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Quand on s’équipe en matériels photo, le choix des optiques est de la plus haute importance. Mais ce choix n’est pas toujours si simple. Les utilisateurs d’un Nikon D3s, pour ne citer que lui, bénéficient en fait d’une surabondance en objectifs compatibles. Non seulement, le fabricant a été particulièrement actif ces derniers mois sur ce terrain, mais grâce à la fameuse baïonnette F, restée inchangée dans ses grandes lignes, vous pouvez même adapter des optiques vieilles de quarante ans, dont certaines n’ont que peu de chose à envier aux modèles plus récents.

Jean-Marie Sepulchre (JMS pour les intimes), auteur de nombreux ouvrages papier et e-books aux éditions Eyrolles, VM et Dunod, décortique dans son dernier livre électronique, “137 tests d’objectifs pour le Nikon D3s” les performances optiques (piqué, vignetage, aberration chromatique et distorsion) de 137 optiques, intimement liées à celle du capteur du Nikon D3s. Bénéficiant d’une solide expérience des évaluations d’optiques et également d’une longue pratique des matériels Nikon, l’auteur cadre très large : il analyse non seulement la vaste gamme optique en vogue, mais également de nombreux rescapés des gammes Ai et Ai-s.

À noter qu’il a préféré à ne pas tenir compte des objectifs dits « compatibles » (Sigma, Tamron et Tokina), trop nombreux pour un tel ouvrage proposé sous une forme électronique.

Au premier chapitre, Jean-Marie Sepulchre conte d’abord l’histoire des objectifs Nikon, du mythique Nikon F jusqu’aux modèles AF récents. Il passe ensuite à la configuration du boîtier, nécessaire pour profiter pleinement des optiques. Un chapitre entier explique ensuite les mesures de qualité du capteur et des objectifs et leur impact sur la qualité optique, les sept chapitres suivants décortiquent ensuite chacun des objectifs, regroupés suivant leur appartenance à une famille (objectifs grands-angles, standard, objectif à focale moyenne et à longue focale, objectifs spéciaux (macro et à décentrement), zooms professionnels, zooms transstandards et télézooms). Les mesures sont toujours secondées par des explications éclairées. À la fin de l’ouvrage, l’auteur livre même une analyse des trois convertisseurs de focale, TC 14 E / E II, TC 17 E II et TC 20 E III.

“137 tests d’objectifs pour le Nikon D3s” distille de nombreuses informations précieuses qu’il serait très difficile et chronophage de rassembler en parcourant la Toîle. Si l’ouvrage est quasi-indispensable pour tous ceux s‘équipant en optiques neuves ou d’occasion, il l’est aussi pour connaître les points forts et les points faibles des “caillouxs que l’on possède déjà. Si les propriétaires du D3s sont les premiers concernés, ceux du D3 et D700 ne le sont pas moins, vu que les capteurs des trois appareils sont assez proches.

“137 tests d’objectifs pour le Nikon D3s» de Jean-Marie Sepulchre aux éditions Eyrolles, ISBN 978-2-212-85407-7, 272 pages au format PDF, 32 € TTC (ouvrage électronique).

Après quelques années d‘évolutions pour le moins timides en la matière, Canon offre (enfin !) avec le 7D un système AF novateur. En effet, au-delà des classiques modes One Shot, Ai Servo et Ai Focus, il dispose de 19 collimateurs (tous en croix) et d’options de pilotage et de fonctionnement lui assurant une souplesse incomparable avec celui de ses prédécesseurs.

Sa maîtrise n’est pas toujours évidente, mais la gestion de l’AF dès la prise de vue est capitale car, s’il est toujours plus ou moins possible de corriger couleurs, exposition ou cadrage en postproduction, ce n’est pas le cas pour une mise au point hasardeuse (qui, légèrement en avant ou en arrière du sujet, constitue sans doute le défaut le plus inesthétique qui soit). Certes, une relative imprécision passera inaperçue sur de petits tirages, mais elle sera d’autant plus visible que l’on agrandira l’image et, du fait du manque de modelé des transitions flou/net, elle ne sera jamais vraiment compensée par une grande profondeur de champ. Inversement, s’il est maîtrisé, le flou de mise au point est un élément créatif des plus séduisants.

Comprendre le fonctionnement de l’AF permet d’en cerner les limites et d’en dépasser certaines (pour en savoir plus, voir “Maîtriser le Canon EOS 7D”). Ainsi, on peut gérer au mieux sa mise au point, s’adapter à son sujet ou piloter le système à des fins créatives. Quand, comme ici, on travaille dans des conditions de lumière difficiles, avec une grande ouverture, un sujet excentré, et que les plans se chevauchent, maîtriser comment et où se fait le point est capital.

Principe et fonctionnement
En visée optique, le 7D emploie un système à corrélation de phase qui repose sur un module de détection composé de minuscules capteurs. Comparativement à l’AF direct (réglage AF Live) que propose l’appareil en Live view (et qui repose sur une détection de contraste, comme sur les compacts), le premier est beaucoup plus rapide. En revanche, les zones de détection sont déterminées par la position des capteurs et la couverture globale est sensiblement plus réduite.

L’image analysée provenant de l’optique de prise de vue, l’AF est TTL. Le miroir principal ne renvoie en effet qu’une partie de la lumière vers le viseur et dispose en son centre d’une fenêtre semi-transparente. En arrière de celle-ci se trouve un petit miroir secondaire qui réfléchit à son tour la lumière vers le plancher de la chambre reflex, là où se trouve le module AF. Chacun des capteurs ne reçoit donc qu’une portion très réduite du champ visé et, schématiquement, la lumière est divisée en deux faisceaux distincts atteignant chacun une des barrettes du capteur cible (on rappellera d’ailleurs que tous les capteurs du 7D sont en croix et opèrent une analyse bidirectionnelle plus efficace que celle des capteurs en ligne – qui n’accrochent, eux, sur un sujet que s’il existe un angle entre le motif pointé et leur orientation propre). Le processeur analyse leur réponse et ordonne le déplacement du bloc optique jusqu‘à ce que les deux signaux soient en phase, signe que l’image est nette.

On sait que l’amplification du signal quand on utilise une sensibilité élevée s’accompagne toujours de celle du niveau de bruit. Par ailleurs, d’autres facteurs comme la longueur du temps de pose, la température, le contraste ou l’accentuation de la netteté, peuvent aussi le provoquer et/ou l’intensifier. Malgré son filtrage interne, le signal issu du capteur contient toujours une information parasite mêlée à l’information utile, et dont la correction demeure des plus complexes. Car, si chaque cause génère un bruit assez caractéristique en termes de structure, d’intensité, de coloration et de fréquence, il n’est pas rare que leurs effets se conjuguent dans un ensemble aléatoire. Certains électrons peuvent en outre avoir un comportement erratique difficile à anticiper (sous l’effet de la chaleur par exemple), tandis que l’amplification effective du signal de certains photosites par rapport à d’autres peut manquer d’homogénéité et produire une sorte de granulation sur l’image, tout aussi difficile à éviter.

En noir et blanc, le bruit chromatique est imperceptible ; seule la granularité du bruit monochromatique vient donner une certaine structure à l’image. Dans des ambiances intimistes, en reportage ou pour obtenir comme ici un rendu particulier, son effet est assez plaisant et certains photographes utilisent alors volontiers des sensibilités élevées sans aucune correction pour casser un rendu jugé souvent trop lisse en numérique.

La sensibilité reste la première cause d’apparition du bruit dans l’image. Ceci étant, sa perpétuelle augmentation d’une génération d’appareils à une autre pousse les constructeurs à faire progresser le rapport signal/bruit des capteurs, mais aussi la qualité des algorithmes qui ont la lourde tâche de minimiser le bruit. Force est de reconnaître qu’ils atteignent actuellement un niveau de performances très satisfaisant et, si les sensibilités “extrêmes” nécessitent toujours un traitement, son besoin est très relatif aux valeurs usuelles. On utilise ainsi sereinement le 550D jusqu’à 800 voire 1600 ISO, dans la mesure où le niveau de bruit est alors négligeable.

Malgré de sérieux progrès, l’éradication complète du bruit est encore impossible. On peut même se demander si elle est vraiment souhaitable, dans la mesure où le bruit contribue au rendu des images. Son appréciation demeure très subjective, mais le fait est qu’une image trop “lisse” perd parfois en naturel et que le bruit lui donne une “structure” plus ou moins prononcée, que l’on peut même apprécier voire rechercher, notamment dans les zones de flou. Certains photographes et certains sujets s’en accommodent plus facilement que d’autres. Pour ma part, j’irais jusqu’à dire que le rendu d’une image mal traitée est encore pire que le “défaut” lui-même ! En effet, filtrage ou correction sont souvent préjudiciables au rendu avec une fâcheuse tendance à faire disparaître des détails, à “lisser” les images à outrance ou à provoquer des artéfacts sur les contours tranchés et contrastés. Leur application requiert donc de subtils compromis.

Avec les Styles d’image, Canon simplifie la gestion du rendu des photos et des vidéos. On sait en effet que si subtilité et douceur sont de mise en portrait ou en photo de bébé (pour respecter les teintes chair et ne pas trahir défauts et rougeurs de peau), ce n’est qu’avec un contraste, une saturation et une netteté plus élevés que l’on obtiendra un rendu flatteur et des couleurs claquantes en paysage.

Chaque Style détermine un ensemble de corrections de couleurs, netteté et contraste qui confère aux images un rendu caractéristique (voir tableau ci-après) ; en choisir un plutôt qu’un autre permet donc d’adapter le traitement des images à la nature du sujet. Même si le système semble en réalité un peu plus complexe (voir en fin d’article), on peut assimiler les Styles d’image à des métadonnées de développement. On imagine ainsi à quel point leur gestion dès la prise de vue est capitale en JPEG et en vidéo.

Or, quand on constate le rendu pour le moins “typé” des Styles d’image prédéfinis par Canon, on comprend que beaucoup d’utilisateurs se contentent du réglage Standard ou que certains dénigrent le système, arguant qu’un traitement sur mesure des fichiers RAW offre plus de souplesse et un résultat plus subtil. Ceci est, certes, assez juste, mais si l’on prend la peine de s’y intéresser, les Styles d’image se montrent incontestablement pratiques. Au-delà de la modification des réglages de Netteté, Contraste, Saturation et Teinte couleur accordée par le boîtier, le système est très perfectionné. Il peut d’ailleurs s’avérer autrement plus utile qu’on veut bien le croire, même en RAW. En revanche, les Styles d’image sont spécifiques à Canon, et en RAW, seul DPP permettra d’en exploiter le potentiel ; les autres logiciels de développement les ignoreront et appliqueront chacun leurs propres paramètres d’optimisation du rendu.

Bien plus qu’un gadget
Les pages 64 à 69 du mode d’emploi décrivent assez correctement l’utilisation et la personnalisation des Styles d’image dans l’interface du boîtier (que nous détaillerons plus loin), mais elles ne rendent pas justice à leur puissance, ni à leur parfaite intégration dans le système Canon. C’est pourtant là tout leur intérêt et leur souplesse.

Un système pratique et cohérent
Depuis le 5D “premier du nom”, tous les EOS proposent les mêmes Styles d’image assortis des mêmes options de personnalisation, qui plus est présentés dans la même interface. Le système est incontestablement pratique, mais il est surtout cohérent : il est en effet établi de sorte qu’un paramétrage donné génère un rendu similaire d’un boîtier à un autre.

Les Styles d’image par défaut et leur effet sur le rendu. Les deux photos présentées en regard de la charte sont volontairement très différentes pour faciliter la comparaison visuelle des effets des Styles d’image sur leur rendu et, de toute évidence, les deux n’appellent pas le même traitement. Quelques explications quant à la lecture des diagrammes accompagnant les chartes sont disponibles dans l’encadré qui précède.

Bien qu’il n’ait pas été pas le premier à intégrer la capture vidéo, le Canon 5D Mark II a littéralement bouleversé les deux univers de la photo et vidéo professionnelle, répondant à la fois aux besoins des photographes et vidéastes professionnels. Mais contrairement aux fonctions dédiées à la photo (qui ne nécessitent guère de préparations particulières…), la maîtrise des fonctions vidéo nécessite un certain investissement personnel de la part d’un photographe avant qu’il ne puisse produire des séquences vidéo saisissantes. Si la plupart des guides et manuels consacrés au 5D Mark II n’offrent finalement qu’une introduction assez sommaire à ses fonctionnalités vidéo, le nouvel ouvrage de Sébastien Devaud va beaucoup plus loin, puisqu’il a été écrit par un réalisateur et ancien opérateur de prises de vues.

 

“Tourner en vidéo HD avec les reflex Canon” de Sébastien Devaud s’adresse non seulement aux photographes, mais également aux autres utilisateurs de la fonction vidéo des boîtiers HDSLR de marque Canon (EOS 5D Mark II, EOS 7D et EOS 1D Mark IV) : producteurs, réalisateurs, directeurs de la photographie, vidéastes, cinématographes et, enfin, photographes. J’avoue que la fonction vidéo de mon Canon 5D Mark II reste à ce jour désespérément sous-exploitée et pour cela il y a plusieurs raisons, pour la plupart dissipées par cet excellent ouvrage. Bien que les photographes aient généralement un œil exercé et un sens du cadre aigu, ils ne sont pas tous faits pour produire des séquences vidéo séduisantes. Et contrairement aux réalisateurs de films, nous sommes en fait trop souvent des loups solitaires, préférant arpenter seuls le monde à la recherche de sujets photogéniques. Or, ce mode opératoire n’est pas compatible avec la production de contenus vidéo ; la capture et la postproduction de vidéos nécessitent le plus souvent des ressources matérielles et humaines ainsi que de vastes connaissances que cet ouvrage particulièrement exhaustif s’apprête à nous transmettre.

“Tourner en vidéo HD avec les reflex Canon” prodigue sur plus de trois cent soixante pages le bagage technique indispensable pour réussir ses vidéos HD. Scindé en cinq parties (Introduction, Préparation du tournage, Prise de son, Tournage et Postproduction) et dix chapitres, l’ouvrage énumère dans la première partie les spécificités techniques des appareils reflex HD Canon, en les positionnant face à la concurrence, et notamment aux appareils photo HD (Nikon, Panasonic) et aux caméscopes vidéo HD. Il évoque aussi bien leurs points forts que leurs points faibles. La partie s’achève avec les témoignages de deux réalisateurs célèbres, Philip Bloom et Vincent Laforet.

Ce n’est que dans la deuxième partie que les photographes commencent à se rendre compte du fossé séparant le monde des photographes de celui des réalisateurs vidéo et cinéma. Sébastien Devaud y explique les problématiques spécifiques au tournage et comment s’y préparer. D’abord par l’introduction de matériels plus “classiques” pour stabiliser les prises de vue (trépieds, têtes fluides, monopieds) ensuite par d’autres, plus spécifiques (systèmes de travelling, crosses d’épaule, steadicams, etc.), enfin par celle des alimentations, cartes mémoire, protections “tous temps” et déclencheurs à distance. Les deux derniers chapitres de cette seconde partie sont consacrés à la prise de son et au choix des optiques. On y apprend que les objectifs conçus pour la photographie ne répondent que rarement aux besoins d’un réalisateur de films, qui leur préfèrent systématiquement des objectifs dont la bague de mise au point est suffisamment douce et progressive et dépourvue de points durs : objectifs cinématographiques en montures PL et PV et autres objectifs Zeiss “recarrossés” par des spécialistes. L’auteur illustre ses propos avec de nombreuses illustrations d’optiques dont certaines sont assez exotiques et évoquent certains noms “mythiques”, mais disparus du monde de la photo : Angénieux et Cooke. En résumé, c’est une partie passionnante qui distille des informations que l’on ne trouve dans aucun livre francophone.

La troisième partie aborde finalement les différents aspects pratiques du tournage (mise au point, cadrage, lumière, éclairage et comment intégrer les appareils reflex HD dans différents types de tournage) et la quatrième ceux de la postproduction, étape cruciale pour la production d’un film. Les quelques pages consacrées à la sensibilité, au bruit et à l’éclairage sont passionnantes puisqu’elles apportent, là encore, des informations introuvables ailleurs. Dans chacune des parties, l’auteur réussit la quadrature du cercle : transmettre un savoir-faire précieux sans être ennuyeux. Les informations sont abondantes, toujours pertinentes et agrémentées des conseils éclairés de l’auteur.

Bref, si vous souhaitez vous imprégner avec la culture cinéaste et vidéaste et apprendre à faire des vidéos avec votre appareil Canon (à noter que la plupart des informations ne s’adressent pas aux seuls “Canonistes”...), l’ouvrage sera incontournable. Très exhaustif et compétent, c’est “THE” ouvrage de référence !

 

Sébastien Devaud fera un workshop suivi d’une séance de dédicace de son livre autour d’un verre le jeudi 25 novembre 2010 à la Librairie Eyrolles (61, bd Saint-Germain, Paris 5e, M° Maubert-Mutualité). Entrée libre. Accueil à 18h, conférence de 18h30 à 19h30, dédicace et cocktail à partir de 19h30. Pour vous inscrire gratuitement à ce workshop et échanger avec Sébastien Devaud, que vous soyez photographe ou vidéaste (ou les deux !), merci d’envoyer un mail à l’adresse conference@eyrolles.com

 

 

L’automne, et a fortiori l’hiver, sont deux saisons propices à la lecture d’ouvrages techniques. Cette année, ils sont nombreux à solliciter l’attention des photographes passionnés.

Ateliers Photoshop pour le photographe

L’ouvrage “Ateliers Photoshop pour le photographe” du couple californien Harold et Phyllis Davis fait partie d’une trilogie d’ouvrages, parue aux éditions Dunod, comprenant également des ouvrages consacrés à la photographie de nuit et aux compositions créatives.

Dans la première partie de l’ouvrage, Harold Davis décrit différentes techniques de capture (scanner et appareil photo numérique), de traitement (avantages du format RAW) et de gestion d’images (organisation et archivage), dans la deuxième il présente une technique qui, selon lui, contribuera à éteindre la plage dynamique de l’appareil. Baptisée “traitement multi-RAW”, la technique n’est pourtant pas aussi révolutionnaire. Elle consiste en fait à combiner plusieurs fichiers issus d’un seul fichier RAW. Excellents pédagogues, les auteurs parviennent presque à nous convaincre d’avoir été à l’origine de la technique, leurs pas à pas étant particulièrement limpides et bien illustrés.

Après avoir expliqué comment combiner plusieurs images pour en faire une seule, Harold et Phyllis enchaînent sur les masques et modes de fusion de Photoshop (très bien expliqués), sur la réduction du bruit et la transformation noir et blanc, avant de clore le premier chapitre avec la fusion HDR Manuelle et le photo-compositing, la combinaison de différentes photos à des fins créatives. Les techniques pour multiplier les prises de vue de nuit et pour les combiner dans Photoshop (stacking) sont alors particulièrement intéressantes et les photos d’exemples vraiment magnifiques.

Quant au troisième (et dernier chapitre), il explore différentes démarches pour corriger les couleurs et notamment la manipulation des couleurs en mode Lab, assez peu connue en Europe, mais plutôt populaire en Amérique, grâce aux ouvrages de Dan Margulis.

Doté d’une mise en pages très réussie qui s’évertue à mettre en valeur les nombreuses images de Harold, “Ateliers Photoshop pour le photographe” est un véritable recueil de recettes pour images appétissantes. Les auteurs ne transmettent pas seulement leurs techniques de traitement d’image, mais également leur vision esthétique et créative que Harold Davis développe davantage encore dans ses deux autres ouvrages, “Tout l’art de photographier la nuit” et “Compositions photographiques créatives ”. Bref, c’est un bien bel ouvrage. Toutefois un petit bémol : les auteurs ne sont pas aussi pointus en traitement d’images que le laisse penser leur excellente maîtrise de la prise de vue. Bien que les pas à pas soient toujours cohérents et bien construits, ils s’appuient avant tout sur leur maîtrise de Photoshop et négligent totalement l’énorme potentiel de Camera Raw pour développer et parfaire leurs fichiers RAW. Ainsi, Harold Davis prône le traitement sélectif et la transformation noir et blanc dans Photoshop et la réduction du bruit dans Noise Ninja, alors que Camera Raw offre des outils très convaincants en la matière. Le fait d’utiliser une ancienne version de Photoshop pourrait expliquer (du moins en partie…) ce conservatisme.

À noter que les auteurs préparent actuellement une seconde édition qui semble combler ces manques — y compris un certain manque de cohérence lorsque sont évoquées la gestion d’images (ils utilisent le Finder, tout en préconisant l’utilisation d’une unité Drobo pour la sauvegarde des images, hors budget et surdimensionnée pour la plupart de photographes…) et l’emploi d’une charte de gris (qu’ils confondent avec la charte Kodak à 18%...) – wait and see…
Mais ce sont des petits détails, pardonnables, face à l’ensemble des atouts du livre. Sachez que vous pouvez télécharger les images des exercices sur le site de l’éditeur. S’il ne s’agit que de copies allégées des originaux du livre (il n’y a aucun fichier RAW...), c’est un plus fort appréciable pour tous ceux souhaitant s’entraîner avec les images des auteurs.

Les magnifiques images et le talent pédagogique des auteurs donnent bien envie d’apprendre de nouvelles techniques en suivant leurs pas à pas. Un ouvrage à recommander.

Ateliers Photoshop pour le photographe, Harold et Phyllis Davis, Dunod, 2010, 25 euros.

 

Photoshop CS5 pour les photographes, de Martin Evening, et Photoshop CS5, de Pierre Labbe

Si vous souhaitez un ouvrage plus pointu au niveau technique, vous pouvez vous tourner vers l’excellent “Photoshop CS5 pour les photographes” de Martin Evening ou vers l’ouvrage de référence très exhaustif “ Photoshop CS5” de Pierre Labbe.

Aussi compétents l’un quel’autre, les deux ouvrages s’adressent à des lecteurs différents : pour simplifier, les photographes pour le Evening et les graphistes pour le Labbe. Si le premier offre une mise en pages plus aérée et s’il se focalise avant tout sur les fonctionnalités de Photoshop dédiées aux photographes, le second est le seul à aborder les fonctionnalités et techniques chères aux graphistes et créateurs 3D, sans pour autant négliger Bridge et Camera Raw. Si vous recherchez donc un manuel complet pour ce logiciel de plus en plus tentaculaire, “Photoshop CS5” est l’ouvrage qu’il vous faut, sinon, optez pour “Photoshop CS5 pour les photographes”.

Photoshop CS5 pour les photographes, Martin Evening, éditions Eyrolles, 2010, 45 euros. Photoshop CS5, Pierre Labbe, éditions Eyrolles, 2010, 42 euros.

Camera Raw par la pratique

La sortie de “Camera Raw par la pratique”, dont je suis l’heureux papa, est prévue pour très bientôt (28 ou 29 octobre). L’ouvrage s’adresse aux utilisateurs de Photoshop (versions CS4 ou CS5) ou de Photoshop Elements (versions 6 et suivantes). Exclusivement construit sur des études de cas concrètes, il permettra aux photographes amateurs et professionnels de tirer le meilleur parti possible des outils de Camera Raw, Bridge et Photoshop (ou Photoshop Elements) pour l’organisation, le développement et le traitement de leurs fichiers. Il répond “par l’image” aux besoins des débutants comme aux attentes des photographes plus expérimentés et des photographes professionnels qui cherchent à gagner en créativité et en productivité grâce au flux de production proposé par la suite Adobe. Du transfert des photos à la création de planches contacts, de présentations PDF ou de sites web, en passant par le tri des fichiers, les corrections globales et locales des images, la conversion noir et blanc, les objets dynamiques et la création d’images panoramiques et HDR, ce livre illustré “pas à pas” vous aidera aussi à découvrir les nouvelles fonctions apparues avec Photoshop CS5.

A noter que le livre comprend un DVD avec les fichiers bruts (format DNG) des principaux exercices, permettant de suivre mes conseils en direct.
Bien évidemment, je vous le recommande chaudement. Si vous ne devez acheter qu’un seul livre sur Camera Raw, n’hésitez plus et réservez-le vite avant qu’il ne soit trop tard…

Camera Raw par la pratique, Volker Gilbert, éditions Eyrolles, 2010, 25 euros.

Le catalogage est un ensemble de techniques et procédures qui est souvent négligé par les photographes. Bien qu’il soit vital pour un photographe professionnel de soigner l’organisation de son fonds d’images, un photographe amateur, surtout motivé par la prise de vue, perçoit souvent cette suite de travail, postérieure au traitement des images, comme étant accessoire ou même superflue. Pourtant, si le classement cohérent des photos accélère la recherche d’une image particulière, elle contribue aussi à leur conservation.

Si, depuis peu, plusieurs ouvrages, et notamment “Gérer ses photos numériques” de Daniel Hennemand, mettent tout en œuvre pour diffuser et démocratiser les différents aspects du catalogage “The Dam Book” du photographe américain Peter Krogh est sans doute le livre le plus pertinent sur la question. Depuis peu, il existe une traduction française de cet ouvrage, adapté par Gilles Theophile et moi-même, qui approfondit sur plus de 450 pages les différentes étapes nécessaires à rendre nous images à la fois facilement accessibles et pérennes. Le livre s’ouvre sur un aperçu de ce que représente le catalogage pour un photographe, puis aborde le traitement non destructif des images grâce à la modification de leurs métadonnées. Le troisième chapitre se concentre alors sur les métadonnées, en discutant les notes, mots-clés et les modèles de métadonnées et les deux chapitres suivants sur la mise en place d’un système de catalogage. Le premier de ces chapitres, aborde alors le renommage ds fichiers, le traitement des copies virtuelles et les métadonnées GPS et le second les différents supports de stockage, en mettant l’accent sur la sécurité des données et le meilleur rapport entre leurs capacités de stockage et leur coût. Suite logique du cinquième chapitre, le sixième détaille la sauvegarde et la vérification des données et présente différentes configurations matérielles pour sécuriser ces dernières.

Les concepts les plus ardus sont très bien expliqués

La deuxième partie du livre se consacre à l’importation (chapitre 7) et à la gestion des images dans Lightroom (chapitres 8 et 9),Bridge/Camera Raw (chapitre 10) et Expression Media (chapitres 11 et 12).

Si l’auteur développe un flux de production bien adapté à des petites structures (photographes illustrateurs, reporters et studios photo de petite taille), vous êtes bien évidemment libre à adapter celui-ci à vos propres besoins en matière de classement et d’archivage. Pour cela, Peter Krogh donne de nombreuses pistes à explorer. Qui plus est, il explique les avantages d’un traitement non destructif des fichiers RAW et DNG, aspects souvent inexploités par d’autres ouvrages.

Notez que le contenu du livre restera toujours d’actualité avec Lightroom 3 et Photoshop CS 5. Quant à Expression Media 2, catalogueur préféré de Peter, il existe toujours. Bien que son avenir soit incertain, les explications de l’auteur sont suffisamment génériques pour que vous puissiez les adapter à n’importe quel autre catalogueur.

D’un point de vue esthétique, l’ouverture du diaphragme permet de gérer la profondeur de champ de l’image, mais elle a aussi une incidence sur le piqué et peut réduire ou faire apparaître certains défauts optiques. Choisir une valeur plutôt qu’une autre résulte donc autant d’un choix d’ordre créatif que d’un compromis technique puisque l’ouverture du diaphragme conditionne temps et de pose et sensibilité ou en découle.

Ouverture et profondeur de champ
La profondeur de champ est liée à un certain nombre de variables. Elle est d’autant plus étendue que le diaphragme est fermé (et inversement) ; ainsi, en portrait, on peut isoler un visage sur un fond flou grâce à une grande ouverture (f/2,8 par exemple), tandis que pour rendre compte de l‘étendue d’un paysage, on privilégie une petite ouverture (comme f/11).

Son étendue, ainsi que sa répartition de part et d’autre du plan de netteté sont non seulement tributaires de l’ouverture du diaphragme, mais subissent également l’influence de la distance de mise au point. S’il est communément admis que la profondeur de champ s‘étale 1/3 en avant, 2/3 en arrière, cette règle est mise à mal dès que l’on se rapproche fortement de son sujet ou que le dernier plan net est très éloigné. En macro, elle est ainsi d’autant plus courte que le sujet est proche et sa répartition tend vers un équilibre moitié en avant et moitié en arrière. Inversement, si la zone perçue comme étant nette sur l’image s‘étend au-delà d’une certaine distance et tend vers l’infini, on constate que la profondeur de champ en arrière du plan de mise au point est largement supérieure à celle qui est en avant de ce dernier. L’exploitation de cette condition dite “d’hyperfocale” est très utile en paysage et en reportage (voir plus loin).

Cette série a été réalisée avec un objectif de 50 mm et en conservant le même point de vue ; la variation de l’ouverture du diaphragme montre donc l‘évolution de la profondeur de champ. L’ouverture maximale d’une optique est déterminante et on observe qu’obtenir des effets de flou prononcé est plus facile avec une focale fixe lumineuse qu’avec un zoom à l’ouverture modeste.

 

 

Avec ses 15 Mpix et les innovations héritées de la gamme expert, et même pro, de la marque (vidéo Full HD, plage de sensibilités étendue à 12 800 ISO, écran LCD 3 pouces avec traitement anti-reflet…), le 500D offre un potentiel des plus sérieux, apte à satisfaire tous les passionnés de photo tout en restant accessible aux néophytes. Mais l’arrivée de la vidéo sur les appareils photo reflex divise au moins autant que celle de la fonction “photo” sur les téléphones portables il y a quelques années. Inutilisable pour les uns faute d’une plate-forme conçue pour cet usage et en raison de nombreuses limitations techniques, elle ravit les autres (les amateurs de “convergence technologique” et les plus curieux), séduits par son potentiel et les nouveaux usages possibles des boîtiers. Mais il ne suffit pas d’ajouter une fonction vidéo à un reflex numérique pour en faire un caméscope…

La vidéo du 500D est sans aucun doute un complément ludique de l’appareil. Ici, aucune image fixe n’aurait pu rendre le mouvement des feuilles par le vent. Une balance des blancs décalée et une faible profondeur de champ confèrent à cette séquence un surplus de poésie ; en postproduction, un montage sonore permettrait d’aller encore plus loin. Mais gare aux effets faciles qui sont rapidement lassants…

Un potentiel fantastique mais bridé, le 500D n’est pas le 5D Mark II

Si sa légitimité, son intérêt ou son utilité sur un reflex ont ouvert un débat, le potentiel créatif de la fonction vidéo des reflex ne fait en revanche aucun doute. Outre une qualité de rendu, que d’aucuns qualifient d‘époustouflante (mais que l’on peut estimer artificielle et trop “lisse”), les deux arguments majeurs de la vidéo sur un reflex sont la diversité des optiques disponibles et les avantages liés à la taille du capteur.

La première autorise en théorie une incomparable variété de cadrages, donc de plans, de points de vue et d’effets, du fish-eye au téléobjectif en passant par les optiques macro ou à décentrement et bascule. La seconde, bien plus avantageuse que sur un caméscope amateur, autorise a priori des effets de profondeur de champ avec une liberté digne de caméras professionnelles autrement plus coûteuses. Elle a par ailleurs pour conséquence une sensibilité accrue des photosites, donc de bien meilleures aptitudes à travailler par faible éclairement tout en conservant un rendu d’image et un niveau de bruit contenu. (On sait que l’ouverture du diaphragme est déterminante dans la gestion de la profondeur de champ : plus grande est l’ouverture, plus courte est la zone de netteté en avant et en arrière du plan de mise au point. On admettra aussi que la taille du capteur a un rôle très important en la matière. Toutes choses demeurant égales par ailleurs, la profondeur de champ est d’autant plus étendue que le capteur est petit, et inversement. Les caméscopes amateur dont le capteur est de très petite taille offrent de fait une grande profondeur de champ ; seuls les modèles professionnels et les récents reflex-vidéo autorisent de jouer facilement avec les flous d’arrière-plan, d’où un potentiel créatif infiniment supérieur.)

Les professionnels de la vidéo ne s’y sont pas trompés. Ce sont en effet eux (bien plus d’ailleurs que les photographes) qui se sont approprié l’usage de ces appareils photo-vidéo (du moins du Canon EOS 5D Mark II). Une simple recherche sur Internet permet de trouver pléthore de films de qualité souvent admirable, mais attention, la grande majorité de ces réalisations est issue du 5D Mark II. Certes, le mode vidéo du 500D en est très voisin mais s’il bénéficie de l’aura et de l’a priori positif de son illustre prédécesseur, son potentiel est en réalité plus limité.

En effet, plus encore que par l’enregistrement vidéo Full HD à 30 images par seconde, le succès du 5D Mark II en vidéo s’explique d’abord par la taille de son capteur. Son format 24 × 36 mm séduit les vidéastes en autorisant en vidéo des effets de cadre et de profondeur de champ dignes du cinéma 35 mm, pour un prix bien moindre que celui d’une caméra vidéo de format équivalent. L’appareil dispose par ailleurs d’une entrée son (malheureusement mono) sur laquelle il est possible de connecter un micro et, depuis la version 1.1.0 de son firmware, du contrôle de l’ouverture et du temps de pose en temps réel. Deux caractéristiques en apparence anodines qui font cruellement défaut au 500D et sont lourdes de conséquences car en l‘état, à la finesse et la haute définition près, la vidéo du 500D n’est pratiquement pas différente de celle d’un appareil compact : elle n’offre aucun contrôle des paramètres d’exposition ou de la profondeur de champ…

Les pages 122 à 128 du mode d’emploi du 500D décrivent une mise en œuvre du système assez simple. La majorité des explications concerne finalement la capacité du boîtier à faire des photos pendant la réalisation d’une séquence vidéo et non des vidéos à proprement parler pour la bonne et simple raison que les réglages offerts à l’utilisateur sont très peu nombreux… Une fois la molette de sélection sur la position dédiée, ils se réduisent grossièrement au réglage de balance des blancs et au Style d’image. La définition des séquences ou l’affichage d’une grille facilitant le cadrage comme le système AF auront dû être déterminés en amont.

À notre avis, il est impératif que Canon réalise une mise à jour du firmware du type de celle du 5D Mark II et autorise au moins le contrôle de l’ouverture et un correcteur d’exposition sans quoi la vidéo du 500D peinera à trouver son public. En l‘état actuel du système, l’amateur qui espérait remplacer le caméscope familial va au devant de nombreuses déconvenues tandis que le créatif, aussi motivé soit-il, ne peut qu‘être frustré par un manque de contrôle criant sur les paramètres de prises de vues.

La photographie de voyage est incontestablement l’une des disciplines les plus pratiquées par les photographes. L’achat d’un nouvel appareil est souvent motivé par le voyage dans un pays lointain et l’occasion fait que l’on achète souvent un nouvel objectif permettant de voir différemment. Et qui ne rêve pas de rapporter des souvenirs dignes des meilleures photos publiées dans un magazine tel que “Geo”, “National Geographic” et “Grands Reportages”.

Hélas, ce n’est pas si simple : il ne suffit pas de se trouver au bon endroit pour créer des chefs d‘œuvres, encore faut-il choisir la bonne optique et maîtriser les paramètres de prise de vue, le cadrage et l’ingrédient le plus important pour une belle photo : la lumière. En effet, nombreux sont ceux qui réalisent leurs prises de vue sous un soleil de plomb à la fin de la matinée ou au début de l’après-midi, préférant passer les heures les plus propices à siroter un cocktail ou à se reposer des activités de la veille. D’autres encore ont peur de communiquer avec les indigènes et préfèrent jouer au paparazzo afin de rapporter des images prises à leur insu. La photographie de voyage se compose de plusieurs genres photographiques ; suivant le pays et l’endroit visité, vous serez confronté à immortaliser des monuments et des paysages, à pratiquer la macrophotographie, le portrait, la photo animalière, le reportage photo et/ou la photographie de rue. Pour photographier la nuit, il vous faudra embarquer un trépied, pour déboucher un contre-jour violent un réflecteur ou un flash. Et côté objectifs, faites attention à rendre justice à la fois à vos sujets photographiés et à vos épaules. Bref, ce n’est pas si simple et il ne suffit pas de s‘équiper du meilleur appareil du monde et des logiciels de traitement les plus astucieux et productifs pour s’en sortir.

Photographie de voyage – Guide pratique, coécrit par Cécile Domens, Richard Fasseur et Séverine Lacroix, passe en revue différents exemples de prise de vue qui vous aident à mieux vous préparer à votre prochain voyage de rêve. Comment préparer son voyage et son matériel, comment s’adapter aux conditions sur place, comment composer une image, maîtriser la mesure de la lumière et la transition entre les parties floues et nettes, les questions les plus courantes sont abordées, les trois auteurs donnent des conseils pratiques, sans pour autant recopier le contenu de certains livres plus techniques. L’ouvrage ne s’arrête pas là, car il partage de nombreuses astuces de terrain (les auteurs sont photographes professionnels spécialisés en photographie de voyage…) et ne néglige pas le retour au pays natal, entraînant d’autres tâches importantes, notamment le nettoyage du matériel photo et la postproduction. Notez que les auteurs ne sont pas des inconditionnels de la prise de vue numérique et ne pratiquent pas d’ostracisme à l‘égard des utilisateurs d’appareils compacts numériques — les différents types d’appareils photo, argentiques et numériques, sont présentés, leurs avantages et inconvénients expliqués. Un chapitre entier est consacré à différentes astuces pour améliorer la qualité de vos photos — bien qu’elles ne m’aient pas vraiment appris du nouveau, ces astuces sont toujours très pertinentes. Photographie de voyage – Guide pratique partage avec les sept autres ouvrages de la même collection son faible gabarit (facile à emporter dans un sac photo), il ne compte que 170 pages et certains sujets ne sont donc pas traités en profondeur — mais on peut s’y attendre et approfondir ses connaissances par d’autres ouvrages plus spécialisés. Toutefois, l’essentiel est là : magnifiquement illustré et bien écrit, “Photographie de voyage-Guide pratique ” donne envie de partir séance tenante, l’appareil en bandoulière ou dans le sac à dos…