra à identifier et à corriger les défauts présents sur vos images.

L’astrophotographie sans instrument. Appareils et réglages ♦ Les sujets ♦ Le traitement des images Les appareils de prise de vue et leur fonctionnement. Les capteurs numériques ♦ Les appareils Défauts et correction des images. Les composantes d’une image ♦ Les défauts d’uniformité ♦ Prétraitement des images ♦ Les bruits et leur réduction Techniques instrumentales. Monter l’appareil sur un instrument ♦ Calculer le champ et l’échantillonnage ♦ Le réglage optique des instruments ♦ La mise au point Les planètes et la Lune. Instruments et résolution ♦ Appareils et réglages ♦ Le traitement des images ♦ Les planètes et leurs satellites ♦ La photographie de la Lune ♦ L’ISS Le Soleil. Le Soleil en lumière blanche ♦ Le Soleil en Hα ·♦Les éclipses de Soleil ♦ Les transits Le ciel profond. Les instruments pour la photographie du ciel profond ·♦La collimation ♦ Les montures ♦ L’alignement polaire ♦ Les erreurs de suivi ♦ Le guidage ♦ Les objets du ciel profond ♦ L’atmosphère ♦ Couleur, noir & blanc et filtrage ♦ Choisir et régler son appareil ♦ La recherche des objets ♦ La prise de vue ♦ Le traitement des images ♦ Le traitement des couleurs Annexes. Les images numériques ♦ Matériels et logiciels ♦ Du capteur à l’image ♦ Les principales causes des défauts d’uniformité et leurs remèdes ♦ Contrôler et régler sa monture équatoriale ♦ Réaliser un chapelet d’éclipse ♦ Optimiser les paramètres d’un APN ♦ La photographie des jeunes croissants lunaires ♦ Traduction de quelques termes techniques

La 1^e édition de ce livre a reçu le Prix spécial du jury du Festival d’Astronomie de Haute-Maurienne Vanoise.

..

..

Étape 6

Le mode Complet va procéder à une analyse en trois dimensions du contenu de l’image et tenter une correction de l’horizon, des verticales et des horizontales sans faire de compromis, sans essayer de conserver un résultat naturel. Son application peut entraîner une rotation importante de l’image, ainsi que le non-respect du rapport largeur/hauteur original (une fois que vous aurez recadré pour éliminer les zones vides matérialisées en blanc). Dans les cas extrêmes, nous vous conseillons fortement de comparer les résultats avec ceux du mode Auto…

..

..

Étape 7

Comparons justement les résultats obtenus par l’outil Upright en mode Complet (étape 6) et en mode Auto (ci-dessous) : le rendu reste visiblement bien plus naturel en mode Auto.

Retenez que la méthode idéale de travail avec Upright consiste à essayer les boutons les uns après les autres : les corrections sont immédiates, vous pouvez les accepter ou changer de mode en quelques clics – vous gagnerez beaucoup de temps par rapport aux corrections avec les outils plus classiques comme Transformation ou « Recadrer et redresser ».

..

..

Étape 8

Si vous utilisez l’outil Upright sur une image déjà recadrée ou dont les perspectives ont été redressées au préalable avec l’outil Transformation, ces corrections seront systématiquement annulées, comme indiqué par les instructions affichées dans l’onglet Basique. Vous pouvez néanmoins forcer Lightroom à les conserver en pressant la touche Alt/Option quand vous manipulez les commandes de Upright.

..

..

Étape 9

Lightroom permet de synchroniser les corrections de Upright d’une image source vers une sélection d’images de destination. Pour cela, choisissez l’une des deux options proposées dans la boîte de dialogue – attention à la nuance :

• « Mode Upright » : chaque image sera analysée et corrigée selon le contenu qui lui est propre ;

• « Transformations Upright » : les corrections de l’image source seront appliquées exactement de la même manière aux images de destination (option à réserver pour une série d’images semblables).

..

..

————————————————————————

Cet exercice est extrait de la partie 4 « Corriger ses images » du nouveau livre de Gilles Theophile, Lightroom 5 par la pratique, paru le 11 juillet 2013 aux éditions Eyrolles (photos © Céline Jentzsch). Cette nouvelle édition a été entièrement revue et augmentée (59 exercices, 330 pages, fichiers de certains exercices à télécharger, format 21 × 23, ISBN 978-2-212-13729-3, 26 €.)

Au sommaire :

Préparer l’environnement de travail. Régler les Préférences ● Créer et gérer un catalogue ● Importer et exporter un catalogue ● Les modes d’affichage ● Les éditeurs externes ● Les modules externes ● Les piles et les copies virtuelles ● Incruster un filigrane de copyright Maîtriser le catalogage. Le menu Importer ● Trier les images ● Les collections dynamiques ● Les collections ● Les dossiers ● Gérer les mots-clés ● Les métadonnées ● Le « Filtre de bibliothèque » ● Créer un modèle de copyright ● Modifier le nom et la date des photos ● La prise de vue en mode connecté ● L’importation automatique ● Importer le catalogue de Photoshop Elements ● Le flux de travail DNG ● Le flux de travail vidéo ● Le module Cartes Développer ses images. Convertir les images dans le Processus 2012 ● Étalonner l’appareil photo ● Régler la balance des blancs ● Corriger la tonalité ● Corriger automatiquement la tonalité ● Renforcer la présence de l’image ● La « Courbe des tonalités » ● Corriger les couleurs ● Réduire le bruit ● Accentuer la netteté Corriger ses images. Supprimer les défauts ● Corriger les défauts de l’objectif ● Corriger l’aberration chromatique ● Corriger la perspective avec Upright ● Corriger manuellement la perspective ● Recadrer et redresser une image ● Le « Pinceau de retouche » ● Le « Filtre gradué » ● Le « Filtre radial » ● Convertir une image en noir et blanc ● Ajouter un virage partiel et des effets Optimiser son flux de travail. Synchroniser les réglages ● Créer des paramètres prédéfinis de développement ● Personnaliser les réglages de développement par défaut ● Créer des actions de post-traitement ● Flux de travail pour photographes pressés ● Aperçus dynamiques Diffuser ses images. Le menu Exporter ● L’épreuvage à l’écran ● Imprimer ses photos ● Créer un livre photo ● Créer un diaporama ● Le module Web ● Créer une galerie Flickr avec le service de publication ● Envoyer ses images par e-mail
..
..

10 erreurs à ne pas commettre avec son matériel

Même si votre boîtier n’est pas si fragile que ça, ne tentez pas le diable en voyage où les occasions seront nombreuses de le casser ou de le perdre. Pour autant, cela ne doit pas vous gâcher votre séjour. Restez vigilant et tout se passera bien ! Bien évidemment, cette liste est loin d’être exhaustive. Il existe en effet bien d’autres manières d’endommager son appareil photo…

Ne pas protéger son appareil de la pluie

Lorsqu’il pleut, entourez votre appareil d’un sac plastique et, si la pluie devient trop forte, rangez-le. Si vous souhaitez visiter des lieux où les averses sont fréquentes, investir dans une housse spéciale peut s’avérer une bonne idée.

Ne pas protéger son appareil de l’humidité

Il n’y a pas que la pluie qui risque d’oxyder votre appareil, il y a aussi l’humidité. Pour cela, glissez des sachets de silica dans votre sac.

Tester les chocs thermiques

Si vous êtes sorti par -15 °C et que vous rentrez ensuite vous réchauffer près d’un radiateur, laissez votre boîtier dans votre sac pendant quelques minutes. En effet, le passage d’un extrême à l’autre crée de la condensation, et ça n’est pas bon pour l’électronique. Elle se fera alors sur les parois du sac.

Se pencher quand on a l’appareil autour de son cou

Le cas classique, c’est la rencontre entre le boîtier et une table ou un muret : on se baisse rapidement, l’appareil se balance… et c’est l’objectif qui prend tout – on est alors content d’avoir un filtre ou un pare-soleil. Cela peut paraître idiot, mais ça arrive souvent. Il vaut donc mieux porter l’appareil en bandoulière qu’autour du cou, car il reste ainsi plus près du corps.

Brouillard matinal sur les montagnes laotiennes.

Laisser son sac photo ouvert

Votre sac est ouvert, vous remettez l’appareil dedans, tout en pensant à autre chose. Au moment de reprendre votre sac, son contenu se vide sur le sol, ou ailleurs… C’est particulièrement vrai avec les sacs à ouverture par le dos.

Laisser une bouteille d’eau ouverte

On ne range pas de bouteille d’eau dans le compartiment photo de son sac, ou alors on l’enveloppe dans un sac plastique. Et, surtout, on vérifie qu’elle est bien fermée. Certains sacs ont des filets sur les côtés, qui sont idéals pour y ranger sa gourde ou sa bouteille. Dans les magasins de sport, vous trouverez également des accessoires pour fixer une bouteille d’eau à un mousqueton, ce qui peut être une bonne idée pour la garder loin de votre matériel hydrophobe !

Laisser voyager son appareil en soute

En avion, une seule solution : le boîtier et ses objectifs doivent rester avec vous en cabine. Sinon, votre sac risque d’être visité ou maltraité.

Laisser sable et poussière s’infiltrer

Poussière et sable sont bien plus dangereux que l’eau. Soyez donc très précautionneux lors du changement d’objectif.

« Offrir » son appareil à un étranger

On a parfois honte d’être un touriste, avec son gros appareil photo autour du cou, et on serait tenté d’être discret en le gardant à la main. Dans ce cas, enroulez la sangle autour de votre poignet si vous ne voulez pas être victime d’un vol à l’arraché. Par ailleurs, ne laissez jamais votre sac sans surveillance, où que ce soit. Ne croyez surtout pas, par exemple, que l’auberge de jeunesse est plus sécurisée, car vos compagnons voyageurs seront souvent bien plus au fait de la valeur de votre matériel qu’un gamin des rues… Bref, ne quittez pas votre sac photo, servez-vous-en comme oreiller dans un train de nuit, et fermez à clé votre chambre d’hôtel ou utilisez les coffres parfois mis à votre disposition.

Faire faire de la chute libre à son appareil

Ce dernier point concerne tout particulièrement les détenteurs de compacts. Par pitié, mettez la dragonne au lieu de tenir votre appareil entre quatre doigts. À la moindre bousculade ou au moindre sursaut, celui-ci risque de vous échapper, voire de s’écraser plusieurs centaines de mètres plus bas.

 Ce texte est extrait du livre d’Aurélie Amiot, Conseils photo pour les voyageurs, éditions Eyrolles, 200 p., ISBN 978-2-212-13693-7.

Passionnée de photo et de voyages, Aurélie Amiot a créé le blog Madame Oreille sur lequel elle publie les images prises au cours de ses nombreux voyages, ainsi que des conseils de prise de vue.

Conseils photo pour les voyageurs

—

Étape 6

Vous pouvez aller encore plus loin dans la précision en appliquant un paramètre de développement par défaut par numéro de série d’appareil photo, notamment si vous avez plusieurs exemplaires du même modèle, et même en fonction de la sensibilité ISO des fichiers importés. Pour mettre en place cette possibilité, allez dans Préférences>Paramètres prédéfinis et cochez l’une des deux options « Valeurs par défaut spécifiques au numéro de série de l’appareil photo » ou « spécifiques au paramètre ISO de l’appareil photo », ou les deux à la fois, puisque vous pouvez les combiner ! Dans ce cas, la boîte de dialogue présentée à l’étape 4 va s’enrichir d’informations supplémentaires : numéro de série de l’appareil et sensibilité ISO retenue.

Étape 7

Pour revenir au comportement normal et aux réglages d’usine du module Développement, vous pouvez allez dans les Préférences>Paramètres prédéfinis, puis cliquer sur Réinitialiser tous les paramètres de développement par défaut, ce qui va supprimer tous les paramètres enregistrés.

Si vous préférez travailler au cas par cas, allez dans le module Développement, menu Développement>Définir les paramètres par défaut puis, dans la boîte de dialogue, cliquez sur Restaurer les paramètres Adobe par défaut. L’autre bouton, Mettre à jour les paramètres actuels, permet d’enregistrer toute modification au paramètre par défaut sélectionné.

—

————————————————————————————————————

Cet exercice est extrait de la partie 5 « Optimiser son flux de travail » du nouveau livre de Gilles Theophile, Lightroom 5 par la pratique (photos © Céline Jentzsch), paru le 11 juillet 2013. Cette nouvelle édition a été entièrement revue et augmentée (59 exercices, 330 pages, fichiers de certains exercices à télécharger, format 21 × 23, ISBN 978-2-212-13729-3, 26 €.)

Au sommaire :

Préparer l’environnement de travail. Régler les Préférences ● Créer et gérer un catalogue ● Importer et exporter un catalogue ● Les modes d’affichage ● Les éditeurs externes ● Les modules externes ● Les piles et les copies virtuelles ● Incruster un filigrane de copyright Maîtriser le catalogage. Le menu Importer ● Trier les images ● Les collections dynamiques ● Les collections ● Les dossiers ● Gérer les mots-clés ● Les métadonnées ● Le « Filtre de bibliothèque » ● Créer un modèle de copyright ● Modifier le nom et la date des photos ● La prise de vue en mode connecté ● L’importation automatique ● Importer le catalogue de Photoshop Elements ● Le flux de travail DNG ● Le flux de travail vidéo ● Le module Cartes Développer ses images. Convertir les images dans le Processus 2012 ● Étalonner l’appareil photo ● Régler la balance des blancs ● Corriger la tonalité ● Corriger automatiquement la tonalité ● Renforcer la présence de l’image ● La « Courbe des tonalités » ● Corriger les couleurs ● Réduire le bruit ● Accentuer la netteté Corriger ses images. Supprimer les défauts ● Corriger les défauts de l’objectif ● Corriger l’aberration chromatique ● Corriger la perspective avec Upright ● Corriger manuellement la perspective ● Recadrer et redresser une image ● Le « Pinceau de retouche » ● Le « Filtre gradué » ● Le « Filtre radial » ● Convertir une image en noir et blanc ● Ajouter un virage partiel et des effets Optimiser son flux de travail. Synchroniser les réglages ● Créer des paramètres prédéfinis de développement ● Personnaliser les réglages de développement par défaut ● Créer des actions de post-traitement ● Flux de travail pour photographes pressés ● Aperçus dynamiques Diffuser ses images. Le menu Exporter ● L’épreuvage à l’écran ● Imprimer ses photos ● Créer un livre photo ● Créer un diaporama ● Le module Web ● Créer une galerie Flickr avec le service de publication ● Envoyer ses images par e-mail

—

—

.

Paramètres d’acquisition : optimisation des médias

Une fois que vous avez appuyé sur le bouton Importation, une nouvelle fenêtre de paramétrage de l’acquisition s’ouvre. Elle permet notamment de choisir une option très importante concernant la conversion (ou non) des rushes dans un codec optimisé.

Choix des paramètres d’acquisition. Le cadre bleu indique une partie grisée car, les rushes provenant d’une carte mémoire, Final Cut Pro oblige à les copier sur le disque dur de travail.

Il est aussi possible d’opter pour une optimisation des médias (conversion dans un codec de postproduction). Ce qui a l’avantage de simplifier les traitements des fichiers vidéo par l’ordinateur, mais a aussi l’inconvénient de requérir un plus grand espace de stockage sur les disques durs. Décider d’optimiser ou non les médias de production que vous allez créer dépendra de votre configuration matérielle. Néanmoins, Final Cut Pro X étant un logiciel professionnel, la fluidité du travail est prioritaire par rapport à la quantité de disques durs à utiliser, je vous conseille donc de toujours « optimiser » vos médias, dans la mesure du possible.

Pour rappel, les fichiers d’une carte mémoire de 16 Go représentant 50 min d’enregistrement avec un Canon 5D Mk II requièrent environ 52 Go de stockage une fois optimisés, soit plus de trois fois la place nécessaire au stockage des originaux. Pour ce faire, cochez la case « Créer un média optimisé » de la fenêtre des paramètres d’importation, à la rubrique Transcodage.

Optimiser avec le codec Apple Pro Res 422

Final Cut Pro X fait appel à un codec développé par Apple pour convertir les rushes en médias de production optimisés. Il s’agit de l’Apple Pro Res 422 qui est utilisé par de très nombreux fabricants de matériel d’enregistrement pour sa qualité. Les fichiers vidéo enregistrés dans ce codec pèsent environ 64 Go pour une heure en haute définition. Il est impossible de déceler à l’œil la différence entre l’original et la version optimisée, en revanche la plupart des calculs seront beaucoup plus rapides qu’avec les rushes originaux.

Je vous recommande ce passage par un codec intermédiaire (média optimisé – Apple ProRes 422) dans la mesure où une grande partie des ordinateurs sur lesquels Final Cut Pro est installé ne satisfont pas aux exigences de performance du logiciel. Si vous avez une très bonne configuration, vous pouvez cependant vous en passer.

Final Cut Pro X permet de travailler sereinement et de manière fluide sur un ordinateur avec au minimum un processeur i5-i7, 8 Go de RAM et une carte graphique avec 1 Go de VRAM. Et c’est pour moi le minimum. Si votre configuration est en deçà de ces spécifications, je vous conseille d’optimiser vos médias ; si vous disposez d’une station plus puissante ne les optimisez pas (en tout cas vous pouvez faire des tests sans optimisation).

Paramètres d’acquisition : améliorations audiovisuelles des rushes

Certaines interventions comme des stabilisations de plans qui tremblent, des corrections de balance des blancs (qui créent des dominantes bleues ou orangées), des améliorations de la clarté des sons (lorsque les prises de sons sont de qualité médiocre) sont réalisables dès la phase d’acquisition. Il suffira de cocher les cases correspondantes afin que ces modifications/améliorations soient effectuées. Toutes ces modifications utilisent les ressources de l’ordinateur,  c’est la raison pour laquelle je ne les coche pas de manière systématique ; il sera toujours préférable de les activer à la demande en fonction des besoins des différents plans.

Une fois vos réglages effectués, il suffit de cliquer sur le bouton «importer» en bas à droite pour valider l’acquisition. Vous pourrez commencer à travailler avec ces images alors même qu’elle ne seront pas encore copiées sur votre disque dur de travail.

Vous venez d’acquérir vos vidéos dans Final Cut Pro X, vous pouvez faire de même avec des photos ou tout autre contenu audiovisuel (images fixes, musiques…). Une fois la phase d’acquisition terminée, vous pourrez vous atteler au classement et à l’organisation des médias de production. Si vous n’avez pas beaucoup d’images, vous pourrez vous lancer directement dans le montage qui est une étape passionnante !

————————————————————–

Olivier Vigneron est formateur certifié Apple puis Apple Mentor et certifie depuis les formateurs Final Cut Pro. Il crée en 2008, en collaboration avec Erwan Le Cloirec, YakYakYak.fr, un site communautaire sur la suite de logiciels Final Cut Studio. Il est par ailleurs auteur de tutoriels vidéo sur Final Cut Pro chez Elephorm.

Le choix du point de vue : objectif ou subjectif

Au-delà de son influence sur le cadrage et l’esthétique, le point de vue en vidéo permet de jouer avec le type de narration et en cela conditionne l’implication du spectateur, mais aussi le caractère plus ou moins frappant de certains plans, dès lors que le sujet est en mouvement.

En termes de sémantique, un point de vue extérieur se veut plus ou moins objectif. Le plan tourné relate une scène sans y prendre part, exactement comme un récit à la troisième personne. C’est d’ailleurs le type de plan le plus fréquemment employé car il s’avère assez universel et d’une écriture relativement facile, en reportage comme en fiction.

En effet, tous les sujets ne se prêtent pas aux plans dits en « caméra subjective » (encore que…) où le vidéaste choisit, en filmant la scène du point de vue du protagoniste, d’orienter et d’impliquer le spectateur comme s’il vivait lui-même la scène. S’il n’est pas le premier exemple de ce parti pris narratif, Le Projet Blair Witch, de Daniel Myrick et Eduardo Sánchez, figure certainement parmi les plus populaires.

Plus modestement, on peut aussi jouer des points de vue en « caméra embarquée », dont le principe et l’effet sont proches de celui de la caméra subjective, mais dont le but est plus souvent spectaculaire que sémantique ou narratif. Quoiqu’il en soit, installer son 5D Mark III sur un karting, une voiture télécommandée, ou filmer « de l’intérieur » sa propre descente à ski ou en parapente est incontestablement ludique et donne souvent lieu à des plans très surprenants. S’ils ne se suffisent pas nécessairement à eux-mêmes, ils sont très utiles pour dynamiser un montage. Par rapport à du matériel de cinéma, la compacité et la légèreté du boîtier autorisent de nombreuses fantaisies en la matière et l’appareil offre infiniment plus de souplesse en termes de gestion des paramètres et de rendu d’image qu’une GoPro. Ce type de plan a par ailleurs une vertu intéressante quand on débute : plus le point de vue est original et vertigineux, plus les spectateurs seront indulgents si l’image manque de stabilité !

En vidéo plus encore qu’en photo, il est nécessaire de capter l’attention du spectateur et, dans la mesure du possible, de l’impliquer dans la scène. Ici, j’ai choisi un point de vue subjectif au grand-angle le temps de l’installation dans l’hélicoptère, puis j’ai réalisé différents plans aériens avec une focale plus longue. Le tout, en conservant le point de vue du passager que j’étais. (© Vincent Luc)

Les mouvements de caméra

C’est une des notions les plus nouvelles pour les photographes, mais elle reste intuitive puisque c’est souvent comme cela que l’on découvre ou analyse une scène. Les mouvements de caméra permettent à la fois de faire découvrir un contexte, de guider l’attention du spectateur, voire de jouer sur les sentiments qu’il éprouve.

● Le panoramique (ou panotage) : il s’agit de la rotation de la caméra sur son axe, un peu comme un observateur tourne la tête pour découvrir un lieu ou un vaste panorama. Ce mouvement contextualise une scène, sans pour autant impliquer l’emploi d’un très grandangle. On « panote » ainsi sur un paysage avant d’arriver par exemple sur un personnage. Un trépied et une tête fluide sont très utiles, que l’on réalise un mouvement vertical ou horizontal. Pour autant, du fait de la compacité et de la légèreté du 5D Mark III, des mouvements plus originaux et dynamiques sont aussi envisageables (en courbe par exemple), quand on travaille à main levée.

● Le travelling : la caméra est mobile, mais cette fois son axe reste fixe. Elle peut se déplacer en avant (un travelling avant concentre l’attention du spectateur vers un sujet), sur le côté (un travelling latéral autorise le suivi d’un sujet en mouvement sans systématiquement nécessiter de réviser la mise au point) ou en arrière (le travelling arrière permet de partir d’un sujet et de l’inscrire dans un contexte, voire de le mettre en abyme). Étant donné que la caméra est mobile, lors d’un travelling, la perspective est modifiée.

● L’angle : comme en photo, l’orientation vers le haut ou vers le bas crée des effets visuels et induit une sémantique différente. Une plongée sous-entend plus ou moins la domination du sujet qui se voit comme écrasé, donnant au spectateur un sentiment de puissance ; inversement, la contre-plongée favorise une certaine domination du sujet sur le spectateur alors fragilisé.

● Le coup de zoom ou travelling optique : bien qu’il ne s’agisse pas à proprement parler d’un mouvement de caméra, le coup de zoom s’avère ludique et parfois salvateur. Il permet de faire comme si l’on s’approchait ou s’éloignait d’un sujet ; le point de vue étant fixe, la perspective reste alors inchangée, ce qui est parfois bien utile. En revanche, réaliser un mouvement fluide sans commande de zooming motorisée est assez délicat et demande souvent plusieurs prises. On peut aussi combiner travelling arrière et coup de zoom avant (et inversement) dans ce que l’on appelle un « travelling compensé » !

Ce texte est extrait du livre de Vincent Luc et Pascale Brites, Maîtriser le Canon EOS 5D Mark III, paru aux éditions Eyrolles (ISBN 978-2-212-13520-6).

Quels sont les enjeux du métier ?

Ils sont importants et riches de conséquences. Un certain nombre de « nouveaux » photographes se lancent dans la photo suite à une première carrière qui leur a fourni des satisfactions souvent plus financières que valorisantes. L’envie d’une reconversion survient à un moment où leur travail n’apporte plus le contentement, ni même le plaisir d’accomplir et/ou d’obtenir des résultats.

À cette étape de leur vie, les responsabilités familiales, sociales, etc., rendent la prise de risque délicate et leur imposent de bien mesurer l’aventure qui s’annonce. Certains pourraient être rebutés par les défis et aléas du métier, et pourtant la plupart se jettent dans le bain, fort de leurs expériences.

Là où cela se complique souvent, pour ne rien vous cacher, c’est avec les personnes qui envisagent une carrière purement artistique. En effet, rares sont ceux qui peuvent prétendre vivre uniquement de la vente de leurs tirages, surtout au démarrage de leur activité. Pour vivre de la photographie, développer un volet affaires, qui inclut une concentration marketing, est alors quasiment indispensable.

De même qu’avec ce photographe qui préfère proposer des images pour satisfaire son égo créatif sans tenir compte des besoins de son client. Étant de nos jours plus informé, le client n’acceptera pas d’investir dans une prestation qui ne répond pas à ses attentes – qu’il s’agisse de photographie ou de tout autre produit – et de traiter avec un « partenaire » qui ne respecte pas le jeu de la relation client. Il est donc illusoire de croire que la vente se fera toute seule. Il est fort possible qu’il y ait même conflit entre les deux parties à cause du manque de perception de valeur et de compréhension. Il s’en suit un manque de respect de part et d’autre, et la profession finit par en souffrir.

Quels sont donc les enjeux du métier ?

• Développer une activité saine et épanouissante, sans le stress ni l’angoisse des fins de mois dans le rouge.
• Obtenir une qualité de vie à la hauteur de ses souhaits et ambitions.
• Bénéficier d’une vie familiale équilibrée, propice au développement de projets personnels (pour soi, son conjoint, ses enfants).
• Générer un salaire régulier assurant le niveau de vie de la famille et le développement de projets (voir points précédents).
• Pouvoir se former pour rester un professionnel efficace et pertinent sur son marché.
• Pouvoir s’autoriser des vacances sans culpabiliser à l’idée de perdre des contrats.

Et la liste s’allonge… Vous voyez certainement où je veux en venir.

[…]

___

Cet article est extrait de Vivre de ses photos – Et si le marketing était la clé ?, actuellement en librairie, dans la collection « Photographe PRO » (ISBN : 978-2-212-13652-4).

André Amyot a exercé en tant que photographe professionnel pendant plus de 35 années, durant lesquelles il a monté l’un des studios les plus prospères du Canada. Il poursuit aujourd’hui une carrière de coach et d’auteur, en France et au Canada, afin de guider et d’accompagner les photographes dans le lancement et l’évolution de leur activité.

Étape 5

Modifiez les paramètres Exposition (+0,20), Contraste (+11), « Tons foncés » (+16) et Clarté (+12) de l’outil « Pinceau de retouche » (mode Ajouter), puis passez à l’outil « Filtre gradué » (G) pour finaliser l’image : deux effets de dégradé, partant respectivement des bords supérieurs et inférieurs de l’image, aident à mieux différencier les différents éléments composant ce paysage presque minimaliste. Pour les paramètres des dégradés, reportez-vous à la figure ci-dessous.

L’image finale rétablit l’équilibre des couleurs au premier plan sans pour autant réchauffer les couleurs des parties ensoleillées.

Pour reproduire cet exercice sur votre ordinateur, téléchargez le fichier Original_42.dng, décompressez-le puis ouvrez-le dans Photoshop CS6 ou Lightroom 4. Les étapes y sont inscrites sous forme d’instantanés.

L’article présent est extrait de l’ouvrage Photoshop CS6 et le RAW par la pratique, de Volker Gilbert, paru aux éditions Eyrolles en mars 2013 (26 € TTC – 256 pages en couleurs – 21 x 23). © Groupe Eyrolles 2013. ISBN 978-2-212-13646-3

.

Chercher la bonne occasion

Le marché de l’occasion est un des moyens d’éviter de payer le prix fort lors du passage du DX vers le FX, mais attention aux désillusions : nous ne conseillons pas la plupart des anciens zooms autofocus AF ou AFD, et surtout pas les zooms grands-angles 18-35 et 24-50 mm, même si le 28-105 mm peut encore dépanner et que le 80-200 mm f/2,8 fournit toujours un piqué honorable. Les anciens 70-210 mm et surtout 75-300 mm, que l’on trouve bradés en occasion, le sont tout simplement parce que leur piqué ne peut plus donner satisfaction sur un capteur de 24 Mpix. Du côté des fixes, attentions aux très grands-angles 14 et 18 mm clairement dépassés, mais les focales moyennes de 85, 105 ou 135 mm et les Micro-Nikkor sont encore tout à fait recommandables.

.

En conclusion

Pour un usage basique et familial, le passage au format 24 × 36 est un saut financier très important. À définition égale de 24 Mpix, le kit du nouveau D7100 est proposé  à 1 349 € avec le 18-105 mm contre 2 499 € pour le D600 + 24-85 mm. En zooms téléobjectifs, il n’existe pas d’offre d’entrée de gamme en 24 × 36, ni d’offre expert ou pro en DX, d’où là aussi un écart de prix en défaveur du format DX. En revanche, la différence est moins importante en zooms grands-angles et inexistante en gamme pro et en focales fixes ultra-lumineuses, dans la mesure où il n’existe pas de gamme pro en DX Nikon – pour accéder à ces focales fixes sur un petit boîtier on est obligé d’acheter des objectifs FX qui resserviront évidemment en cas de passage du boîtier au format FX.

Pour rendre la transition moins douloureuse, on peut s’adresser aux marques compatibles et au marché de l’occasion, mais attention à ne pas choisir de modèle qui était réputé il y a 20 ans mais qui est aujourd’hui dépassé par la définition du capteur : un film argentique a la capacité de séparer les détails fins comme un 8 Mpix numérique… trois fois moins de résolution optique qu’un D600 en fait. Aucun des modèles qui était déconseillé dans notre livre de tests sur le D700 (12 Mpix) n’est repris dans celui du D600, pour cause de qualité désormais insuffisante. Ceux qui y figurent doivent faire l’objet d’un examen sur leur bon état avant achat, et de ce point de vue les boutiques peuvent être plus rassurantes que les annonces sur le Web.