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Il existe de nombreux objets transparents avec lesquels il ne suffit pas de souligner les contours pour en montrer la forme et suggérer leur volume : il faut également mettre en évidence leur état de surface. Pour y parvenir, il est indispensable de contrôler précisément l’aspect des hautes lumières qui se reflètent à la surface de l’objet. Pour bien évoquer l’état de surface du verre, il est essentiel que les régions de hautes lumières soient assez larges. Nous vous en apportons la preuve avec la photo 2 ; comparez l’aspect et la répartition des hautes lumières avec celles de la photo 1.

Sur la photo 1, les petites taches blanches (reflets spéculaires de la source de lumière) sont réparties n’importe comment ; elles ne nous apportent strictement aucune information sur la matière des objets. C’est tout le contraire avec la photo 2, sur laquelle les larges reflets de hautes lumières communiquent au spectateur une foule de renseignements complémentaires sur la nature et la structure des objets. Au lieu de distraire le regard, ces reflets complètent au contraire les informations données par la définition des contours. Cette image dit à celui qui la regarde : ″Voilà quel est l’aspect de la surface de ces objets″.

Évoquer la surface du verre demande la création d’une tache de haute lumière de la bonne taille, localisée au bon endroit. Heureusement, il n’est pas très difficile d’y parvenir. Il faut seulement se souvenir de ce que la théorie de la réflexion nous a enseigné sur la génération et le comportement des reflets directs.
Presque tous les reflets qui se forment à la surface du verre sont des reflets directs, lesquels sont forcément issus de sources situées dans une région de l’espace, les familles d’angles. Regardez maintenant la figure ci-dessous.

Notre projet est de créer un reflet de haute lumière sur l’endroit désigné de la surface du verre ; nous devons donc placer la source à l’intérieur de la famille d’angles. Il n’y a pas d’autre région de l’espace d’où l’on peut produire un reflet à cet endroit précis. Géométriquement, ces vases ou carafes en verre sont des solides de révolution autour d’un axe vertical ; ils ont donc la propriété de réfléchir la plupart des objets se trouvant dans l’espace environnant. C’est pourquoi l’éclairage destiné à révéler leur surface peut nécessiter des sources de grande taille.
Le schéma d‘éclairage ci-dessus présente deux positions extrêmes pour la source. Qu’elle soit située sur l’une ou l’autre position, elle éclaire l’objet avec la même efficacité. Cependant, une source se trouvant sur la position la plus éloignée du sujet, doit avoir une surface plusieurs fois supérieure à celle placée sur la position la plus proche pour couvrir la même famille d’angles.

Quel photographe n’a jamais rêvé de voir son travail réuni entre les pages d’un livre ? Tandis que les beaux livres de photographie conçus par le biais de l‘édition traditionnelle inondent les tables des libraires, l’autopublication de livres photo s’avère de plus en plus dynamique. Alors trouver un éditeur ou s’autopublier ? Prochainement disponible, “Photographes, publiez votre livre photo !” devrait vous aider à trancher. Extrait…

Les livres photo n’ont jamais suscité autant d’intérêt qu’aujourd’hui. Depuis une quinzaine d’années, l’attrait qu’ils exercent s’est accru à un rythme accéléré, phénomène dû pour une large part au récent engouement de l’art contemporain envers la photographie. Chaque année, on publie plusieurs centaines de livres de photos dans le monde entier, aussitôt recherchés et achetés par des collectionneurs fanatiques – et vendus pour certains trois à quatre fois le prix de vente initial. Ils fournissent à l’artiste un passeport pour accéder à la scène internationale de l’art photographique. Des expositions, des conférences, des visites guidées d’exposition, des séances de signatures et des interviews dans la presse voient le jour du fait d‘être publié. L’offre et la demande semblent toutes deux en augmentation.

Dans un tel contexte, les opportunités de publier un livre de ses propres photos n’ont jamais été aussi nombreuses. Aujourd’hui plus que jamais, les artistes débutants comme les photographes professionnels se demandent : “Comment dois-je m’y prendre pour soumettre mon projet à un éditeur ?”

Pour beaucoup de photographes, le parcours traditionnel de l‘édition paraît trop lourd à affronter. Aussi, l’autoédition peut-elle leur sembler la meilleure solution pour présenter leurs œuvres au public. Or, si vous décidez de vous autoéditer, vous vous rendrez vite compte que l’assistance de professionnels à chaque étape est déterminante, et que s’autoéditer n’est peut-être pas plus simple que de démarcher un éditeur.

Travailler avec une maison d‘édition implique de traiter avec des professionnels expérimentés afin que le livre soit une réussite. Ce travail de collaboration exige que vous soyez prêt à faire des compromis dans certains domaines ; vous aurez peut-être parfois l’impression que certaines décisions vous échappent. Le livre ne sera pas simplement votre livre – il fera partie de la production d’une entreprise, s’inscrivant dans son catalogue, et véhiculant son image de marque. L‘édition traditionnelle pourra généralement rendre votre œuvre accessible à un public beaucoup plus vaste que vous ne pourriez le faire tout seul et lui conférera une plus grande légitimité auprès des lecteurs. S’autoéditer revient à assumer seul – ou presque –, avec vos faibles moyens, toutes ces tâches de conception, de fabrication et de diffusion. Pour former une équipe (car vous ne pourrez tout faire !), vous aurez besoin de trouver et de diriger des personnes qui interviendront à des moments clés du processus. Les autoéditeurs qui réussissent sont ceux qui sont organisés, qui possèdent en outre un esprit d’entreprise, qui connaissent leur public, savent comment l’atteindre et disposent des ressources financières et des compétences techniques suffisantes pour endosser ces différents rôles.

Dans le style “cuisine nouvelle ” la nouvelle tendance en livre photo est le mini-format. Ainsi, l’éditeur Pearson vient de publier deux nouveaux ouvrages dédiés à la photographie de paysage et à l’exposition. Proposés dans un format de poche, ils tiennent aisément dans un sac à main ou un fourre-tout photo tout en conservant un contenu assez dense.

“Le guide tout terrain du paysage” du photographe Carl Heilman II évoque tous les aspects de la photo de paysage que ce soit l’équipement, la technique, la prise de vue, les effets créatifs ou le flux de production. La progression du livre est logique et on peut même piocher les informations qui nous intéressent sans être obligé de tout lire. La présentation du livre est agréable et attire le regard. Le livre est particulièrement riche en images très variées. On sent que l’auteur a pris un soin particulier pour illustrer ses propos et c’est déjà un plaisir de le feuilleter même sans le lire. On peut cependant lui reprocher son petit format qui rend la lecture malaisée, notamment pour ceux ayant dépassé le cap des 40 ans… De même, les photos auraient gagné à être reproduites dans une taille plus avantageuse. Ce mini-format économique est une initiation agréable en la matière sans pour autant se substituer à d’autres ouvrages plus spécialisés.

“Le guide tout terrain de l’exposition” de l’auteur à best-seller Michael Freeman semble être issu de l’ouvrage “L’art de l’exposition” du même auteur. Remodelé et écrémé pour s’adapter à son petit format, l’ouvrage en petit format reprend la structure de l’ouvrage original. Ce dernier enseigne de manière très didactique comment aborder l’exposition sur le terrain. Les principales problématiques de l’exposition sont abordées y compris ceux qui sont spécifiques au numérique, notamment le bruit, la page dynamique et l’écrêtage des hautes lumières.
Bien illustré et agrémenté de schémas techniques, l’ouvrage permet de comprendre les méthodes de travail de l’auteur. L’ouvrage pêche cependant par son petit format qui rend illisibles certaines illustrations comparatives et ainsi incompréhensibles les propos associés. C’est dommage car les propos de Michael Freeman sont pertinents. Ce nouveau format économique se prête donc plus ou moins bien aux ouvrages techniques. En somme, je ne retrouve pas les mêmes sensations que pour l’ouvrage de Carl Heilman II et je préférerais l’ouvrage de Michael Freeman dans son format d’origine.

Extrait :

Comment ne pas m’être senti un peu collègue avec cet artiste de l’image à qui ses patients confient également leur peau, qu’il immortalisera du meilleur grain… Le cliché qu’il a réalisé de moi restera parmi mes favoris, à l’instar de ceux des grands noms de la profession pour qui j’ai eu la chance de poser, de William Klein à Mondino ou Roversi, à qui il n’a rien à envier…
Tin-Tin (extrait de la préface)

Il a fallu 6 ans à Julien Lachaussée pour réaliser ces 146 portraits, de tatoueurs en tatoués. Bodybuilders, videurs de clubs, stripteaseuses, rockabilly, bikers… Ils lui ont fait confiance en se prêtant au jeu de la vérité. En noir et blanc ou en couleur, toutes ces photos ont été réalisées au moyen format argentique et au Polaroïd, pour leur côté authentique. Comme le sont ces personnages.

Julien Lachaussée est né en 1976 à Paris, il est photographe free-lance. Après des études à l’école de photo EFET, il a été pendant 5 ans l’assistant du photographe de mode Jan Welters. Il a déjà plusieurs expositions à son actif (galerie Agnès B, Fnac, Tattoo art festival…). Il a notamment collaboré avec les magazines Sang bleu, Inked, Gustav mag, Rugged, Clark magazine, Desillusion, Maelström. Il travaille également pour la publicité (Edwin). En 2010, il a remporté le 3e prix au concours Fnac Nikon.

Ce coffret livre collector comprend :

Ce coffret livre collector, avec un tirage argentique numéroté et signé par Julien Lachaussée, est limité à 100 exemplaires dont 80 sont disponibles en précommande sur Ulule.

L‘édition standard paraîtra en librairie en novembre 2011.