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Photoshop CS4, fourni avec Camera Raw 5.2 qui permet de traiter les fichiers RAW, JPEG et TIFF, s’est enrichi de deux outils de corrections localisées : l’outil Pinceau de retouche et l’outil Filtre gradué, pour procéder à des retouches non destructives. Découvrez, grâce à cet atelier, l’utilisation du Filtre gradué.

L’outil Filtre gradué s’active en tapant G. Pour définir la zone à traiter, glissez l’outil sur l’image et tracez un segment. Il apparaît un point vert et un point rouge munis chacun d’une ligne en pointillés (verts et blancs ou rouges et blancs). Le filtre est complètement appliqué avant le point vert alors qu’il ne l’est plus après le point rouge. L’espace entre les deux lignes (marqué par une ligne en pointillés noirs et blancs) correspond à la zone de transition de l’effet.

On a glissé l’outil du bas vers le haut, l’effet s’applique jusqu’au point vert puis en s’estompant jusqu’au point rouge.

Une fois la zone définie, vous pouvez la modifier. En effet, en plaçant le curseur sur une des lignes, il apparaît une double flèche qui permet de glisser la ligne. De même, en plaçant le curseur sur le point rouge ou vert (ou sur la ligne qui joint les deux points), une flèche permet de déplacer le point et de pivoter la zone de transition. Quand la zone à traiter est correctement positionnée, vous pouvez définir le traitement à appliquer : le bouton Édition doit être actif dans la partie droite de la fenêtre de Camera Raw. On retrouve dans cette zone sensiblement les mêmes réglages que pour le pinceau de retouche : Exposition, Luminosité, Contraste, Saturation, Clarté, Netteté et Couleur.

Les effets disponibles avec l’outil Filtre gradué

• Exposition : elle définit l‘éclairage global de l’image. Ce réglage permet ainsi d‘éclaircir ou d’assombrir localement, mais plus les tons sont clairs, plus l’effet est prononcé.
• Luminosité : elle définit également la luminosité de l’image, mais principalement dans les tons moyens.
• Contraste : ce curseur permet de modifier le contraste de l’image, l’effet étant plus important sur les tons moyens.
• Saturation : ici, c’est la pureté des couleurs qui est modifiée.
• Clarté : cette option ajoute de la profondeur à l’image en accentuant le micro-contraste mais principalement dans les tons moyens. Inversement, une diminution de la clarté réduira ce contraste local ce qui permet d‘éliminer certains détails sans faire apparaître de zones floues.
• Netteté : ce réglage permet de faire ressortir les détails ou au contraire de les atténuer en créant un flou très léger.
• Couleur : cette option permet de réchauffer (couleur jaune), refroidir (couleur bleu) ou colorer une zone. Pour sélectionner la teinte souhaitée, cliquez sur la case barrée d’une croix située à droite du nom de l’effet : une fenêtre permettra d’ajuster les options d’application. En cliquant sur les signes + ou – (à droite et à gauche de l’option), vous affectez une couleur de plus en plus froide (signe –), ou de plus en plus chaude (signe +).

Une fois le réglage terminé, vous pouvez ajouter une autre zone filtrée avec d’autres paramètres. Pour cela, cliquez sur le bouton Nouvelle, paramétrez les réglages et glissez l’outil pour définir la zone retouchée.

La nouvelle zone montre les points rouge et vert (avec les lignes en pointillés) et les autres zones affichent des points gris ou blanc (reliés par une ligne en pointillés).

En haut, la zone est activée (points en couleur), elle permet d’assombrir le ciel. En bas, la zone n’est pas active (points gris).

Pour supprimer un filtre gradué, cliquez sur l’un des points pour activer la zone (les points s’affichent en rouge et vert), puis pressez la touche Efface. Pour supprimer tous les filtres gradués, utilisez le bouton Tout effacer. Vous pouvez aussi cliquer sur le bouton Afficher l’incrustation pour masquer les zones filtrées (au clavier, tapez V). Dans tous les cas, pour voir l’aspect de l’image avant l’application du pinceau de réglage, cliquez sur le bouton Aperçu (en haut de la fenêtre) ou tapez la lettre P. Tapez à nouveau P pour revoir l’effet des filtres gradués.

Depuis Camera Raw, si vous ouvrez l’image en tant qu’objet dynamique de Photoshop, puis éditez cet objet (par double-clic sur sa vignette dans le panneau Calques de Photoshop), l’image réapparaîtra dans Camera Raw. Vous y retrouverez les traitements du filtre gradué et pourrez les modifier en activant l’outil Filtre gradué (lettre G).

Cet article est extrait de l’ebook Les Nouveautés de Photoshop CS4 pour PC et Mac, disponible sur Izibook.

Auteur de nombreux livres sur Photoshop, Illustrator, InDesign et XPress, Pierre Labbe est l’un des formateurs les plus réputés dans le monde de l’infographie. Il participe également au site Wisibility.com, blog de formation en ligne sur Photoshop et les logiciels des métiers de l’image, qui présente gratuitement des trucs et astuces sous forme de séquences vidéo.

Nous publions cet article avec l’aimable autorisation de Laurent Thion et Jean-Christophe Courte (Urbanbike).

Comme évoqué lors du précédent billet, je me suis trouvé fort dépourvu de devoir tester cette nouvelle fonction d’enregistrement vidéo qui caractérise ce D90. Non pas en raison de problèmes techniques mais plutôt stylistiques…

Ergonomie
Le problème majeur lié à l’intégration d’une telle fonction dans un boîtier reflex est lié à l’ergonomie. Avec un appareil numérique compact avec lequel on vise généralement avec le moniteur arrière, les commandes de zoom sont à portées de doigts et l’autofocus est fonctionnel. Il est donc plutôt facile de filmer dans ces conditions de visée qui s’assimilent à celles d’un camescope. Sur un reflex, c’est plus compliqué car les commandes du zoom ne sont pas motorisées et la mise au point autofocus est débrayée. Ceci oblige à des manipulations peu orthodoxes. N’oublions pas non plus que la mise au point manuelle s’effectue par dichotomies successives de part et d’autre du plan de focalisation. Cela donne des séquences assez typées qui se distinguent vite de celles réalisées avec un matériel mieux adapté à la capture vidéo. Le pied s’avère rapidement indispensable, et chaque séquence mérite d‘être répétée avant l’enregistrement. On déplorera également l’absence de toute indication de distance de mise au point sur certains objectifs, comme le 18-105 mm, ce qui rend la tâche encore plus ardue si l’on veut préméditer des plans de focalisation.

Il faut également penser, comme sur n’importe quel camescope, de mettre des “poignées” à la séquence filmée (ce terme désigne les quelques secondes qui précèdent et suivent la séquence proprement dite). Dans certains cas, la simple pression de la touche de démarrage d’enregistrement “ok” suffit pour communiquer des vibrations à l’appareil, qu’il faudra couper ensuite au montage. En effet, il n’est pas possible d’utiliser la télécommande pour déclencher un enregistrement. Celle-ci ne se substitue qu‘à la pression sur le déclencheur et produit donc une photo et non une séquence vidéo.

L’appareil corrige en temps réel l’exposition en fonction de la luminosité du sujet. Il est possible de mémoriser une exposition en appuyant sur la commande AE_L avant de faire un mouvement ou de modifier l’exposition nominale avec le correcteur d’exposition (dans une fourchette de -3 à +3 IL).

La balance des blancs est (heureusement) utilisable avec une valeur fixe. Sur certaines séquences de nuit, je me suis aperçu que mon rendu chromatique variait selon la température de couleur des phares de voitures. C‘était en raison d’un réglage de la balance des blancs en mode A. Tout s’arrange en choisissant ladite balance avant de filmer, l’effet est directement appréciable sur le moniteur arrière, en mode liveview.

L’optimisation d’image est également applicable sur le mode d’enregistrement vidéo, y compris le mode noir et blanc. Ceci est particulièrement intéressant car on peut personnaliser ces réglages afin d’obtenir un effet immédiatement visible en mode liveview.

Le son est enregistré en monophonie et aucune possibilité n’existe concernant la connexion d’un micro externe. La qualité reste correcte notamment dans le registre spectral qui correspond à la voix humaine. Une prise sonore sur un équipement externe sera obligatoire si l’on désire exploiter son travail à un niveau broadcast.

Qualité de rendu
Le résultat obtenu avec le D90 est plutôt bon, particulièrement en basse lumière. En fait le grand avantage de ce concept SLR vidéo est de pouvoir l’utiliser avec des objectifs atypiques comme des fisheyes, de très long téléobjectifs, des optiques macro ou à bascule et décentrement. Ceci est évidement possible sur certains camescopes mais pas sur les modèles de base.

Se lâcher (je n’y suis pas parvenu !)
Avec une durée limitée à 5 minutes par prise et un rendu d’image très photographique, c’est une sorte de concept Super 8 qui refait son apparition. Une fonction techniquement limitée n’est pas forcément un frein à la créativité. Gageons qu’il nous sera donné à voir d’ici quelques temps des films dignes d’intérêts réalisés avec des SLR de ce type. Toutefois, (j’ai eu personnellement de la peine à réaliser ces quelques plans “regardables”), tout le monde n’est pas Depardon ou Abraham Zapruder. Cette fonction vidéo ravira donc les créatifs habitués aux images animées qui trouveront dans le D90 un très bel outil bon marché. Mais ne risquera-t-elle pas de dérouter encore plus certains “photographes” qui penseront la mettre à profit en cas de manque d’inspiration ?

À suivre…

Nous publions cet article avec l’aimable autorisation de Laurent Thion et Jean-Christophe Courte (Urbanbike).

La (fraîche) soirée parisienne du 1er décembre était consacrée au D90. Après un rapide brief de Delphine Mayeux (chef de produits Nikon), c’est dans les environs de l’Arc de Triomphe que s’est nuitamment passée la prise en main de ce nouvel appareil. Selon Delphine, la qualité de restitution à sensibilité élevée sera justement mise en évidence lors de photographies réalisées en basse lumière. Hé hé, c’est ce que nous allons voir. Je récupère pour ma part un D90 muni de l’excellent 16-85 mm VR que j’avais déjà testé cet été avec mon D300 lors de la rédaction de ceci.

Carte mémoire et autre mise à jour
Il m’a été impossible de lire le contenu de la carte lors de mon retour à la maison. En effet, le format de carte SD HC nécessite un lecteur récent (ou en tous cas, plus frais que le mien), ou un adaptateur USB spécifique. Du coup, ce n’est qu’aujourd’hui, 9 décembre, que j’ai pu enfin récupérer un D90 (merci Delphine) pour lire ma carte (cela va également me permettre d‘étendre un peu plus profondément les tests de ce boîtier). Notez que ce type d’accessoire (le lecteur de carte, pas le D90 :-) doit être négociable chez les revendeurs aux alentours de Noël…
Nikon ViewNX doit également être upgradé (gratuitement) en version 1.2.0 pour lire correctement les RAW du D90. Ce logiciel s’enrichit du même coup de nouvelles fonctions, dont une qui permet d’ajouter ou de vérifier les données GPS aux images. J’y reviendrai bientôt.

Bruit
Pas facile de démarrer illico dans le froid et le noir avec un appareil dont on ignore les réglages de base et à l’ergonomie sensiblement différente des D3 et D300. Et sans pied, en plus ! Mais jouons le jeu. Je me contente seulement d’enregistrer en RAW et pas en JPG comme le préconise Delphine. Le réglage de sensibilité est réglé sur “automatique” et monte donc tout seul jusqu‘à 3 200 ISO. Les photos à la main levée sont donc envisageables. La balance des blancs est également en position auto et j’opte pour le mode d’exposition à priorité à l’ouverture pour la première série d’images. La réduction de bruit n’est pas activée et la réduction de bruit ISO est réglée sur “Normal”. Le D-Lighting est également réglé sur “Normal”.

3 200 ISO

Premier exemple

Deuxième exemple

200 ISO
Bon, c’est bien joli un appareil qui fait tout tout seul, mais la photo de nuit se fait aussi (et surtout ?) à faible sensibilité de capteur et avec un bon pied. Faute de ce dernier, je tente quelques images à ISO 200 en posant directement l’appareil sur les banquettes de pierre qui entourent l’Arc de Triomphe. N’allez non plus pas croire que le bruit est inexistant à iso 200. C’est le temps de pose qui en générera au prorata de l’allongement de celui-ci. Voici ce que cela donne.

Extraits à 100%. Pas parfaitement net mais c’est normal compte tenu de l’absence de pied et la présence de vent. En tous cas, c’est très propre au niveau du bruit.

1 000 ISO
Là, c’est vraiment bien. Il y a un menu qui permet de limiter la valeur maximale iso en mode automatique mais c’est aussi intéressant de bloquer manuellement cette valeur de sensibilité afin d’obtenir une série d’images uniformes lors d’un reportage, plutôt qu’avoir des niveaux de bruit différents d’une image à l’autre, ce qui est quasi ingérable en post production.

Vidéo : joker !
La grande nouveauté du D90 est de pouvoir enregistrer des séquences vidéo. Trois résolutions sont disponibles :
1280 ×720 px (ratio 16/9)
640×424 (ratio 3/2)
320×216 (ratio 3/2)
le tout à 24 images par seconde.

Plutôt concentré ce soir-là sur la partie photographique, le seul essai de film que j’ai effectué n’est absolument pas représentatif de ce qu’il est possible d’obtenir en vidéo avec cet appareil. Aussi je me réserve le droit d’y revenir plus tranquillement dans les prochains jours.

Première impression
Force est de constater que le “discourt marketing” autour du faible bruit généré par le D90 est une vérité. Rappelons qu’il s’agit là d’un capteur de 12 millions de pixels au format DX. Sous réserve de ne pas dépasser 1 600 iso, le résultat est assez bluffant et surtout parfaitement exploitable dans la plupart des cas. Au delà, c’est encore très bon, dès lors que l’on reste raisonnable sur le taux d’agrandissement.
Mais ceci n’est pas tout. La balance des blancs automatique se débrouille plutôt bien, du moins dans ces conditions d’utilisation.

Le D90 se tire donc très correctement de l‘écueil des photographies de nuit. L’optique a aussi son importance, ne l’oublions pas. Je retrouve ici les qualités de l’excellent 16-85 mm VR.

Qu’en sera-t-il des autres cas d’utilisation ?

À suivre…

Ouvrez une série d’images (au format RAW, JPEG ou TIFF ) en cliquant sur le bouton Ouvrir (raccourci O) ou, plus confortable, faites-les glisser à partir de Bridge sur la fenêtre du logiciel. Une fois les images chargées et affichées dans la fenêtre principale, vous devez choisir dans les préférences (Settings) l’appareil photo et l’objectif utilisé – Photo Acute Studio s’appuie, à l’instar de DxO Optics Pro, sur des profils préenregistrés pour corriger les défauts optiques (distorsions et aberrations chromatiques). Si jamais votre matériel ne correspond pas aux profils proposés, vous pouvez utiliser celui d’une configuration proche ou contacter l’éditeur pour lui soumettre des photos afin de créer le profil adapté.

Passez ensuite au choix du traitement : cochez les photos à inclure, cliquez sur le bouton Start et sélectionnez, à partir du menu déroulant situé dans la partie supérieure gauche de la boite de dialogue, le préréglage approprié :

• Super resolution processing permet d’augmenter la résolution à partir de plusieurs images prises à exposition identique.
• High Dynamic Range crée un fichier HDRI à partir d’une série d’images à exposition différente, prises sur pied (tripod mounted) ou à main levée (handheld).
• Depth of Field Expansion génère une nouvelle image à partir d’une série d’images à mise au point décalée.
• Removing moving objects enlève, à la manière de Photoshop Elements 7, des objets mobiles parasites (voitures, personnes, etc.).

Vous pouvez également choisir de supprimer les distorsions optiques (Correct image geometry) et les aberrations chromatiques (Fix color fringing), d’augmenter l’étendue dynamique (Expand dynamic range) ou la luminosité (Equalize brightness). Photo Acute Studio réduit dans tous les cas le bruit, grâce à ses algorithmes évolués, ce qui vous permettra d’utiliser, sans aucune arrière-pensée, les sensibilités ISO bien au-delà de 400 ISO pour votre production quotidienne.

Une fois que vous avez paramétré les traitements à effectuer, appuyez sur OK. Le logiciel vous génère ensuite un fichier (l’attente est parfois assez longue…) que vous enregistrez en format 32 bits (DNG, HDR), 16 bits (TIFF, PNG) ou 8 bits par couche (BMP, JPEG). J’opte systématiquement pour le format DNG qui vous offre, une fois ouvert dans Camera Raw ou Lightroom, une incroyable latitude tonale – il s’agit en effet d’une image HDR à laquelle il faut appliquer des corrections tonales (Tone Mapping) avant qu’elle ne soit présentable. Notez qu’il faut installer l’utilitaire gratuit d’Adobe afin de pouvoir enregistrer ses fichiers au format DNG…

Le traitement des corrections optiques est au cœur même du logiciel. Sa qualité a contribué à la réputation mondiale de son éditeur. Les algorithmes de DxO Optics corrigent :
• le vignetage, qui se manifeste par la perte de luminosité dans les coins de l’image – ce phénomène à la fois d’origine méchanique (causée par le barillet de l’objectif) et optique est lié au type de capteur ;
• l’aberration chromatique latérale, qui est plus prononcée avec des objectifs de type ultra grand-angle et grand-angle ;
• la distorsion, elle aussi accentuée par l’utilisation de focales grands-angles ;
• les franges pourpres (purple fringing), variation de l’aberration chromatique engendrée par les micro-lentilles de certains capteurs numériques.

Dans la version 5 du logiciel, les outils dédiés à la correction des défauts optiques ont été répartis sur les trois palettes Lumière (vignetage) Géométrie (distorsion et déformations de la perspective) et Détails (aberrations chromatiques), selon les paramètres d’image qui en sont affectés.

Le réglage par défaut proposé par l’outil Distorsion (100), basé sur des mesures très précises, convient la plupart du temps, mais vous pouvez le modifier pour préserver soit une partie de la distorsion si caractéristique d’un objectif grand-angle, soit des détails importants sur les bords d’une image. L’option Conserver les proportions permet de minimiser le recadrage d’une image dans certains cas extrêmes.

Nous vivons dans un monde à trois dimensions, on imagine donc les difficultés qu’il y a à reproduire une scène sur un écran ou un tirage papier. Certaines déformations sont inévitables. L’anamorphose de volume, notamment, affecte les sujets proches de l’objectif ou à la périphérie de l’image sur des photos prises au grand-angle. L’outil Correction de l’anamorphose de volume dans la palette Géométrie est probablement l’une des fonctionnalités les plus impressionnantes de DxO Optics Pro. Elle est très efficace pour corriger ces déformations et propose deux types de correction : les options Sphérique et Cylindrique, la première étant bien adaptée pour les visages par exemple, et la seconde pour les silhouettes humaines ou les bâtiments. Notez qu’on ne peut appliquer la correction de l’anamorphose de volume que lorsque l’objectif est pris en charge par le logiciel.
DxO Optics Pro est également capable de rectifier la perspective des images prises en légère plongée ou contre-plongée ou dont la ligne d’horizon est inclinée. Les outils correspondants se trouvent également dans la palette Géométrie.

Les commandes de l’outil Netteté permettent d’accentuer la netteté tout en atténuant un manque d’homogénéité entre le centre et les bords de l’image. Pour la correction de perte de piqué, liée au processus de l’interpolation couleur ainsi qu’au filtre passe-bas du capteur, DxO fait la distinction entre le manque de netteté proprement dit (basé sur une mesure du blur via le fameux BxU – Blur eXperience Unit – de DxO Analyser) et l’application d’une accentuation sur les contours de l’image en vue d’une utilisation spécifique (grâce à l’outil USM). Si vous envisagez une étape de postproduction avec Photoshop, nous vous conseillons de désactiver l’option USM pour travailler plus tard l’accentuation. Il est parfois préférable de modérer l’optimisation du piqué, lorsqu’elle procure des résultats exagérés.

Le bruit numérique est corrigé à l’aide de la fonction DxO Noise. Bien que particulièrement efficace pour supprimer le bruit de luminance et le bruit coloré, son réglage par défaut est trop puissant et lisse les photos à outrance, au point de générer une structure d’image peu naturelle. Il est heureusement possible de créer son propre préréglage en diminuant le réglage pour la suppression du bruit de luminance. Grâce au traitement du bruit en deux étapes, grande nouveauté de la version 5, une grande partie du travail est déjà effectuée bien en amont, lors du dématriçage du fichier RAW. Pour cette raison, il n’est plus nécessaire d’utiliser des réglages importants dans l’outil Suppression du bruit, et le logiciel reste malgré tout très efficace pour traiter les images prises à une sensibilité ISO très élevée et/ou sous-exposées de quelques diaphragmes. Quant aux aberrations chromatiques, il n’est que rarement nécessaire de modifier les réglages par défaut pour les curseurs Intensité et Taille…

L’outil Poussière ressemble à s’y méprendre à l’outil Autocorrecteur de Nikon Capture NX2. Il ne possède en effet, tout comme son alter ego chez Nikon, qu’un seul paramètre d’ajustement pour contrôler la taille du Pinceau ; l’outil analyse en fait de manière intelligente la couleur et la texture des pixels adjacents afin que les interventions du pinceau restent invisibles sur l’image finale. Lorsque vous sélectionnez l’icône en forme de gomme, le logiciel affiche deux fenêtres Avant/après ; vous peignez sur les poussières affichées dans la fenêtre de gauche pour apprécier le résultat à droite. Attention : comme pour nombre de corrections optiques, de netteté et de bruit, vous devez choisir un agrandissement d’au moins 75 %[est-ce qu’on ne supprimerait pas ce rapport d’affichage intermédiaire qui ne fera que solliciter une interpolation à l’écran, plutôt gênante en l’occurrence ?pour lui préférer les multiples de 100 % oui, mais la limite à partir de laquelle les réglages s’affichent…] (ou mieux, 100 %) pour afficher vos retouches.

Optimiser les performances de DxO

Pour bénéficier des prouesses d’un appareil reflex dernier cri et d’un logiciel de pointe, vous devez disposer d’un ordinateur à la hauteur. Malgré les progrès incontestables de la cinquième version de DxO en ce qui concerne la vitesse de conversion, je vous recommande chaudement l’emploi d’une machine à processeur double, voire quatre cœurs (un Mac ou PC à base de processeur Intel Xeon, Core Duo, Core 2 Duo ou Athlon 64 × 2), ainsi que 2 Go de mémoire ou davantage. DxO fait appel à eux simultanément, augmentant considérablement ainsi sa vitesse d’exécution.
Dans l’onglet Traiter des Préférences (Édition>Préférences), vous pouvez allouer plus ou moins de puissance au logiciel lors d’un traitement par lot. Si vous possédez un ordinateur un peu ancien ou si vous souhaitez utiliser une autre application en parallèle, sélectionnez l’option Minimum. Si vous disposez d’un ordinateur puissant, préférez au contraire l’option Maximum : toutes les ressources disponibles seront alors attribuées au logiciel. Sinon, selon la puissance de votre ordinateur, DxO Optics Pro détermine automatiquement le réglage adapté.

Réglages préliminaires de DxO

Ouvrez les Préférences de DxO (Édition>Préférences, raccourcis Ctrl. + Shift + P sur PC ou Cmd + « , » sur Mac) pour appliquer certains préréglages qui ne seront pris en compte qu’après un redémarrage du logiciel.

• Si vous travaillez sous Windows, vous pouvez spécifier, dans l’onglet Général, le profil d’affichage utilisé par DXO Optics Pro pour afficher les vignettes et aperçus. Profil de l’écran permet d’utiliser le profil d’affichage par défaut, idéalement établi à l’aide d’un colorimètre. En revanche, les options sRVB et Adobe RVB ne sont que des pis-aller que vous utiliserez uniquement lorsque vous ne possédez pas un profil ICC pour votre écran. Il est en effet déraisonnable de vouloir utiliser un espace de travail générique en guise de profil d’affichage, même si certains écrans disposent d’un réglage usine pour faire correspondre leur gamut à celui des espaces couleur mentionnés plus haut. Notez que sous Mac, le choix du profil d’affichage est géré par le système.

• L’option Enregistrer automatiquement des fichiers de réglage permet d’enregistrer les réglages de correction dans un fichier annexe « .dxo » (dont le rôle est similaire à celui des fichiers « .xmp » propres aux logiciels Adobe…) dans le répertoire de l’image originale, puis de charger ce fichier lorsque vous ajoutez le fichier d’image associé à un nouveau projet. Vous pouvez ainsi faire migrer vos images d’un ordinateur à un autre, tout en conservant leurs réglages de correction.

• L’option Accéleration CPU permet d’augmenter la vitesse d’affichage des vignettes avec certaines cartes graphiques récentes, d’autres ne sont pas prises en charge, notamment les circuits embarqués de certains ordinateurs Mac et d’autres encore génèrent avec cette option des erreurs d’affichage – vérifiez donc d’abord si les vignettes s’affichent correctement dans les modules Sélectionner et Préparer.

• Dans les autres onglets, vous pouvez choisir les suffixes appliqués aux noms des fichiers développés (« .raw » pour les fichiers RAW, « .ds » pour les fichiers dupliqués), régler d’éventuels conflits entre deux modules installés, et déterminer les avertissements qui seront affichés sur la barre supérieure des vignettes de la fenêtre Projet. DxO puise en fait dans les métadonnées EXIF pour corriger les défauts optiques, et si les données relatives à la distance de mise au point, la focale de l’objectif ou l’orientation de l’appareil manquent, le logiciel vous en avertit et vous invite à les lui communiquer.

A ce titre, le Sony Alpha 900, vaisseau amiral de la gamme d’appareils reflex de la marque, a également été un des « stars » de la manifestation. En effet, il a été aussi difficile de l’approcher que ses deux frères ennemi , les Nikon D70 et Canon 5 D MK II. Très séduisant et relativement abordable, cet appareil devrait connaître une belle carrière commerciale. Mais au vu de sa faible pénetration du marché professionnel, le Sony Alpha 900 devrait surtout rejoindre les sacoches de nombreux amateurs passionnés.
Un peu moins vaste que celui des « trois grands » (Canon, Nikon et Sony), le stand d’Olympus était egalement très accueillant, bien que la marque n’a pas présenté de « grande » nouveauté, de même que Pentax qui partageait son espace d’exposition avec Hoya et Tokina.

Pourtant il y avait un petit appareil reflex attachant, le Pentax K-m. Compact, bien fini et surtout proposé à un tarif très agressif (à moins de 500€), le Pentax K-m est tout de même équipé d’un capteur de 10 mégapixels, d’un dispositif antipoussières et d’un stabilisateur d’image, de quoi attirer de nombreux « primo acheteurs » à la recherche d’un appareil reflex numérique petit et performant. Fort de sa collaboration avec Hoya/Tokina, Pentax a également présenté deux nouveaux objectifs, un zoom télé (60-250 mm f/4 ED IF SDM) et un objectif télé adapté aux portraits (55 mm f/1.4 SDM). En revanche, point de nouvelles pour un appareil moyen format numérique abordable ou un appareil reflex à capteur « full frame »….
Ayant vraisemblablement jeté l’éponge pour ce qui est de sa petite gamme d’appareils reflex numériques à vocation professionnelle, Fuji ne donnera sans doute pas suite au S 6 Pro. En revanche, le géant vert inonde le marché avec ses nouveaux appareils compacts numériques et Bridge, à l’instar de Samsung, dont l’activité au stand était rythmé de démonstrations d’appareils numériques grand public, ce qui n‘était pas vraiment le cas du stand de Panasonic, qui a présenté en grandes pompes un nouvel appareil, le Panasonic G1. Premier représentant d’une nouvelle famille d’appareils à visée électronique et à objectif interchangeable, le G1 est malgré son look ravageur dépourvu de prisme. Il ne s’agit donc pas d’un reflex numérique, mais d’un appareil compact numérique dont la visée est transmise par l’écran LCD orientable 3 pouces, mais qui possède un capteur de dimensions généreuses (13×17.3 mm) et d’une résolution de 12 mégapixels. Grâce à ses objectifs interchangeables et son faible encombrement, cet appareil devrait intéresser un public assez large, dont notamment les photographes à la recherche d’un appareil léger, compact, mais aussi performant qu’un « vrai » appareil reflex.
Notez que Sigma était également présent avec une batterie de grands télés et un comptoir d’une longueur interminable, mais les remplaçants du SD-14 et DP1 n’y ont pas été exposés. Cependant, les spectacles de danse proposés sur le stand ont attiré beaucoup de gens.

Côté objectifs, j’ai pris en main au stand Zeiss les deux premiers modèles disponibles en monture Canon : Les Planar T* 50 mm f/1.4 et 85 mm f/1.4 ne sont pas seulement magnifiquement fabriqués, mais une fois montés sur un Canon EOS 5D, la vue à travers le viseur leur a également attesté d’un très bon traitement anti-reflet et un pouvoir de contraste élevée…
Bien que la photographie numérique a été omniprésente et prépondérante, un « petit village gaulois » a réussi à s’investir dans l’espace entre deux salles d’exposition. La Lomographic Society y proposait tous genres d’appareils jouets argentiques (Lomo, Holga etc. ) dans un décor Kitsch, mais très attirant par ses couleurs vives.

L’interpolation d’image, que ce soit à la hausse pour une impression grand format ou à la baisse pour une diffusion par Internet, requiert un minimum de préparation et un flux de travail approprié si l’on ne veut pas dégrader l’image.

Sur cette photo issue d’un D200, j’ai recadré assez fortement la fleur afin de la mettre plus en valeur pour une impression en A3.

L’image originale est en format vertical et le recadrage va réduire le nombre d’informations en hauteur et en largeur. Le nombre de pixels quant à lui est passé de 3 872 × 2 592 sur l’image originale à 1 938 × 2 423 sur l’image recadrée.

La résolution ayant été maintenue à 118 ppcm (ou 300 ppp), la taille de sortie est très éloignée des dimensions d’un format A3 (42 × 29,7 cm).

L’interpolation que nous allons devoir effectuer correspond à une multiplication par 2 du nombre de pixels, tant en hauteur qu’en largeur. Si nous procédons en une seule étape, le résultat ne sera pas probant, comme on peut le voir sur l’image suivante (un taux de 200 % a été appliqué dans le panneau Taille de l’image).

En reprenant le même fichier, j’ai maintenant créé trois étapes d’interpolation : d’abord en appliquant une augmentation de 30 % (saisie d’un taux de 130 %), puis un masque de flou léger (25 %, rayon de 5, seuil de 40 pour ne renforcer que les bords), et de nouveau une étape d’interpolation en appliquant une augmentation de 30 % (saisie de 130 encore), puis le même masque de flou, et enfin une dernière étape d’interpolation, en appliquant une augmentation de 22 % (saisie de 122). Le taux d’agrandissement de la dernière interpolation a été choisi en fonction de la taille cible désirée. Une dernière passe d’accentuation via un masque de flou ou un filtre Passe-haut est tout à fait possible, c’est d’ailleurs ce qui a été appliqué sur l’image présentée ci-dessous (filtre Passe-haut, rayon de 1,75, mode de fusion Incrustation, Opacité à 86 %).

Le résultat obtenu est bien meilleur avec cette méthode faite d’itérations qu’avec une interpolation réalisée en une seule passe.

L’interface de la Bibliothèque

Photoshop.com propose une interface grise, à la fois sobre et élégante. On y trouve un panneau d’affichage central pour les vignettes, la colonne de gauche regroupant la liste des albums (ci-dessous, cadre rouge), les liens directs (vos photos seront automatiquement rapatriées) vers vos galeries hébergées par d’autres services comme Facebook, Flickr, etc (ci-dessous, cadre vert) et, en tête de colonne, le bouton permettant de lancer le module de chargement de nouvelles images (ci-dessous, cadre cyan).

Les images affichées sous forme de vignettes (voir ci-dessus) comprennent un système d‘évaluation de 0 à 5 étoiles, le nom du fichier, la légende, les tags (balises constituées de mots-clés) ainsi que la date. Bien entendu, les légendes et les balises peuvent y être directement saisies et éditées.

Certaines fonctions (suppression, e-mail, rotation, ...) sont accessibles dans un menu déroulant à partir d’une flèche qui apparaît lorsqu’on passe le pointeur de la souris sur le bas de la vignette. Il est tout à fait possible d’afficher les vignettes selon plusieurs critères d’ordre accessibles dans un menu déroulant, de modifier leur emplacement au sein de la grille ou au sein des albums par simple glisser-déposer.

Régler la “luminosité”

L’ISO propose que la luminance maximale de l‘écran, c’est-à-dire la luminance du blanc, soit telle que l’impression visuelle de luminosité perçue par un observateur coïncide avec celle donnée par un papier blanc posé à la place de l’image imprimée et recevant un éclairement de 500 lx. Cette consigne n‘étant pas très facile à mettre en œuvre, l’ISO fournit une règle alternative, plus classique : la luminance du blanc doit être supérieure à 80 cd/m2 et, si possible, égale à 160 cd/m2.

Ce réglage de luminance est absolument crucial. Contrairement à ce qui est parfois dit, ce n’est pas la couleur du blanc qui est déterminante quand on compare l’affichage d’une image sur un écran avec une version sur papier, c’est sa luminance. Selon que la luminance maximale de votre écran d‘épreuvage est trop élevée ou trop faible, vos images imprimées seront trop sombres ou trop claires ! Attention, ce n’est pas le profil d’imprimante qui est en cause dans cette dérive des images imprimées, c’est seulement le calibrage de l‘écran. En phase d’optimisation avec Photoshop, l’utilisateur, abusé par son écran trop lumineux, est poussé à diminuer la luminosité de ses images…

Dans des conditions classiques d’environnement, c’est-à-dire avec un éclairage ambiant modéré et, éventuellement, une lampe pour arts graphiques dirigée sur le papier, la limite inférieure de 80 cd/m2 préconisée par l’ISO est réaliste mais un peu faible. En revanche, la valeur suggérée de 160 cd/m2 est vraiment élevée et je déconseille aux amateurs de s’en approcher, même s’ils sont équipés de coûteux écrans pour arts graphiques. Une luminance aussi forte n’est envisageable que dans des conditions d’application draconiennes (voire masochistes) des normes, c’est-à-dire en quasi chambre noire avec un papier vivement éclairé par une boîte à lumière professionnelle telles que celles qui sont fabriquées par Just Normlicht ou GretagMacbeth.

Dans des conditions banales d‘éclairage ambiant modéré, une bonne méthode consiste à essayer d’abord une luminance maximale de 90 cd/m2. Si les tirages sur papier des images imprimées sur votre imprimante à jet d’encre ou tirées par votre laboratoire habituel vous paraissent trop sombres, c’est-à-dire plus sombres que ce que vous attendiez en optimisant votre image à l‘écran, alors, vous pouvez tenter 80 cd/m2. Dans le cas contraire, augmentez cette cible en adoptant par exemple 110 cd/m2 mais ne dépassez pas 120 cd/m2, sauf dans des cas exceptionnels où le niveau d‘éclairage ambiant est très élevé.