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Une start-up slovaque vient de présenter une nouvelle gamme de filtres de prisée vue, « 84.5 mm Camera Filters », actuellement encore limitée à 23 filtres dégradés dans les dimensions 84,5 × 100 mm. Fabriqués en verre organique CR-39, ces filtres sont compatibles avec le système de portefiltres Cokin P et fabriqués à la main à Piestany /Slovaquie.

Les informations disponibles sont encore trop rudimentaires : d’une part, on ignore encore tout des tarifs (mais on pourrait craindre le pire à cause des méthodes de production artisanales…), d’autre part, le fabricant se trouve encore à la recherche de distributeurs. À l’heure actuelle, les clients potentiels restent encore sur leur faim. À suivre donc…

Ne nous ne berçons pas d’illusions : malgré les incroyables performances des capteurs et logiciels de traitement d’image dans les hautes sensibilités ISO, le flash n’est pas pour autant devenu obsolète. Bien au contraire, la photographie numérique nous permet d’affiner l’exposition et le placement des flashs grâce à un retour instantané sur le rendu final. Il n’y a donc plus aucune excuse pour continuer à produire les ombres dures et les hautes lumières cramées, si caractéristiques de l’éclairage au flash.

Ces dernières années, l’utilisation du flash a connue un véritable renouveau, grâce à David Hobby et le mouvement strobiste. On dirait même que les photographes redécouvrent des techniques qui existaient depuis très longtemps, mais qui n’ont trouvé leur véritable essor qu’avec l’avènement de la photo numérique et la facilité avec laquelle il est désormais possible d’anticiper le résultat. Mais la popularité des flashs tient aussi au fait qu’ils intègrent la plupart des boitiers et qu’ils sont désormais contrôles par des automatismes intelligents permettant de presque toujours obtenir des images bien exposées.

Mais finalement, ces automatismes ne sont pas toujours à leur aise, notamment lorsqu’on utilise un ou plusieurs flashs en mode sans fil. Les cellules réceptrices des flashs asservis doivent être dirigées sur le flash maître pour détecter le prééclair du flash ce qui n’est pas toujours possible, notamment dans un environnement très lumineux (extérieur en plein jour). Qui plus est, les accessoires capables de transmettre les instructions du protocole E-TTL entre le boitier et le flash ne sont pas légion. Les déclencheurs radio sont particulièrement performants : d’une part, ils ne se laissent pas perturber par une forte luminosité ambiante et d’autre part, ils vous laissent une entière liberté pour le positionnement des flashs, et ce, même lorsqu’il s’agit de grandes distances et d’endroits inaccessibles (derrière un mur ou un meuble, à l’intérieur d’une voiture, etc.)

Tous les ans, nous sommes confrontés au même dilemme : que faut-il offrir à Nöel à un ami, époux, fils ou papa photographe ? Et que faut-il demander au père Nöel ? Si le Web fourmille d’idées de cadeaux, la plupart des produits proposés ne sont pas d’une grande utilité pour un photographe ou simplement trop onéreux. Voici quelques idées de cadeaux à moins de 100 euros (c’est la crise…) dont un photographe peut tirer un bénéfice immédiat pour ses prises de vue. Notez aussi que je me sers d’une partie de ces produits.

Voici quelques idées de cadeaux peu onéreux (moins de 100 euros, c’est la crise…), mais d’une utilité certaine.

• X-Rite ColorChecker Passport (90 euros). Rassemblant dans un étui en plastique rigide trois mires consacrées à la balance des blancs, au calibrage de l’appareil photo, au contrôle de l’exposition et aux effets créatifs, ColorChecker Passport est un accessoire incontournable pour optimiser la qualité de vos images. Il est accompagné d’un logiciel pour Camera Raw et Lightroom, permettant d’étalonner votre boîtier.

• Manfrotto 732 Y (95 euros). Avec une charge maximale de 3,5 kg et un poids de 950 g, le trépied Manfrotto 732 Y est aussi le trépied en carbone/basalte le plus abordable de ce fabricant réputé. Dans la pratique, le 732 Y ne déçoit pas : un ensemble composé d’un appareil plutôt lourd (5D Mark 2) et d’un objectif maous (EF 100-400 mm L USM) ne bouge pas, pour peu que vous lui associiez une rotule costaude (par exemple la rotule boule Manfrotto 496RC2).

• Joby Gorillapod (20-40 euros). Si un trépied réduit toujours votre mobilité lors de balades à pied, vous pouvez lui substituer un des petits supports flexibles de Joby. Disponibles dans plusieurs tailles, le Gorillapod peut aussi revêtir les fonctions d’un support d’éclairage polyvalent lors de vos séances “strobistes”.

• Trépied d’éclairage Manfrotto Mini Compact 1052BAC (50 euros). Si le Gorillapod est destiné avant tout à porter des boîtiers, le trépied d’éclairage 1052BAC est suffisamment costaud pour recevoir un flash cobra et le façonneur de lumière qui lui est associé (petite boîte à lumière, cône snoot, parapluie, etc.). Petit et compact une fois replié, il se range même dans un sac photo.

• Kit de nettoyage Eyelead Premium (60 euros). Alors que la plupart des boîtiers reflex modernes intègrent une fonction pour retarder, puis nettoyer des poussières sur le capteur, celle-ci n’est pas toujours efficace, et notamment avec des capteurs de grande taille. Le kit de nettoyage Eyelead Premium rassemble tout ce qui est nécessaire pour nettoyer efficacement les taches sèches et grasses qui défigurent vos images. S’il faut souvent effectuer plusieurs passages consécutifs, le résultat ne se fait pas attendre : un capteur propre, sans traces de nettoyage.

• Flash Yongnuo YN-560 (80 euros). Avant d’investir dans des supports d’éclairage et des façonneurs de lumière, encore faut-il posséder un flash. Bien que j’hésite à vous conseiller des produits chinois, le flash Yongnuo YN560 et le déclencher radio RF-602 sont simplement trop intéressants pour les snober : le flash ne propose pas de mode E-TTL ou iTTL, mais il est puissant, bien fini, simple d’utilisation et il intègre une cellule de déclenchement optique pour l’employer en mode asservi.

• Déclencheur radio Yongnuo RF-602 (45 euros). La manière la plus fiable de déclencher ses flashs consiste à utiliser un ensemble composé d’un émetteur et d’un ou de plusieurs récepteurs radio. Pour un photographe amateur, les systèmes PocketWizard et RadioPopper sont très souvent hors de portée, mais il y a plusieurs alternatives venant de l’empire du milieu : proposé à un tarif raisonnable, le système Yongnuo RF-602, proposé dans plusieurs versions pour boîtiers Canon, Nikon et Sony, est très réputé pour son efficacité. Là encore, le tarif incroyablement bas s’explique en partie par le renoncement à la prise en charge des automatismes TTL au flash.

• Accus LR6 Sanyo Eneloop (moins de 15 euros les 8). Quelle drôle d’idée de faire cadeau d’accus – et pourtant, de nombreux outils d’un photographe en consomment et on ne peut jamais en avoir trop. Les accus NiMH Eneloop ont la particularité de posséder une très faible auto-décharge. Il n’est donc pas nécessaire de les recharger la vieille d’une prise de vue importante. Vendus dans des boîtes en plastique translucide, les accus Eneloop peuvent être rangés (et oubliés…) au fond d’un sac photo.

• Courroie ergonomique Sun Sniper Strap (60 euros). Si vous portez souvent des boîtiers lourds, vous apprécierez sans doute cet accessoire qui offre un meilleur équilibre que la courroie fournie avec votre appareil photo. Cependant, elle se prête surtout aux photographes qui travaillent à main levée — il faut l’ôter avant de pouvoir placer le boîtier sur un trépied.

• Niceflex (30 euros). Plus ludique qu’utile, le coffret Niceflex vous emmène dans un autre monde : celui des “toy cameras” argentiques. Doté de quatre objectifs, il vous offre de nouvelles perspectives créatives et propose de transformer vos images en histoires ou en compositions graphiques. Dans le coffret, vous trouverez une pellicule couleur de 24 poses ainsi qu’un guide d’initiation écrit par Eric Marais, richement illustré.

Il existe un certain nombre d’idées préconçues qui ont la vie dure. Pour ne citer qu’un exemple, les objectifs grand-angle sont souvent attribués aux photos de paysage, au point que la littérature anglaise leur appose l’étiquette, simplificatrice, “landscape lenses”.

Ainsi, la plupart des auteurs d’ouvrages conseillent aux photographes débutants d’investir d’abord et avant tout dans un zoom super-grand angle et il semble que toutes les autres focales soient inutiles, voire déconseillées pour saisir la beauté d’un paysage, qu’il soit ou non touché par la main de l’homme.

Pourtant, il suffit de regarder les images des grands maîtres pour se rendre compte qu’il n’y a pas de règle pour choisir un objectif de paysage : si les photographies d’Ansel Adams et Edward Weston respirent souvent la compression des perspectives d’un objectif télé ou la neutralité d’un objectif standard, d’autres photographes, et notamment Ernst Haas et Franco Fontana, utilisent des focales plus longues pour mettre en scène les formes et les couleurs d’un paysage.

Le choix du matériel est une problématique très présente en photo. Trop, même, à mon humble avis ! Il n’est, cependant, pas négligeable, d’une part parce que le matériel influe légèrement sur nos images, d’autre part, justement, parce qu’il y a peut-être d’autres manières de parler matériel que de faire des gorges chaudes sur la marque de notre appareil photo…

Il y a encore quelques années, le “vrai photographe” faisait ses images au reflex (ou éventuellement au télémétrique, pour les nostalgiques), les autres matériels étant relégués au rang d’appareils grand public pour photographes du dimanche voire simplement de vacances. De nos jours, les mentalités et les mœurs évoluent progressivement. L’image se démocratise, et elle autorise une pratique plus décontractée, même de la part des photographes confirmés. Ainsi, je suis de ceux qui ne savent plus se passer d’un “petit matériel” (compact ou hybride), au quotidien, allant même par les préférer, finalement, au reflex pour mes prises de vue artistiques et professionnelles (photo d’illustration, notamment).

Débarrassons-nous tout d’abord de quelques évidences, utiles à rappeler en guise de préambule.

Le compact présente quelques inconvénients majeurs qui nous poussent à le délaisser :

• la qualité intrinsèque de l’image. Matériaux utilisés, conception et fabrication laissent encore à désirer, ce qui se répercute sur la qualité de notre image ;
• le grain. A 100 ISO, le compact est un outil utilisable sans trop d’inconvénient mais dès que l’on monte en sensibilité, l’image peut rapidement virer au rendu “taboulé”. Mieux vaut alors s’en servir dans des lieux plutôt bien éclairés pour ne pas trop subir les désagréments du bruit numérique ;
• la réactivité. Le délai de déclenchement des appareils photo compacts est souvent un peu long, ce qui crée un décalage entre appui sur le déclencheur et réalisation effective de l’image. Pas évident pour saisir les instants décisifs. Il est alors plus que jamais essentiel d’anticiper afin de parvenir à déclencher au bon moment… C’est un coup à prendre ;
• la mise au point. Personnellement, j’aime faire mes photographies en mise au point manuelle, ce qui s’avère impossible avec un compact. L’autofocus est donc le passage obligé ce qui est parfois source de petits soucis ;
• la profondeur de champ est plus grande que sur un reflex, car le capteur est plus petit. Ceci peut être un avantage, pour faire du paysage par exemple… mais pas vraiment pour un portrait ! Encore une contrainte avec laquelle il nous faut composer.

Extrait de “Composition Pratique photo, paru aux éditions Eyrolles (édition originale PeachPit Press). Auteurs : Auteur(s) : Laurie Excell , John Batdorff , David Brommer , Rick Rickman , Steve Simon. Adaptation : Danielle Lafarge. Le chapitre 7, Le noir et blanc-Apprendre à voir et blanc, est de John Batdorff (Texte et images)

À dire vrai, je photographie souvent des paysages quand je suis sur les routes à travers le pays. D’ailleurs, les photos sont souvent prises depuis la route. N’avez-vous pas souvent vu des paysages magnifi ques alors que vous étiez derrière le volant ? Arrêtez-vous et prenez une photo. Je me dis souvent que la vie est trop courte et que je veux garder un souvenir de cet instant. À mes yeux, la photographie n’est pas qu’une forme d’art, elle sert aussi à relater nos expériences. Souvenez-vous que la seule mauvaise image est celle qui n’est jamais prise. Cela paraît une évidence, mais si vous voulez prendre de belles photos de paysages, il faut bien sûr commencer par les prendre !

Avant de déballer tout mon équipement, je commence par visualiser la scène à travers l’appareil. Quand j’aborde une scène de paysage pour la première fois, je vérifie toujours que ce que je vois est correctement transposé dans l’appareil photo. Ce n’est pas toujours le cas. Divers facteurs peuvent empêcher la création d’une bonne photo, mais le plus souvent, c’est une question de profondeur de champ ou de distorsion. Le sujet est trop éloigné pour être transposé correctement, ou bien on ne parvient pas à trouver la perspective qui le met en valeur. Il m’arrive de changer d’objectif pour vérifier la focale, mais c’est tout ; quand on déplie le trépied, c’est comme quand on accepte d’aller chercher quelqu’un à l’aéroport, on prend un engagement. Que risquez-vous ? Prenez le temps d’admirer la vue. Malgré les protestations de la famille, arrêtez-vous sur le bas-côté et vérifiez s’il y a matière à prendre une photo. Vous serez content d’avoir essayé et vous pouvez toujours promettre une glace au prochain arrêt.

Extrait de “Composition Pratique photo, paru aux éditions Eyrolles (édition originale PeachPit Press). Auteurs : Auteur(s) : Laurie Excell , John Batdorff , David Brommer , Rick Rickman , Steve Simon. Adaptation : Danielle Lafarge. Le chapitre 7, Le noir et blanc-Apprendre à voir et blanc, est de John Batdorff (Texte et images)

À l’ère du numérique, la photographie en noir et blanc connaît un regain d’intérêt, peut-être lié au fait qu’il n’a jamais été aussi facile de créer de magnifiques images en noir et blanc. Même si le flux de production des photos noir et blanc n’est pas le même en numérique et en argentique, les ingrédients d’une bonne image n’ont pas changé. Il faut rester à l’affût d’éléments marquants, comme des tons contrastés, des lignes, des motifs, des formes et des textures, et apprendre à voir en dégradés de gris. Le post-traitement n’a jamais été aussi facile ; nous avons accès à des logiciels étonnants qui permettent d’extraire la quintessence de nos images. Dans ce chapitre, nous parcourons ma méthodologie de travail en noir et blanc, en commençant par ce que je recherche avant d’appuyer sur le déclencheur, et en allant jusqu’à mes habitudes de post-traitement, sans oublier de décrire au passage l’équipement mis à contribution pour obtenir des clichés parfaits.

Quand choisir le noir et blanc ?

On me demande souvent : “John, qu’est-ce qui vous pousse à traiter une image en noir et blanc ?” Ma famille travaille dans la presse depuis plus d’un siècle. J’ai grandi en lisant les journaux et j’ai vu d’innombrables photos en noir et blanc. Je pense toujours en noir et blanc. Je ne me demande pas quand passer au noir et blanc, mais plutôt quand traiter une image en couleurs. Il y a quelque chose d’intemporel dans une bonne photo en noir et blanc et, à mon avis, il y a moins de risques de se tromper. Je prends beaucoup de photos en couleurs. Mais il est difficile de trouver les couleurs justes, sans dater son travail au passage. Pour moi, le noir et blanc est naturel. Il ne fait aucun doute que certains clichés s’y prêtent davantage. Nous allons passer en revue quelques-unes des réflexions qui me viennent à l’esprit lors du repérage et de la création d’images noir et blanc.

Vision d’un monde en noir et blanc

Je pense rarement en couleurs. Bien au contraire, j’élimine mentalement les couleurs de l’image, puis je classe cette dernière dans différentes catégories en fonction de ses points forts. Apprendre à voir en noir et blanc demande beaucoup d’entraînement, mais c’est réalisable. Vous progresserez en vous exerçant aussi souvent que possible. L’aspect positif de cette pratique régulière est qu’elle améliore non seulement vos images en noir et blanc, mais aussi vos images couleur. La photographie en noir et blanc est l’occasion d’éliminer un élément primordial – la couleur – et de se concentrer sur les autres éléments plus difficiles à visualiser. Nous allons examiner quelques aspects qu’il faut surveiller lorsque que l’on apprend à voir en noir et blanc.

La photographie de voyage est une discipline qui est rarement appréciée à sa juste valeur. Pourtant, il s’agit d’un genre photographique plutôt difficile, car il réunit plusieurs disciplines, de la photographie de paysage au reportage, en passant par le portrait et la photographie d’architecture. Pour en devenir un maître, il faut ainsi maîtriser le langage et la grammaire propres à chacune des disciplines mentionnées — vaste programme ! Si le photographe de voyage peut se consacrer pleinement à son art, le photographe amateur vacancier doit composer avec quelques contraintes. Après tout, la photo n’est alors qu’un moyen de ramener de beaux souvenirs de son voyage. Si, malgré tout, vous souhaitez élever le niveau créatif de vos photos de vacances, continuez à lire les conseils suivants.

Voyagez léger. Rien ne sert à trimballer tous vos appareils et objectifs. D’une part, les dimensions des bagages à main sont aussi réglementées que leur poids lors d’un voyage en avion, et d’autre part la fatigue physique qui en résulte ne favorise point votre créativité.

Utilisez des équipements qui ont fait leurs preuves. Évitez d’acheter un nouveau boîtier ou un nouvel objectif à la veille des vacances. Sinon, vous passerez tout votre temps à apprendre les utiliser au lieu de vous concentrer sur vos sujets.

Préparez vos prises de vue. Visitez le lieu de prise de vue une première fois pour en évaluer le potentiel. Observez la lumière et estimez l’heure à laquelle la lumière est la plus belle. Souvent, il sera nécessaire de revenir pour obtenir votre photo rêvée. Google Earth et le logiciel TPE sont deux outils très efficaces pour préparer vos déplacements au préalable.

Photographiez quand les autres se reposent. Les heures les plus chaudes de la journée ne se prêtent qu’occasionnellement à la prise de vue. Mieux vaut se lever très tôt ou de se coucher très tard pour bénéficier de la lumière du petit matin ou du soir. Parfois, il sera même nécessaire de renoncer aux meilleurs morceaux du buffet pour saisir l’ambiance si envoûtante du temps entre chien et loup.

Si l’hiver nous fait parfois grâce de jours lumineux, il nous apporte encore plus fréquemment un temps gris, morne et brumeux. Qu’y a-t-il alors de plus naturel que se cloîtrer à la maison, bien au chaud et à l’abri des humeurs de la nature ? Malgré les apparences, la grisaille de l’hiver pourrait bien engendrer quelques belles images – en voici quelques unes pour vous inciter à sortir dehors!

J’ai délibérément transformé les images de cet article en noir et blanc. La plupart des sujets étaient déjà presque monochromes et les couleurs ne contribuaient pas particulièrement à en renforcer l’ambiance. Toutes ont été développées dans Camera Raw, en veillant à conserver toutes les tonalités subtiles, puis converties en noir et blanc dans Silver Efex Pro 2, mise à jour judicieuse d’un logiciel que j’affectionne particulièrement pour l’esprit de ses outils, très proche de la chambre noire d’antan. Quant à des conseils pour photographier l’hiver, consultez cet article, paru il y a exactement un an ici-même...

Bien exposer

Par temps gris, le capteur d’un appareil photo s’accommode aisément du faible contraste d’un paysage. Mais la cellule se laisse facilement piéger. L’interprétant comme un excès de luminosité qu’il faut ramener à une valeur moyenne, la cellule sous-expose la neige qui devient du coup toute grise. Pour l’exposer correctement, fiez-vous soit à une vieille astuce de terrain, soit à l’histogramme de l’afficheur LCD. Mesurez la paume de votre main, puis compensez l’exposition suivant votre carnation : si vous êtes de type caucasien, surexposez d’un diaphragme par rapport à l’indication de la cellule pour ainsi bien exposer un paysage hivernal.

L’autre méthode consiste à analyser l’histogramme : augmentez l’exposition jusqu’à ce que le bord droit de l’histogramme épouse son extrémité. Il s’agit en effet d’exposer à droite pour ainsi augmenter le rapport signal sur bruit du capteur. Il suffit ensuite de réduire l’exposition dans votre logiciel de développement RAW. Activez le témoin d’écrêtage de votre appareil pour éviter une surexposition intempestive à la prise de vue. Mais ne paniquez pas — lorsque l’écrêtage commence tout juste à se manifester, le fichier RAW jouit toujours d’une gamme de tonalités complète !