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Quel photographe n’a jamais rêvé de voir son travail réuni entre les pages d’un livre ? Tandis que les beaux livres de photographie conçus par le biais de l‘édition traditionnelle inondent les tables des libraires, l’autopublication de livres photo s’avère de plus en plus dynamique. Alors trouver un éditeur ou s’autopublier ? Prochainement disponible, “Photographes, publiez votre livre photo !” devrait vous aider à trancher. Extrait…

Les livres photo n’ont jamais suscité autant d’intérêt qu’aujourd’hui. Depuis une quinzaine d’années, l’attrait qu’ils exercent s’est accru à un rythme accéléré, phénomène dû pour une large part au récent engouement de l’art contemporain envers la photographie. Chaque année, on publie plusieurs centaines de livres de photos dans le monde entier, aussitôt recherchés et achetés par des collectionneurs fanatiques – et vendus pour certains trois à quatre fois le prix de vente initial. Ils fournissent à l’artiste un passeport pour accéder à la scène internationale de l’art photographique. Des expositions, des conférences, des visites guidées d’exposition, des séances de signatures et des interviews dans la presse voient le jour du fait d‘être publié. L’offre et la demande semblent toutes deux en augmentation.

Dans un tel contexte, les opportunités de publier un livre de ses propres photos n’ont jamais été aussi nombreuses. Aujourd’hui plus que jamais, les artistes débutants comme les photographes professionnels se demandent : “Comment dois-je m’y prendre pour soumettre mon projet à un éditeur ?”

Pour beaucoup de photographes, le parcours traditionnel de l‘édition paraît trop lourd à affronter. Aussi, l’autoédition peut-elle leur sembler la meilleure solution pour présenter leurs œuvres au public. Or, si vous décidez de vous autoéditer, vous vous rendrez vite compte que l’assistance de professionnels à chaque étape est déterminante, et que s’autoéditer n’est peut-être pas plus simple que de démarcher un éditeur.

Travailler avec une maison d‘édition implique de traiter avec des professionnels expérimentés afin que le livre soit une réussite. Ce travail de collaboration exige que vous soyez prêt à faire des compromis dans certains domaines ; vous aurez peut-être parfois l’impression que certaines décisions vous échappent. Le livre ne sera pas simplement votre livre – il fera partie de la production d’une entreprise, s’inscrivant dans son catalogue, et véhiculant son image de marque. L‘édition traditionnelle pourra généralement rendre votre œuvre accessible à un public beaucoup plus vaste que vous ne pourriez le faire tout seul et lui conférera une plus grande légitimité auprès des lecteurs. S’autoéditer revient à assumer seul – ou presque –, avec vos faibles moyens, toutes ces tâches de conception, de fabrication et de diffusion. Pour former une équipe (car vous ne pourrez tout faire !), vous aurez besoin de trouver et de diriger des personnes qui interviendront à des moments clés du processus. Les autoéditeurs qui réussissent sont ceux qui sont organisés, qui possèdent en outre un esprit d’entreprise, qui connaissent leur public, savent comment l’atteindre et disposent des ressources financières et des compétences techniques suffisantes pour endosser ces différents rôles.

Dans le style “cuisine nouvelle ” la nouvelle tendance en livre photo est le mini-format. Ainsi, l’éditeur Pearson vient de publier deux nouveaux ouvrages dédiés à la photographie de paysage et à l’exposition. Proposés dans un format de poche, ils tiennent aisément dans un sac à main ou un fourre-tout photo tout en conservant un contenu assez dense.

“Le guide tout terrain du paysage” du photographe Carl Heilman II évoque tous les aspects de la photo de paysage que ce soit l’équipement, la technique, la prise de vue, les effets créatifs ou le flux de production. La progression du livre est logique et on peut même piocher les informations qui nous intéressent sans être obligé de tout lire. La présentation du livre est agréable et attire le regard. Le livre est particulièrement riche en images très variées. On sent que l’auteur a pris un soin particulier pour illustrer ses propos et c’est déjà un plaisir de le feuilleter même sans le lire. On peut cependant lui reprocher son petit format qui rend la lecture malaisée, notamment pour ceux ayant dépassé le cap des 40 ans… De même, les photos auraient gagné à être reproduites dans une taille plus avantageuse. Ce mini-format économique est une initiation agréable en la matière sans pour autant se substituer à d’autres ouvrages plus spécialisés.

“Le guide tout terrain de l’exposition” de l’auteur à best-seller Michael Freeman semble être issu de l’ouvrage “L’art de l’exposition” du même auteur. Remodelé et écrémé pour s’adapter à son petit format, l’ouvrage en petit format reprend la structure de l’ouvrage original. Ce dernier enseigne de manière très didactique comment aborder l’exposition sur le terrain. Les principales problématiques de l’exposition sont abordées y compris ceux qui sont spécifiques au numérique, notamment le bruit, la page dynamique et l’écrêtage des hautes lumières.
Bien illustré et agrémenté de schémas techniques, l’ouvrage permet de comprendre les méthodes de travail de l’auteur. L’ouvrage pêche cependant par son petit format qui rend illisibles certaines illustrations comparatives et ainsi incompréhensibles les propos associés. C’est dommage car les propos de Michael Freeman sont pertinents. Ce nouveau format économique se prête donc plus ou moins bien aux ouvrages techniques. En somme, je ne retrouve pas les mêmes sensations que pour l’ouvrage de Carl Heilman II et je préférerais l’ouvrage de Michael Freeman dans son format d’origine.

Extrait de “Photographier la nature en macro- guide pratique” de Gérard Blondeau dont la deuxième édition est parue en novembre 2010 aux éditions Eyrolles.

La toile, une merveille d’architecture

Il y a quelque chose de magique dans une belle toile d’araignée. Les plus visibles sont les grandes toiles rondes des épeires. En vous levant tôt, vous découvrirez, avec la rosée, leurs délicates guirlandes scintillantes sous le soleil. Faciles à voir au milieu de leur logis, les épeires pourraient bien devenir vos modèles préférés. Il existe aussi d’autres espèces plus timides qui se dissimulent dans une cachette située sur un côté de leur toile. Une des astuces pour les inciter à se montrer est d’utiliser un diapason. En le faisant vibrer puis en touchant doucement la toile, vous éveillerez la curiosité de l’animal qui, intrigué, ne tardera pas à apparaître. La capture d’une proie constitue toujours une scène fantastique à photographier. Observez bien le moment où, sa proie capturée, l’araignée l’enveloppe d’un flot de soie en la faisant tourner avec deux de ses pattes.

Extrait de “Photographier la nature en macro- guide pratique” de Gérard Blondeau dont la deuxième édition est parue en novembre 2010 aux éditions Eyrolles.

La photo d’insectes en vol : voilà le genre de sujet qui représente un véritable défi pour le photographe, et qui fera bien le jeu du numérique. Le résultat n’est jamais acquis malgré les nombreux essais qu’il réclame, car leur petite taille et leur mobilité rendent la prise de vue des insectes toujours aléatoire. L’amateur confirmé ou l’expert pourra se lancer dans l’achat de matériel coûteux mais, avant d’en arriver là et pour se faire la main, il existe quelques méthodes simples.

Les ailes déployées

Avant de tenter de saisir l’animal en plein vol, essayons d’abord de le photographier les ailes déployées.
Les coléoptères et les punaises, par exemple, possèdent des ailes membraneuses cachées sous des élytres. Avant de déplier les premières, ils doivent soulever les secondes. Il faut donc prendre le temps de bien les observer pour être prêt le moment venu, car l’action ne dure que peu de temps. Avec un peu d’habitude, on finit par déclencher au bon moment, même si la photo n’est pas réussie à chaque fois. Pour obliger les coléoptères à ouvrir leurs ailes, on peut jouer à… « la petite bête qui monte », ces insectes choisissant souvent pour décoller le point le plus élevé. Commencez donc par leur préparer un décor, par exemple un morceau de bois sur un fond assez uni. Côté matériel, il vous faudra un 100 mm macro et plusieurs flashs : la vitesse de l’éclair figera le mouvement. Ne cadrez pas trop serré et prévoyez un peu d’espace supplémentaire afin de ne pas être pris de court par le décollage.

Dans un premier temps, il est préférable de s’exercer avec des insectes assez gros et plutôt lents comme les hannetons ou les longicornes. La coccinelle qui s’envole au bout du doigt est un classique, mais sa petite taille nécessite un grandissement trop important pour des premiers essais.

Pour photographier le hanneton, il faut profiter du court moment où, arrivé en haut d’un support, il ouvre ses élytres et déplie ses ailes. 200 ISO, 100 mm macro et deux flashs, 1/125 s à f/22. Prévoyez également un ou une partenaire dynamique qui, n’ayant pas peur des petites bêtes, les localisera et les rattrapera. Les insectes doivent être en pleine forme, pas question de leur offrir un petit séjour au frigo. Et n’oubliez pas qu’ils ont aussi besoin d’un peu de repos, laissez-les souffler de temps en temps…

Sur le dos

Certains insectes retournés éprouvent des difficultés à se redresser. Pour ce faire, ils entrouvrent leurs élytres. Pour les photographier, placez-les sur le dos, sur une surface lisse (une plaque de verre ou d’altuglas opaque, par exemple). La prise de vue doit être rapide, avant leur envol tourbillonnant, d’où la nécessité, là encore, de disposer d’un assistant qui les manipulera si nécessaire. Sous le verre, un flash en contre-jour évitera les reflets. On peut placer l’appareil au-dessus ou en dessous du verre (voir la photo suivante).

L’affût devant les fleurs

Repérez une belle fleur régulièrement visitée par les insectes. Installez en face d’elle votre appareil sur un pied solide et cadrez assez large à l’aide d’un 100 mm macro. Utilisez au moins deux flashs dont la rapidité des éclairs figera le mouvement de l’animal. Leurs ailes battent très vite et le bout en sera rarement net, mais ce flou de bougé accentue l’impression de dynamisme. La puissance des flashs intervient peu dans ce type de prise de vue. Pour ma part, j’ai réussi à geler les ailes d’un sphinx ou de syrphes à l’aide d’un flash annulaire Canon de nombre-guide 11, alors que je n’y parvenais pas avec deux grosses torches Metz de nombre-guide 60 !

Pour réduire la durée de la vitesse de l’éclair avec un flash TTL, placez-vous très près et ne fermez pas trop le diaphragme. Pour le même résultat, l’autre solution consiste à utiliser le flash (s’il autorise ce réglage, bien sûr) au quart ou au 1/64e de puissance. Il en faudra alors plusieurs et vous devrez effectuer de nombreux essais pour affiner vos réglages. Le Metz 60 CT4 propose de diminuer de 1/2e, 1/4e, 1/8e, 1/16e, 1/32e, 1/64e, 1/128e, 1/256e la puissance de l’éclair.

Extrait de “Composition Pratique photo, paru aux éditions Eyrolles (édition originale PeachPit Press). Auteurs : Auteur(s) : Laurie Excell , John Batdorff , David Brommer , Rick Rickman , Steve Simon. Adaptation : Danielle Lafarge. Le chapitre 7, Le noir et blanc-Apprendre à voir et blanc, est de John Batdorff (Texte et images)

À dire vrai, je photographie souvent des paysages quand je suis sur les routes à travers le pays. D’ailleurs, les photos sont souvent prises depuis la route. N’avez-vous pas souvent vu des paysages magnifi ques alors que vous étiez derrière le volant ? Arrêtez-vous et prenez une photo. Je me dis souvent que la vie est trop courte et que je veux garder un souvenir de cet instant. À mes yeux, la photographie n’est pas qu’une forme d’art, elle sert aussi à relater nos expériences. Souvenez-vous que la seule mauvaise image est celle qui n’est jamais prise. Cela paraît une évidence, mais si vous voulez prendre de belles photos de paysages, il faut bien sûr commencer par les prendre !

Avant de déballer tout mon équipement, je commence par visualiser la scène à travers l’appareil. Quand j’aborde une scène de paysage pour la première fois, je vérifie toujours que ce que je vois est correctement transposé dans l’appareil photo. Ce n’est pas toujours le cas. Divers facteurs peuvent empêcher la création d’une bonne photo, mais le plus souvent, c’est une question de profondeur de champ ou de distorsion. Le sujet est trop éloigné pour être transposé correctement, ou bien on ne parvient pas à trouver la perspective qui le met en valeur. Il m’arrive de changer d’objectif pour vérifier la focale, mais c’est tout ; quand on déplie le trépied, c’est comme quand on accepte d’aller chercher quelqu’un à l’aéroport, on prend un engagement. Que risquez-vous ? Prenez le temps d’admirer la vue. Malgré les protestations de la famille, arrêtez-vous sur le bas-côté et vérifiez s’il y a matière à prendre une photo. Vous serez content d’avoir essayé et vous pouvez toujours promettre une glace au prochain arrêt.

Extrait de “Composition Pratique photo, paru aux éditions Eyrolles (édition originale PeachPit Press). Auteurs : Auteur(s) : Laurie Excell , John Batdorff , David Brommer , Rick Rickman , Steve Simon. Adaptation : Danielle Lafarge. Le chapitre 7, Le noir et blanc-Apprendre à voir et blanc, est de John Batdorff (Texte et images)

À l’ère du numérique, la photographie en noir et blanc connaît un regain d’intérêt, peut-être lié au fait qu’il n’a jamais été aussi facile de créer de magnifiques images en noir et blanc. Même si le flux de production des photos noir et blanc n’est pas le même en numérique et en argentique, les ingrédients d’une bonne image n’ont pas changé. Il faut rester à l’affût d’éléments marquants, comme des tons contrastés, des lignes, des motifs, des formes et des textures, et apprendre à voir en dégradés de gris. Le post-traitement n’a jamais été aussi facile ; nous avons accès à des logiciels étonnants qui permettent d’extraire la quintessence de nos images. Dans ce chapitre, nous parcourons ma méthodologie de travail en noir et blanc, en commençant par ce que je recherche avant d’appuyer sur le déclencheur, et en allant jusqu’à mes habitudes de post-traitement, sans oublier de décrire au passage l’équipement mis à contribution pour obtenir des clichés parfaits.

Quand choisir le noir et blanc ?

On me demande souvent : “John, qu’est-ce qui vous pousse à traiter une image en noir et blanc ?” Ma famille travaille dans la presse depuis plus d’un siècle. J’ai grandi en lisant les journaux et j’ai vu d’innombrables photos en noir et blanc. Je pense toujours en noir et blanc. Je ne me demande pas quand passer au noir et blanc, mais plutôt quand traiter une image en couleurs. Il y a quelque chose d’intemporel dans une bonne photo en noir et blanc et, à mon avis, il y a moins de risques de se tromper. Je prends beaucoup de photos en couleurs. Mais il est difficile de trouver les couleurs justes, sans dater son travail au passage. Pour moi, le noir et blanc est naturel. Il ne fait aucun doute que certains clichés s’y prêtent davantage. Nous allons passer en revue quelques-unes des réflexions qui me viennent à l’esprit lors du repérage et de la création d’images noir et blanc.

Vision d’un monde en noir et blanc

Je pense rarement en couleurs. Bien au contraire, j’élimine mentalement les couleurs de l’image, puis je classe cette dernière dans différentes catégories en fonction de ses points forts. Apprendre à voir en noir et blanc demande beaucoup d’entraînement, mais c’est réalisable. Vous progresserez en vous exerçant aussi souvent que possible. L’aspect positif de cette pratique régulière est qu’elle améliore non seulement vos images en noir et blanc, mais aussi vos images couleur. La photographie en noir et blanc est l’occasion d’éliminer un élément primordial – la couleur – et de se concentrer sur les autres éléments plus difficiles à visualiser. Nous allons examiner quelques aspects qu’il faut surveiller lorsque que l’on apprend à voir en noir et blanc.

Extrait de “Photographier avec son Canon Powershot G12, de Jeff Carlson, paru aux éditions Eyrolles (édition originale PeachPit Press). Traduction : René Bouillot.

Même s’il est plus élaboré que bien d’autres appareils, le G12 reste fondamentalement un APN compact convivial. Canon l’a doté de plusieurs modes automatiques, d’abord conçus pour la réalisation de photographies sur des thèmes classiques, tels que le portrait, le paysage, la photo en faible lumière, les scènes d’action, etc. L’appareil intègre également des modes d’exposition répondant à des situations particulières : coucher de soleil, feux d’artifice, champ de neige, voire photo sous-marine ou aquarium. Ces modes permettent à l’utilisateur ne maîtrisant pas les réglages de vitesse, de diaphragme, de balance des blancs, etc., de se livrer aux plaisirs de la prise de vue, tout en laissant l’appareil intelligent s’occuper des détails techniques.

Pour accéder à la plupart des modes automatiques, il suffit de sélectionner SCN (qui signifie mode Scènes spéciales) sur la molette de sélecteur de modes. Le G12 intègre deux modes supplémentaires : les modes Faible luminosité et Photo rapide. Présentons ces différents modes et les conditions dans lesquelles on peut les utiliser.

Mettre en valeur le graphisme du sujet est la première voie à suivre pour aboutir à une esthétique formelle, c’est-à-dire à des photos où l’harmonie de la composition, l‘équilibre des masses et la beauté des formes simples et des lignes sont mis en avant. Devant certaines photos noir et blanc, ce n’est cependant pas seulement le graphisme qui nous séduit, mais un tout, une ambiance générale parfois difficile à décrire. Sans chercher à percer à jour tous les secrets qui créent la magie du noir et blanc, nous allons explorer ici quelques composantes de cette ambiance : le traitement du sujet lui-même (flou et net, nuances de gris) et la composition globale de l’image.

Expliquer pourquoi et comment une photo traduit une ambiance est cependant relativement subjectif. Par ailleurs, je pense que cela fait partie du plaisir de la photographie et de l’initiative du photographe de développer son propre style et d’inventer des manières inédites de transmettre une émotion. On ne peut enseigner le style sans manquer de tomber dans la répétition de recettes, cadre peu propice à la créativité. Pour avoir des idées mais aussi éduquer votre regard et votre sensibilité, je vous conseille de nourrir votre imaginaire en allant voir des expositions, en essayant d’analyser les photos qui vous plaisent : vous joindrez ainsi l’utile à l’agréable. Je trouve en effet que la photographie est un art dont la magie est communicative. Quand on pense être à court d’inspiration, la découverte du regard d’un autre photographe ouvre à nouveau les portes de la créativité : comment a-t-il fait pour obtenir tel effet ? D’autre part, chaque nouvelle série qui montre de manière innovante un sujet que vous pensiez connaître par cœur est une invitation à développer sa propre originalité.

Jouer avec le flou et le net
Les photographes intéressés par le paysage connaissent sans doute la technique utilisée pour donner à l’eau (mer, chute d’eau, etc.) un aspect nuageux qui transforme cet élément de manière mystérieuse : elles sont réalisées en pose longue, l’appareil sur un trépied. Les mouvements de l’eau pendant la pose ne sont pas figés, la surface devient floue tandis que la partie fixe du paysage reste nette. La photographie suivante montre une autre application de cette technique. Le corps du modèle présente des parties nettes (la tête, la main et le pied) mais le reste flotte dans un flou difficile à expliquer. En fait, la jeune femme a bougé le torse et la jambe gauche pendant la pose. Le mouvement de peu d’amplitude ne laisse pas la trace d’une trajectoire, plutôt un effet de brume. Le résultat obtenu est assez délicat, il transforme le corps en une sculpture floue.

Nous savons que la couleur est un déterminant fort, qui nous permet de reconnaître le sujet, et le fait qu’il soit flou (flou de mouvement ou de profondeur de champ) ne lui enlève pas complètement cette qualité signifiante – ce qui n’est pas le cas en noir et blanc. Ainsi, un arrière-plan vert tendre, bien que flou, restera assez facilement reconnaissable comme étant une vaste étendue d’herbe. En noir et blanc, un objet flou perd son dernier ancrage avec la réalité concrète.

La photographie d’architecture prend comme sujet le domaine bâti, sans distinction d‘époque, de style ou d‘échelle. Par la composition et le choix des lumières, elle va le mettre en valeur dans son milieu et son environnement, dans ses volumes et ses formes, ses couleurs, ses matériaux, ses ornements et ses détails de construction. Photographier l’architecture : pour qui, pour quoi ?

Photographier l’architecture, c’est à la fois apporter un témoignage sur l‘évolution de la société et transmettre un simple plaisir visuel, dans un acte de création purement artistique. C’est un mélange subtil de fond et de forme, le fond étant le fruit de la réflexion et du travail d’autrui, tandis que la forme représente la façon dont le photographe perçoit et restitue ce qui lui est proposé.
Selon le point de vue adopté – témoignage ou plaisir visuel –, les formes d’expressions photographiques peuvent être très différentes. En réalité, le clivage entre les deux n’est pas aussi caricatural et les bonnes photographies d’architecture sont souvent un subtil mélange des deux types d’approches.
Il convient toutefois de distinguer photographie informative, ou utilitaire, et photographie esthétique. Paul Almasy l’explique très bien dans son ouvrage La Photographie moyen d’information (Éditions Tema-communication, 1975, épuisé). La première regroupe les photographies documentaires, narratives et publicitaires. La seconde est une création artistique au travers de laquelle le créateur de l’image cherche à exprimer un sentiment, une émotion, son état d‘âme ou sa vision de la société et du monde. Le créateur de photographies esthétiques (ou de photographies d’art) compose son œuvre et il veut qu’on la regarde, alors que l’auteur d’une image d’information rédige un message destiné à être lu.
L’image esthétique peut être dépourvue, dans des cas extrêmes (composition abstraite, graphisme pur), de tout contenu ayant valeur d’information ; à l’inverse, certaines images utilitaires peuvent manquer complètement de valeur esthétique. Mais dans la plupart des cas, les émotions que l’artiste exprime ont un caractère informatif et les images d’information présentent de grandes qualités esthétiques. L’important, c’est que l’auteur de l’image d’information mette toujours l’accent sur le contenu sémantique de la photographie. Quant au créateur de photographies artistiques, son ambition est, la plupart du temps, limitée à la communication du plaisir esthétique qu’il a ressenti au moment de sa création, et le sujet de la photographie n’est pour lui qu’un prétexte.
En photographie d’architecture, il est fondamental de faire cette distinction entre ces deux types de photographies. Deux approches doivent donc être considérées : la photographie de commande et la libre création artistique.

Étymologiquement, l’iconographe “écrit avec des images”. Spécialiste de l’image, tantôt nommé “rédacteur photo”, tantôt “documentaliste audiovisuel”, “acheteur d’art” ou bien encore “chercheur d’images”, ce professionnel fait bien plus que chercher ou commander des images fixes ou animées… Un métier souvent mal cerné pourtant au cœur du processus de diffusion des images.

Un maillon indispensable
L’iconographe fait le lien entre les producteurs et les diffuseurs d’images. Mais qui sont-ils ? Les producteurs d’images sont des dessinateurs, des photographes, des vidéastes… – la liste des créateurs est longue ! Les diffuseurs sont tout aussi nombreux et évoluent dans des secteurs variés : presse, édition, Web, services de communication d’entreprises, etc.
L’iconographe sait traduire visuellement des idées ou des textes. C’est l’une des spécificités de son métier : savoir trouver une écriture visuelle qui corresponde aux attentes des commanditaires. Une image peut venir en appui d’un texte, pour simplement égayer une mise en pages ou interpeller un lecteur, mais elle peut aussi parler pour elle-même, car elle est pleine de sens et porteuse d’information. Une image raconte toujours quelque chose : cette narration a une forme, un style qui lui est propre et influe sur la façon dont le lecteur (spectateur, internaute, etc.) reçoit le message. Et il faut aussi tenir compte du fait que la polysémie de l’image peut être source de malentendus.

Diverses tâches
Quel que soit son secteur d’activité, l’iconographe doit, notamment, chercher des images, fixes ou animées, mais pas uniquement ! Sa mission principale est d’apporter la réponse visuelle la plus adaptée à la requête iconographique qui lui est faite. Le travail ne se limite pas à de simples recherches sur le Web (voir chapitres suivants) ! En amont, il implique de se renseigner sur le sujet à traiter. Les propositions visuelles ne pourront être pertinentes qu‘à partir du moment où la demande aura été bien analysée et le contexte d’utilisation des images cerné. C’est ce contexte, directement lié à la ligne éditoriale et artistique du diffuseur, qui orientera la sélection des sources iconographiques : l’environnement immédiat dans lequel seront diffusées les images proposées peut être rédactionnel, sonore (texte, mots ou sons) et/ou visuel (les autres images fixes ou animées).
En aval, des tâches administratives, juridiques et budgétaires incombent également à l’iconographe. Lorsqu’il recherche des images, il doit, en effet, garantir à ses commanditaires la reproduction et la diffusion paisibles des documents, obtenir toutes les autorisations nécessaires, et/ou leur préciser les possibilités et les limites d’utilisation des visuels proposés. C’est lui aussi qui négocie les tarifs des images en fonction des budgets alloués. L’iconographe est au cœur des processus de création, en lien avec les équipes éditoriales, publicitaires, rédactionnelles, audiovisuelles, etc. Il lui faut donc avoir une grande capacité d‘écoute et être force de proposition.
Certains iconographes sont chargés de la création et du paramétrage de bases de données iconographiques, de la gestion d’une photothèque ou d’une vidéothèque, de l’archivage, de l’indexation, de l’organisation de prises de vue(s) en lien avec divers prestataires (studio, laboratoire…), ou encore de la mise en valeur de fonds d’images, qui passe de plus en plus par leur numérisation et leur intégration dans des bases en ligne. L’iconographe travaille pour des expositions, des livres d’entreprise, fait du conseil à l’achat… Ses missions sont d’une grande diversité.