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Avec la plupart des appareils au format rectangulaire se pose la question de l’orientation de l’appareil : verticale ou horizontale. Alors qu’un cadrage à l’horizontale confère une impression d’espace aux images saisies, un cadrage à la verticale privilégie la profondeur des images, et particulièrement de celles prises avec un objectif grand-angle. Toutefois, bien que de nombreux sujets se prêtent à un cadrage vertical, celui-ci devient de plus en plus rare : seulement 25 % des images les plus populaires du très élitiste site de partage d’images 500px.com sont présentées dans un format vertical et cela inclut même de nombreux portraits, sinon difficiles à composer avec un cadrage à l’horizontale.

Il existe un certain nombre d’idées préconçues qui ont la vie dure. Pour ne citer qu’un exemple, les objectifs grand-angle sont souvent attribués aux photos de paysage, au point que la littérature anglaise leur appose l’étiquette, simplificatrice, “landscape lenses”.

Ainsi, la plupart des auteurs d’ouvrages conseillent aux photographes débutants d’investir d’abord et avant tout dans un zoom super-grand angle et il semble que toutes les autres focales soient inutiles, voire déconseillées pour saisir la beauté d’un paysage, qu’il soit ou non touché par la main de l’homme.

Pourtant, il suffit de regarder les images des grands maîtres pour se rendre compte qu’il n’y a pas de règle pour choisir un objectif de paysage : si les photographies d’Ansel Adams et Edward Weston respirent souvent la compression des perspectives d’un objectif télé ou la neutralité d’un objectif standard, d’autres photographes, et notamment Ernst Haas et Franco Fontana, utilisent des focales plus longues pour mettre en scène les formes et les couleurs d’un paysage.

Extrait de “Composition Pratique photo, paru aux éditions Eyrolles (édition originale PeachPit Press). Auteurs : Auteur(s) : Laurie Excell , John Batdorff , David Brommer , Rick Rickman , Steve Simon. Adaptation : Danielle Lafarge. Le chapitre 7, Le noir et blanc-Apprendre à voir et blanc, est de John Batdorff (Texte et images)

À dire vrai, je photographie souvent des paysages quand je suis sur les routes à travers le pays. D’ailleurs, les photos sont souvent prises depuis la route. N’avez-vous pas souvent vu des paysages magnifi ques alors que vous étiez derrière le volant ? Arrêtez-vous et prenez une photo. Je me dis souvent que la vie est trop courte et que je veux garder un souvenir de cet instant. À mes yeux, la photographie n’est pas qu’une forme d’art, elle sert aussi à relater nos expériences. Souvenez-vous que la seule mauvaise image est celle qui n’est jamais prise. Cela paraît une évidence, mais si vous voulez prendre de belles photos de paysages, il faut bien sûr commencer par les prendre !

Avant de déballer tout mon équipement, je commence par visualiser la scène à travers l’appareil. Quand j’aborde une scène de paysage pour la première fois, je vérifie toujours que ce que je vois est correctement transposé dans l’appareil photo. Ce n’est pas toujours le cas. Divers facteurs peuvent empêcher la création d’une bonne photo, mais le plus souvent, c’est une question de profondeur de champ ou de distorsion. Le sujet est trop éloigné pour être transposé correctement, ou bien on ne parvient pas à trouver la perspective qui le met en valeur. Il m’arrive de changer d’objectif pour vérifier la focale, mais c’est tout ; quand on déplie le trépied, c’est comme quand on accepte d’aller chercher quelqu’un à l’aéroport, on prend un engagement. Que risquez-vous ? Prenez le temps d’admirer la vue. Malgré les protestations de la famille, arrêtez-vous sur le bas-côté et vérifiez s’il y a matière à prendre une photo. Vous serez content d’avoir essayé et vous pouvez toujours promettre une glace au prochain arrêt.

Extrait de “Composition Pratique photo, paru aux éditions Eyrolles (édition originale PeachPit Press). Auteurs : Auteur(s) : Laurie Excell , John Batdorff , David Brommer , Rick Rickman , Steve Simon. Adaptation : Danielle Lafarge. Le chapitre 7, Le noir et blanc-Apprendre à voir et blanc, est de John Batdorff (Texte et images)

À l’ère du numérique, la photographie en noir et blanc connaît un regain d’intérêt, peut-être lié au fait qu’il n’a jamais été aussi facile de créer de magnifiques images en noir et blanc. Même si le flux de production des photos noir et blanc n’est pas le même en numérique et en argentique, les ingrédients d’une bonne image n’ont pas changé. Il faut rester à l’affût d’éléments marquants, comme des tons contrastés, des lignes, des motifs, des formes et des textures, et apprendre à voir en dégradés de gris. Le post-traitement n’a jamais été aussi facile ; nous avons accès à des logiciels étonnants qui permettent d’extraire la quintessence de nos images. Dans ce chapitre, nous parcourons ma méthodologie de travail en noir et blanc, en commençant par ce que je recherche avant d’appuyer sur le déclencheur, et en allant jusqu’à mes habitudes de post-traitement, sans oublier de décrire au passage l’équipement mis à contribution pour obtenir des clichés parfaits.

Quand choisir le noir et blanc ?

On me demande souvent : “John, qu’est-ce qui vous pousse à traiter une image en noir et blanc ?” Ma famille travaille dans la presse depuis plus d’un siècle. J’ai grandi en lisant les journaux et j’ai vu d’innombrables photos en noir et blanc. Je pense toujours en noir et blanc. Je ne me demande pas quand passer au noir et blanc, mais plutôt quand traiter une image en couleurs. Il y a quelque chose d’intemporel dans une bonne photo en noir et blanc et, à mon avis, il y a moins de risques de se tromper. Je prends beaucoup de photos en couleurs. Mais il est difficile de trouver les couleurs justes, sans dater son travail au passage. Pour moi, le noir et blanc est naturel. Il ne fait aucun doute que certains clichés s’y prêtent davantage. Nous allons passer en revue quelques-unes des réflexions qui me viennent à l’esprit lors du repérage et de la création d’images noir et blanc.

Vision d’un monde en noir et blanc

Je pense rarement en couleurs. Bien au contraire, j’élimine mentalement les couleurs de l’image, puis je classe cette dernière dans différentes catégories en fonction de ses points forts. Apprendre à voir en noir et blanc demande beaucoup d’entraînement, mais c’est réalisable. Vous progresserez en vous exerçant aussi souvent que possible. L’aspect positif de cette pratique régulière est qu’elle améliore non seulement vos images en noir et blanc, mais aussi vos images couleur. La photographie en noir et blanc est l’occasion d’éliminer un élément primordial – la couleur – et de se concentrer sur les autres éléments plus difficiles à visualiser. Nous allons examiner quelques aspects qu’il faut surveiller lorsque que l’on apprend à voir en noir et blanc.

Composition – Pratique photo vient de paraître aux éditions Eyrolles. Dans ce guide pratique illustré, Laurie Excell et ses coauteurs, John Batdorff, David Brommer, Rick Rickman et Steve Simon, font découvrir au lecteur l’art de la composition, en jouant avec la couleur, les formes, les angles et le contraste.
Rick Rickman nous livre ici un témoignage sur sa pratique de la photo de sport et les difficultés que ce genre photographique pose en matière de composition.

La composition en photographie de sport implique de penser à beaucoup de choses… Lorsqu’il s’agit de portraits, de paysages, de natures mortes, de mariages ou de réunions de famille, les choses bougent à un rythme bien plus gérable. On a généralement le temps de réfléchir à l’imbrication des éléments dans la composition. Pourtant, les gens sont souvent attirés par la photo de sport parce que cette discipline pose justement de nombreuses difficultés en termes de composition. La vitesse et le mouvement qui sont indissociables du sport sont autant de défis supplémentaires, qui peuvent être difficiles à relever quand on ne s’y est pas préparé. Pour moi, la photographie sportive, c’est “l’anarchie potentielle de la composition”.

Un exercice simple

Pour faire de la bonne photographie sportive, il faut s’adapter à la vitesse et au mouvement. Pour vous préparer un peu à ce qui va suivre, je vous propose un petit exercice qui m’est très utile pour garder l’œil vif et réduire au minimum mon temps de réaction. Cet exercice devrait vous permettre d’améliorer vos images et votre aptitude à composer rapidement vos photos. Prenez votre plus long objectif (de préférence un 200 mm ou plus) et placez-vous à un carrefour très passant, du côté du flot de voitures qui se dirigent vers vous. Faites la mise au point sur les voitures qui arrivent à l’intersection, cadrez, puis refaites la mise au point sur le visage d’un chauffeur, tout en suivant la voiture qui traverse le carrefour. Si vous réussissez à cadrer correctement le visage du chauffeur et à le garder net pendant au moins quatre ou cinq photos, vous vous en sortez bien et la photographie sportive ne devrait pas vous poser de difficultés. Au contraire, si vous avez du mal à conserver le cadrage et à faire la mise au point, persévérez et refaites cet exercice régulièrement jusqu’à atteindre le seuil fatidique des quatre ou cinq photos. Je conseille toujours cet exercice, car il illustre bien les difficultés qu’un photographe peut s’attendre à rencontrer dans le cadre de la photo de sport. C’est aussi un excellent moyen d’améliorer sa coordination main-œil et, par la même occasion, son aptitude au suivi et au cadrage.

Il est des petits riens qui peuvent rendre ou non une photo attrayante. Suivant la position du sujet dans la photo (le cadrage), on obtient un résultat plus ou moins agréable. Guidé par les divers cadres et collimateurs présents dans le viseur (ou sur l’écran de visualisation au dos de l’appareil), on est souvent poussé à centrer le sujet au beau milieu de la photo. Il est néanmoins communément admis que centrer le sujet n’est pas toujours du meilleur effet (sauf cas particulier, bien entendu…).

Il existe d’ailleurs une règle géométrique (appelée “règle des tiers”) qui indique où placer le(s) sujet(s) dans une photo pour faire en sorte qu’elle soit plaisante. Elle consiste à positionner le(s) sujet (s) sur l’un des quatre points d’intersection formés par 3 lignes horizontales et 3 lignes verticales divisant virtuellement la photo en trois tiers, en accord avec le schéma suivant :

Ceci dit, c’est probablement plus facile à dire qu’à faire au moment de la prise de vue…
Si, d’une manière générale, il est toujours préférable d’effectuer le bon cadrage au moment de la prise de vue, il reste toutefois possible de recadrer la photo (pour repositionner le(s) sujet(s) sur les points d’intersection de la règle des tiers) en utilisant un logiciel de retouche.

Voici une petite astuce (valable au moins pour Photoshop Elements et Photoshop, toutefois le principe est applicable à d’autres logiciels de retouche) qui permet de faciliter le travail. L’objectif est de superposer une représentation de cette fameuse règle des tiers sur la photo à recadrer.

1. Après avoir ouvert une photo, cliquez sur Édition, puis sur Préférences et enfin sur Grille… comme illustré par l’image ci-dessous.

2. Après cette première étape, voici la fenêtre suivante :

3. Indiquez ici un pas de 33,333, puis sélectionnez l’option % dans le menu déroulant d’à côté. Le tour est joué ! Il est toujours possible de changer la couleur de la grille suivant son goût.

4. Il suffit ensuite de cliquer sur Affichage, sur Afficher, puis, finalement, sur Grille pour faire superposer la grille à l’aperçu de la photo…

... et pour finalement arriver au résultat suivant :

Maintenant, à vous de jouer ! Il vous suffit d’utiliser l’outil de recadrage et de recomposer la photo en vous guidant avec la grille ainsi créée.

La règle des tiers ne se résume pas uniquement à placer le (s) sujet (s) sur l’un des quatre points d’intersection. Comme vous pouvez le constater sur la photo ci-dessus, l’horizon a été placé sur la ligne horizontale supérieure, et le sable sur la ligne horizontale inférieure (la mer se trouvant ainsi dans le tiers central) ce qui a aussi pour effet d’apporter un certain équilibre à l’image, en répartissant harmonieusement le ciel, la mer et le sable.