le portail de la photographie

Si dorénavant l’utilité de calibrer son écran semble être acquise, on pourrait encore douter du calibrage de l’appareil photo. En effet, nombreux sont ceux qui insistent sur le fait qu’un calibrage ne sera valide que pour les conditions d’éclairage ayant servies à la photo de la mire. Mais dans la plupart des cas, nous pouvons être optimistes quant à la validité du profil : celui-ci sera souvent adapté à d’autres températures de couleur pour peu qu’il ne s’agisse pas de tubes néon et que vous ayez pris le soin d’établir la balance des blancs. Suivant le logiciel de développement RAW utilisé, la procédure diffère : si Bibble, Capture One, DxO Optics Pro et Raw Developer autorisent à établir des profils à partir des copies Bitmap de vos fichiers RAW (méthode plutôt onéreuse, car elle nécessite une mire plus ou moins sophistiquée et un logiciel de calibrage ou les services d’un prestataire externe…), Camera Raw et Lightroom se contentent d’une simple mire ColorChecker Classic ou MiniColorChecker et d’un utilitaire gratuit (DNG Profile Editor).

Quelle est alors l’utilité du ColorChecker Passport, astucieux ensemble composé de trois mires et d’un étui en matière plastique ? Nous venons (presque…) répondre à cette question : le nouveau produit est simplement bien plus confortable à utiliser que les mires en carton rigide désormais ringardisées. Plutôt fragiles et assez onéreuses, les mires en question étaient inadaptées au reportage à l’extérieur et ne sortaient ainsi que rarement des studios de prise de vue. Quant au ColorChecker Passport, il semble être paré aux conditions les plus adverses : sa coque en plastique rigide protège les mires, respectivement dédiées à la balance des blancs (WhiteBalance Target), au calibrage de l’appareil photo (Classic Target) au contrôle de l’exposition et aux effets créatifs (Creative Enhancement Target).

L’ensemble est suffisamment compact pour se glisser dans un fourre-tout photo (9 × 12,5 cm, les dimensions d’un passeport…) et assez léger pour s’y faire oublier. L’étui sert également à poser et à orienter les mires, il n’est donc plus nécessaire de fixer les mires avec des bulles de gomme ou des bouts de scotch et ainsi compromettre leur durée de vie. Selon X-Rite, la ColorChecker Passport devrait durer 24 mois environ ; vous pouvez inscrire votre date d’achat sur le certificat de qualité qui se situe sur l’une des faces internes de l’étui pour savoir quand la remplacer. Mais tout dépendra des conditions d’utilisation : évitez surtout de toucher les mires et manipulez-les avec soin.

C‘était un samedi après-midi de juin, le pari semblait un peu risqué… Le public viendrait-il s’enfermer dans un amphithéâtre, ne serait-il pas plutôt parti en week-end ou tout simplement indisponible pour cause de mariage en province ? Les inscriptions recueillies par les organisateurs laissaient penser cependant que la salle ne resterait pas vide… Déclencheur et les éditions Eyrolles avaient, en effet, convié Eric Delamarre, photographe professionnel, formateur en gestion dans plusieurs écoles de photographie, et auteur de l’indispensable Profession photographe indépendant, et Rémi Chapeaublanc, jeune photographe indépendant, travaillant dans la mode et le portrait, à échanger autour du micro de Benoît Marchal sur le thème : Au-delà de la création, comment vendre ses photos ?

La rencontre s’est articulée autour de trois axes : démarrer son activité, appréhender la relation client et comment se faire connaître. Jeunes photographes et professionnels aguerris venus nombreux (!) se sont relayés pour poser des questions concrètes sur la profession ou témoigner de leur propre expérience, laissant transparaître bon nombre des préoccupations actuelles de tout photographe : comment ne pas tomber dans l’illégalité face à une mécanique administrative complexe, comment réagir face à un client qui impose un prix et un mode de rémunération, quel tarif pratiquer lorsque l’on s’installe, comment concilier photos commerciales et photos pour l’image ? QuestionsPhoto vous livre ici un premier aperçu de ces échanges, tandis que Benoît Marchal, animateur du débat, vous fera (re)vivre ces moments en mettant prochainement à disposition sur Déclencheur l’enregistrement de la conférence pour une immersion dans l’ambiance…

Question du public : Lorsque l’on a déjà une activité et que l’on souhaite pratiquer la photo en activité annexe, en subordonné ou en indépendant, quel statut vaut-il mieux adopter ?
Eric Delamarre : Tout dépend de l’activité de chacun (attention au respect des clauses de non concurrence figurant dans les contrats de travail ! Un salarié ne peut exercer une activité annexe faisant concurrence à son employeur principal) et du niveau d’occupation que cette activité annexe va prendre. Selon la loi, lorsque l’on a déjà une profession à temps complet, on ne peut exercer deux activités salariées en même temps, car on ne peut dépasser un certain nombre d’heures par semaine (le seuil est flou).
On note cependant que le droit d’auteur est compatible avec tous les métiers, y compris avec ceux qui n’autorisent pas le fait d’avoir une activité accessoire. Il faut simplement noter que, selon la loi, toute perception de droits d’auteur est assujettie à l’Agessa (que l’on bénéficie ou non du régime) et nécessite donc d’effectuer une déclaration d’activité.
Les fonctionnaires, en général, n’ont pas la possibilité d’exercer une autre activité professionnelle que la leur, en revanche, ils peuvent pratiquer une activité artistique et en percevoir des revenus complémentaires. Mais la notion d’activité artistique reste floue et il n’est pas toujours simple de savoir comment considérer la pratique photographique et les différentes formes qu’elle recouvre (la vente d‘œuvres, ainsi, rentre bien dans le cadre d’une activité artistique ; mais si la photo résulte d’une commande professionnelle peut-elle être considérée comme une activité artistique ou comme une activité professionnelle ?). Attention, donc à bien se renseigner !

À l’instar de Hahnemühle, fabricant de papiers depuis 1584, la maison Canson est issue d’une très longue tradition : son histoire se confond en fait avec celle de la famille Montgolfier qui s’est illustrée par l’invention de la montgolfière, presque entièrement fabriquée en papier. Très connue pour ses fournitures de dessin, Canson produit depuis de nombreuses années des supports pour l’impression jet d’encre. La gamme Infinity a été conçue pour l’impression “FineArt” et photo et propose pas moins de dix-sept références de papiers et de canvas dont une bonne partie a été certifiée par Wilhelm Imaging Research et Epson pour leur longévité et qualité.

La marque Canson présente deux nouveaux papiers, un papier photo brillant de type RC et un papier baryté d’un aspect de surface satiné. Selon le fabricant, le papier Photo Highgloss Premium RC ne contient ni acide ni azurants optiques ce qui devrait à priori lui garantir une durée de vie aussi importante que celle des autres papiers testés par Wilhelm Imaging Research. Le support en question possède une très bonne tenue en main (315 g/m2) et une surface brillante, sans atteindre la blancheur d’un papier qui contient des azurants optiques.

Pour comparer ce nouveau papier à une référence similaire, Tecco PHG 260 High-Gloss, nous avons imprimé des essais sur une imprimante Epson 3800. Alors qu’il était possible d’utiliser le (très bon) profil mis à disposition par Tecco, il nous a fallu créer pour le papier Canson un profil personnalisé avec un spectrophotomètre X-Rite ColorMunki – n’étant pas encore commercialisé sur le site du fabricant, aucun profil générique n’était encore disponible pour lui.

S’agissant de papiers brillants de RC et à surfaces lisses, les deux références sont plutôt semblables pour ce qui est de leur surface, mais leur rendu est assez différent : d’une épaisseur moins importante, le Tecco PHG 260 High-Gloss possède un blanc papier à la fois plus chaud et moins brillant, mais il restitue bien mieux les infimes détails d’une image. Quant au support Canson, il souffre d’un léger “voile” et d’une diffusion des détails, la dernière étant plutôt difficile à corriger, même avec un taux d’accentuation plus important. Nous avons mesuré la densité maximale pour chacun des papiers testés et bien que les différences entre le Tecco PHG 260 High-Gloss et le Canson Infinity Photo Highgloss Premium RC ne soit pas plutôt subtiles, elles jouent en défaveur du Papier Canson : 2,20 contre 2,15, ce qui pourrait expliquer ses carences de microcontraste.

Apparu il y a un peu plus de deux ans, Canon Picture Style Editor est venu combler un manque dont souffraient les Styles d’image : la possibilité offerte de personnaliser et de créer des styles. Si les styles de base complétés par ceux qui sont téléchargeables sur Internet offrent une palette presque complète pour un usage quotidien, il est des cas isolés où l’utilisation de Picture Style Editor pour le traitement sélectif des couleurs prend toute sa dimension.

Pour rappel les Styles d’image sont des modes de rendu présents sur tous les appareils reflex numériques Canon depuis les EOS 5D et 1D Mark II, mais aussi via Canon Digital Photo Professional (DPP) pour tout les APN de la marque. Ils qui possèdent leurs propres caractéristiques en termes de saturation, de netteté, de contraste et de colorimétrie. A chaque sujet son Style d’image, un peu comme en argentique où l’on choisissait tantôt une pellicule Velvia pour avantager les couleurs chatoyantes d’un paysage, tantôt une Reala pour exprimer la douceur d’un regard… Ici on parlera de modes Standard, Paysage, Neutre… Au nombre de 6, ces styles portent des noms qui ne prêtent pas à confusion.

• Standard : Les couleurs sont relativement claquantes et saturées, mais sans excès. Les images sont contrastées et la netteté par défaut convient à la majorité des prises de vue. Le rendu est équilibré et les couleurs sont très proches de la réalité.
• Portrait : Une certaine douceur apparaît dans les images prises dans ce mode. Netteté, saturation et contraste sont modérés et les couleurs sont optimisées pour préserver les teintes de la peau.
• Paysage : Les images sont contrastées, très nettes et le rendu des couleurs privilégie la présence des bleus et des verts ; cet effet se rapproche de ce que l’on pouvait avoir avec une pellicule Velvia.
• Neutre : Un contraste très retenu, une saturation et une netteté faibles laissent une plus grande souplesse dans le post-traitement des images. C’est par exemple un style utilisable pour rattraper une photo prise en contre-jour, ou encore pour des portraits. C’est l’un de mes préférés.
• Fidèle : Les images sont un peu plus contrastées qu’avec le style précédent. La colorimétrie des images est optimisée pour une balance des blancs Lumière du jour. Généralement, on retrouve plus de présence des bleus qu’avec le mode Neutre.
• Monochrome : les photos sont converties en noir et blanc. Les curseurs Teinte et Saturation laissent place à deux curseurs Effets de filtres (pour contraster le rendu) et Effet de tons (virage de couleur).

Si vous travaillez en JPEG, je vous conseille de vous limiter aux styles Standard et Neutre, avec une préférence pour ce dernier, notamment pour les portraits et les photos avec des lumières dures et difficiles. La douceur de son contraste alliée à une légère accentuation et à une saturation retenue font de lui un véritable réglage passe-partout. Si besoin, passez par le menu de réglages du boîtier : augmentez légèrement l’accentuation et la saturation d’un cran, mais pas plus.
Le mode Paysage est tentant, mais son fort contraste et sa saturation parfois excessive dans les verts et les bleus requièrent un peu d’expérience… Il gagne à être appliqué en abaissant la saturation par défaut d’un cran.

Dans le cas de prises de vue en RAW, configurer son boîtier avec un style plutôt qu’un autre n’a pas une grande incidence. Veillez seulement à choisir un mode qui puisse vous faire gagner du temps au post-traitement. Attention, seul DPP et RAW Image Task (RIT) sont capables de reconnaître le Style d’image choisi à la prise de vue. Ils permettent tous les deux de jongler d’un profil à l’autre, voire d’appliquer des styles supplémentaires comme ceux que l’on trouve sur Internet (voir en fin d’article), ou bien des styles personnalisés grâce à Picture Style Editor.

Le passage vers un nouveau système d’exploitation est toujours plein de (mauvaises) surprises et ne contribue souvent qu’à une perturbation, voire une interruption forcée d’un flux de production bien rodé. Les précédentes versions de MAC OS X apportaient chacune leur lot de problèmes et il fallait parfois attendre une des dernières mises à jour d’un nouveau système pour retrouver la stabilité de l’ancien. Mac OS X 10.5 “Leopard” souffrait au début d’une mauvaise gestion de l’impression, forçant les fabricants d’imprimantes et les éditeurs d’utilitaires d’impression et de RIP à revoir leurs logiciels. Je n’étais donc pas très ravi à l’idée de passer à Mac OS X 10.6 “Snow Leopard ”, d’autant plus que ce nouveau système n’apporte peu de vraies nouveautés.

Cependant, je me suis laissé prendre au jeu, un DVD de mise à jour aidant à faire le grand saut — sur mon MacBook en premier temps, puis, après moultes vérifications, sur mon MacMini Core2Duo. Voici mes premières (bonnes) impressions.

Mise à jour depuis Mac OS X 10.5

N’ayant fait que la mise à jour à partir de versions Mac OS X 10.5 préinstallées et préalablement mises à jour ves la dernière mouture de « Leopard » (10.5.8), mes expériences sont malheureusement limitées à une mise à niveau rapide (environ 50 minutes) et sans complications particulières.

Si, suite au redémarrage, l’écran d’accueil affiche une nouvelle image de fond, le bureau ne montre aucun changement perceptible, toutes les icônes se trouvant au même endroit qu’avant la mise à jour. Il y a également quelques améliorations cosmétiques qui facilitent la vie sans pour autant la révolutionner : lorsque vous cliquez sur une des icônes du dock tout en gardant le doigt sur la touche gauche de votre souris, Snow Leopard affiche un aperçu des documents ouverts sur le bureau assombri et en mode d’affichage Icones, il permet d’agrandir les icônes du dossier Applications à de dimensions gigantesques. Les piles du Dock possèdent désormais une barre de défilement qui facilite le passage entre les différents éléments de la pile.

Le démarrage, l’affichage d’un dossier dans le Finder et la copie de fichiers entre l’ordinateur et un disque dur externe semblent être plus rapides, mais le gain en termes de vitesse et de réactivité n’est pas aussi spectaculaire que laissent croire certains tests sur le Web. N’ayant à ma disposition que des ordinateurs assez modestes, bien qu’équipé avec des processeurs Core2Duo et 4 ou 2 Go de RAM, je ne peux constater un véritable bond en avant justifiant un passage à la nouvelle mouture. Cependant, l’installation de Snow Leopard sur une version de Leopard m’a permis de récupérer environ 8 Go sur mes disques durs, ce qui pourrait motiver les utilisateurs d’un MacMini ou d’un iMac dont le disque dur intégré ne possède souvent qu’une capacité de stockage limitée.

Suivant les déclarations d’Apple, ce gain en espace disque, qui varie suivant les installations, serait dû à une optimisation du code (notez que les anciennes machines à processeur Motorola et IBM ne sont plus prises en charge par le nouveau système…) et au fait que Snow Leopard installe uniquement les pilotes d’impression pour les imprimantes détectées à l’installation. Pour ma part, je me suis retrouvé aussitôt que cela a eu lieu avec un pilote assez basique pour mon imprimante laser HP (Gimpprint/Gutenprint) alors que j’avais installé, sous MAC OS X 10.5, le pilote propriétaire. Mais bon, il n’a fallu que réinstaller ce pilote (qui fonctionne par ailleurs sans soucis) pour que tout soit rentré dans l’ordre.

À l’installation, Snow Leopard examine les logiciels installés et se charge de désactiver les (rares) logiciels incompatibles. Au premier démarrage, il propose aussi d’installer Rosetta pour les quelques logiciels qui ont survécu à l’ère PowerPC. Mais chez moi, le processus n’a pas pour autant été sans encombre : cette fois-ci,les problèmes se situent plutôt du côté des logiciels ayant trait à la sécurité (Little Snitch) et au transfert FTP (Cyberduck). Il a fallu mettre les deux logiciels à jour afin qu’ils puissent continuer à fonctionner. Mais il y a aussi des logiciels qui sont devenus inutilisables : le logiciel de mon vieux scanner à plat Agfa refuse de s’exécuter, réclamant le réglage du profil d’affichage dans le panneau ColorSync (qui n’existe plus ....) et la version bêta publique de ACDSee Pro ne s’ouvre plus, bien qu’elle soit très récente. Fort heureusement, je peux toujours utiliser mon scanner sous Windows, j’espère simplement que la version finale de Windows 7 ne soit pas plus tatillonne que la version RC.

Il y a quelques jours, j’ai donné quelques conseils quant à l’importation et le tri des images. Voici la suite, consacrée à leur correction globale.

L’amélioration et la correction des images sont sans doute perçues comme l’étape de traitement la plus complexe. Pourtant, si vous respectez les règles suivantes, elle se déroulera sans encombre.

Utilisez un écran de qualité. La plupart des photographes considèrent leur équipement de prise de vue comme étant d’importance capitale pour obtenir des photos de qualité, mais l’équipement informatique (et surtout l’écran) fait souvent l’objet d’une négligence presque délibérée. Pourtant, c’est grâce à l’écran que les fichiers numériques se matérialisent en images et si cet écran est de piètre qualité, toutes les tentatives de correction seront vouées à l’échec. Les fabricants tentent par ailleurs à brouiller les pistes quant à la qualité de leurs produits : les taux de contraste sont souvent surestimés et sont insignifiants pour la restitution harmonieuse d’une échelle de valeurs de gris, la luminosité maximale est sans importance pour un photographe visant plutôt des valeurs comprises entre 80 et 130 cd/m2, et le temps de réactivité n’intéresse que ceux souhaitant visionner des films et effectuer des montages vidéo. Quid donc du rendu final des images que l’on ne peut pas quantifier par des mesures, mais uniquement vérifier de visu ? Et pourquoi les fabricants ne communiquent pas davantage sur l’étendue des couleurs qu’un écran peut restituer (gamut), véritable enjeu pour un photographe exigeant ? Pour un affichage fidèle, éliminez de préférence les écrans de portables et tous les écrans « bureautiques » à base de matrices de type TN — privilégiez à leur place des écrans plus haut de gamme, de types S-PVA, M-PVA et S-IPS.

Calibrez et caractérisez votre écran. Si certains écrans sont livrés avec un « calibrage usine », quelquefois plutôt satisfaisant, ce calibrage ne fait le plus souvent guère mieux que certains profils génériques proposés par les fabricants de supports jet d’encre. Or, un profil n’est valide que lorsqu’il correspond aux préférences et aux conditions d’affichage de l’utilisateur (luminosité, point blanc, gamma). De plus, les profils génériques que l’on peut télécharger sur certains sites Web ne représentent que des pis-aller. Envisagez donc l’achat d’un colorimètre de dernière génération (Eye One Display 2 ou Spyder 3) et fuyez les modèles d’entrée de gamme (Huey et Spyder Express) ou d’occasion. Sachez également que les colorimètres possèdent de filtres dont la durée de vie n’excède pas trois années…

Soignez la matière première. Une bonne photo commence par une bonne prise de vue et le traitement d’image ne sert qu’à embellir une photo déjà réussie au départ. Ne vous fiez pas uniquement aux automatismes d’exposition de votre appareil et déplacez-vous au lieu de tourner la bague de zoom…

Allez du plus simple au plus complexe. Commencez par les ajustements de la balance des blancs, du point blanc, du point noir et de la luminosité des tons moyens avant d’entreprendre la correction des couleurs, des défauts optiques, du bruit et de la netteté.Les corrections sélectives sont effectuées par la suite, avant le passage éventuel à Photoshop ou un plug-in spécialisé pour des traitements plus pointus et plus rares.

Automatisez le plus possible. Usez et abusez des paramètres de développement par défaut, des jeux de paramètres prédéfinis et de la fonction de synchronisation afin de traiter plusieurs photos à la fois. Ainsi, vous passerez moins de temps à traiter vos images et il vous en restera pour la prise de vue.

Anticipez le traitement dès la prise de vue. Certains sujets se prêtent davantage à une transformation noir et blanc que d’autres, tandis qu’une plage dynamique trop étendue incite à une série d’images bracketées en vue d’une fusion HDR et certains paysages majestueux à la création d’une photo panoramique, composée de plusieurs images fusionnées.

Restez raisonnable. S’il est possible de transformer une photo ratée en photo médiocre, jamais elle ne se métamorphosera en photo réussie, les moyens et le temps investi y resteront disproportionnés. Concentrez-vous sur vos meilleures images et n’en faites pas trop : les corrections trop vigoureuses (saturation, accentuation, réduction du bruit, corrections sélectives, etc.) génèrent trop souvent des artéfacts inesthétiques.

Importation et tri

Les vacances sont la période la plus propice à la prise de vue et la plupart des photographes rentrent avec plusieurs centaines, voire milliers, de photos à la maison. Que faire alors de cette moisson d’images pour bien la mettre en valeur et pour ne pas perdre des jours entiers à les trier et traiter ?

Si vous avez emporté votre ordinateur portable, vous avez peut-être déjà accompli une partie du travail : le transfert des images sur le disque dur, la copie de sauvegarde sur un disque dur externe, l’ajout des métadonnées de base et le premier tri des images. Mais méfiez-vous de la correction des couleurs et de la tonalité : les ordinateurs portables ne disposent le plus souvent que d’un écran dont le gamut a été amputé de nombreuses teintes. En comparaison, l’espace sRVB, plutôt étriqué, paraîtra alors bien large. Le calibrage et la caractérisation ne peuvent rien y changer, votre portable demeure un outil pour visionner (mais pas pour corriger…) vos images. Attendez donc de préférence le retour à la maison pour optimiser le rendu de vos photos.

Si, en revanche, vos fichiers se trouvent toujours sur vos cartes mémoire, ne tardez pas trop à les rapatrier sur votre ordinateur. Lightroom vous offre alors la possibilité d’effectuer certaines tâches dès leur transfert vers le disque dur.

Avec ses 15 Mpix et les innovations héritées de la gamme expert, et même pro, de la marque (vidéo Full HD, plage de sensibilités étendue à 12 800 ISO, écran LCD 3 pouces avec traitement anti-reflet…), le 500D offre un potentiel des plus sérieux, apte à satisfaire tous les passionnés de photo tout en restant accessible aux néophytes. Mais l’arrivée de la vidéo sur les appareils photo reflex divise au moins autant que celle de la fonction “photo” sur les téléphones portables il y a quelques années. Inutilisable pour les uns faute d’une plate-forme conçue pour cet usage et en raison de nombreuses limitations techniques, elle ravit les autres (les amateurs de “convergence technologique” et les plus curieux), séduits par son potentiel et les nouveaux usages possibles des boîtiers. Mais il ne suffit pas d’ajouter une fonction vidéo à un reflex numérique pour en faire un caméscope…

La vidéo du 500D est sans aucun doute un complément ludique de l’appareil. Ici, aucune image fixe n’aurait pu rendre le mouvement des feuilles par le vent. Une balance des blancs décalée et une faible profondeur de champ confèrent à cette séquence un surplus de poésie ; en postproduction, un montage sonore permettrait d’aller encore plus loin. Mais gare aux effets faciles qui sont rapidement lassants…

Un potentiel fantastique mais bridé, le 500D n’est pas le 5D Mark II

Si sa légitimité, son intérêt ou son utilité sur un reflex ont ouvert un débat, le potentiel créatif de la fonction vidéo des reflex ne fait en revanche aucun doute. Outre une qualité de rendu, que d’aucuns qualifient d‘époustouflante (mais que l’on peut estimer artificielle et trop “lisse”), les deux arguments majeurs de la vidéo sur un reflex sont la diversité des optiques disponibles et les avantages liés à la taille du capteur.

La première autorise en théorie une incomparable variété de cadrages, donc de plans, de points de vue et d’effets, du fish-eye au téléobjectif en passant par les optiques macro ou à décentrement et bascule. La seconde, bien plus avantageuse que sur un caméscope amateur, autorise a priori des effets de profondeur de champ avec une liberté digne de caméras professionnelles autrement plus coûteuses. Elle a par ailleurs pour conséquence une sensibilité accrue des photosites, donc de bien meilleures aptitudes à travailler par faible éclairement tout en conservant un rendu d’image et un niveau de bruit contenu. (On sait que l’ouverture du diaphragme est déterminante dans la gestion de la profondeur de champ : plus grande est l’ouverture, plus courte est la zone de netteté en avant et en arrière du plan de mise au point. On admettra aussi que la taille du capteur a un rôle très important en la matière. Toutes choses demeurant égales par ailleurs, la profondeur de champ est d’autant plus étendue que le capteur est petit, et inversement. Les caméscopes amateur dont le capteur est de très petite taille offrent de fait une grande profondeur de champ ; seuls les modèles professionnels et les récents reflex-vidéo autorisent de jouer facilement avec les flous d’arrière-plan, d’où un potentiel créatif infiniment supérieur.)

Les professionnels de la vidéo ne s’y sont pas trompés. Ce sont en effet eux (bien plus d’ailleurs que les photographes) qui se sont approprié l’usage de ces appareils photo-vidéo (du moins du Canon EOS 5D Mark II). Une simple recherche sur Internet permet de trouver pléthore de films de qualité souvent admirable, mais attention, la grande majorité de ces réalisations est issue du 5D Mark II. Certes, le mode vidéo du 500D en est très voisin mais s’il bénéficie de l’aura et de l’a priori positif de son illustre prédécesseur, son potentiel est en réalité plus limité.

En effet, plus encore que par l’enregistrement vidéo Full HD à 30 images par seconde, le succès du 5D Mark II en vidéo s’explique d’abord par la taille de son capteur. Son format 24 × 36 mm séduit les vidéastes en autorisant en vidéo des effets de cadre et de profondeur de champ dignes du cinéma 35 mm, pour un prix bien moindre que celui d’une caméra vidéo de format équivalent. L’appareil dispose par ailleurs d’une entrée son (malheureusement mono) sur laquelle il est possible de connecter un micro et, depuis la version 1.1.0 de son firmware, du contrôle de l’ouverture et du temps de pose en temps réel. Deux caractéristiques en apparence anodines qui font cruellement défaut au 500D et sont lourdes de conséquences car en l‘état, à la finesse et la haute définition près, la vidéo du 500D n’est pratiquement pas différente de celle d’un appareil compact : elle n’offre aucun contrôle des paramètres d’exposition ou de la profondeur de champ…

Les pages 122 à 128 du mode d’emploi du 500D décrivent une mise en œuvre du système assez simple. La majorité des explications concerne finalement la capacité du boîtier à faire des photos pendant la réalisation d’une séquence vidéo et non des vidéos à proprement parler pour la bonne et simple raison que les réglages offerts à l’utilisateur sont très peu nombreux… Une fois la molette de sélection sur la position dédiée, ils se réduisent grossièrement au réglage de balance des blancs et au Style d’image. La définition des séquences ou l’affichage d’une grille facilitant le cadrage comme le système AF auront dû être déterminés en amont.

À notre avis, il est impératif que Canon réalise une mise à jour du firmware du type de celle du 5D Mark II et autorise au moins le contrôle de l’ouverture et un correcteur d’exposition sans quoi la vidéo du 500D peinera à trouver son public. En l‘état actuel du système, l’amateur qui espérait remplacer le caméscope familial va au devant de nombreuses déconvenues tandis que le créatif, aussi motivé soit-il, ne peut qu‘être frustré par un manque de contrôle criant sur les paramètres de prises de vues.

Appareils reflex Canon : Comment choisir ses objectifs ?

Si de nombreux photographes se focalisent sur le bon choix de l’appareil, négligeant celui des objectifs, ces derniers participent de manière prépondérante à la réussite d’une prise de vue et aident aussi à la création d’un style personnel. Remplacés tous les ans par un modèle encore plus perfectionné, les appareils sont devenus des “consommables” éphémères dont le prix de revente est devenu dérisoire. Les objectifs resteront, quant à eux, pendant de longues années dans la sacoche du photographe et se revendent facilement sur le marché d’occasion. Mais comment se retrouver dans la jungle des objectifs, dont il existe plus d’une centaine, tous constructeurs confondus ?

Si cet article ne peut pas dresser un inventaire complet des références disponibles, il vous donne quelques éléments pour choisir les optiques qui correspondent au mieux à vos exigences, à votre style et à vos sujets les plus courants.

Objectifs Canon ou objectifs compatibles ?

Avec plus de 70 objectifs dans son catalogue, Canon est l’un des fabricants les plus féconds, proposant une gamme d’optiques très complète. Cependant, il existe plusieurs constructeurs indépendants, notamment Sigma, Tamron, Tokina et Cosina/Zeiss. Ces fabricants de renom produisent même de nombreuses références que l’on retrouve, dotées de noms prestigieux, dans les catalogues des fabricants d’appareils photo. Les constructeurs indépendants possèdent donc un savoir-faire considérable, leur permettant de concevoir des objectifs dont les performances optiques et mécaniques n’ont rien à envier à celles des fabricants les plus prestigieux. Mais méfiez-vous : Canon est le seul à connaître l’affection précise des contacts électriques incorporés à sa monture EF/EF-S. De mauvaises surprises existent quand on associe un objectif compatible un peu ancien à un appareil récent – messages d’erreur, blocages, mise au point AF inopérante ou erronée, tout y est possible. En revanche, même les objectifs Canon les plus anciens, issus de la première série de la fin des années 1980 fonctionnent encore sur les appareils contemporains et les constructeurs indépendants proposent le plus souvent une mise à jour (gratuite ou payante) du circuit électronique intégré.

Objectifs EF ou EF-S ?

Canon propose une vaste gamme d’objectifs EF et également un petit nombre d’objectifs EF-S, réservés aux appareils à capteur APS-C, hors EOS D30, D60 et 10D, mécaniquement incompatibles. Les deux gammes optiques se distinguent principalement par leur cercle image, couvrant respectivement les formats 24×36 (EF) et APS-C (EF-S), et par leur monture, qui possède en version EF-S un détrompeur et (souvent) un élément optique protubérant empêchant leur adaptation sur un appareil de type APS-H (EOS 1D) ou plein format (EOS 1Ds et 5D). Les objectifs de la gamme EF-S sont souvent plus petits et plus légers que leur alter ego de la gamme EF, leur focale ou plage de focales étant divisée par le facteur 1,6 et la distance entre la lentille arrière et le « plan-film » plus réduite. L’offre actuelle en objectifs EF-S comprend un objectif macro à focale fixe (60 mm f/2,8 Macro USM), un objectif zoom super grand-angle (10-22 mm f/3, 5-4, 5 USM), trois objectifs zoom transstandard, y compris un objectif de gamme professionnelle (L), un zoom « universel » (18-200 f/3, 5-5, 6 IS) et un zoom télé (55-250 mm F/4-5, 6 IS).

L’offre en optiques EF est en revanche pléthorique, avec une plage de focale allant de 15 à 800 mm et très souvent plusieurs choix par focale ou type d’objectif. Ces optiques s’adaptent sans encombre sur l’intégralité des appareils argentiques et numériques EOS, bien que leur utilité fluctue très fortement : si les objectifs zoom super grand-angle (16-35 mm ou 17-40 mm) perdent une partie de leur intérêt lorsqu’ils sont associés à un appareil APS-H et, à fortiori, APS-C, les objectifs télé en profitent fortement : leur focale est multipliée par le facteur 1,3 ou 1,6, leur ouverture et l’efficacité de leurs dispositifs de stabilisation d’image demeurent inchangées. Mais on pourrait s’interroger sur l’intérêt de la gamme EF-S, dont il existe par ailleurs une analogie chez Sigma (DC), Tamron (Di et Di2) et Tokina (DX et DX2) : son destin relève directement de celui des capteurs APS-C, assez incertaine, suite à l’évolution des capteurs « full frame ». Aux utilisateurs à la fois d’appareils « full frame » et APS-C, je conseille ainsi de se limiter aux seules optiques de la gamme EF, plus universelles et plus pérennes — ils pourront ainsi dédier leur (s) objectif (s) super grand-angle au boitier à capteur 24×36 et leur (s) objectif (s) télé au boitier APS-C...

Objectif zoom ou à focale fixe ?

On constate un véritable engouement pour les objectifs à focale variable (zoom), et ce, même chez certains photographes professionnels dont l’investissement se limite trop souvent au sempiternel trio 16-35 mm, 24-70 mm et 70-200 mm. Les objectifs zoom permettent de modifier l’angle de champ sans pour autant nécessiter le changement d’optique et remplacent souvent à eux seuls deux, trois ou davantage de focales fixes, ce qui est très avantageux en termes de place, de poids et de budget. Mais les objectifs zoom arborent une ouverture maximale plus réduite (bien que certains objectifs haut de gamme disposent d’une ouverture fixée à f/2,8) et la qualité optique est moins homogène et varie souvent beaucoup selon la focale et l’ouverture. De plus, les objectifs de la série « L » professionnelle sont souvent assez onéreux bien qu’exceptionnel par leurs performances et la variation de focale des objectifs zoom tend à rendre les photographes paresseux : au lieu de se déplacer pour rechercher l’angle et la distance de prise de vue la plus appropriée, ils se resignent à tourner la bague de focales de l’objectif, contribuant à la monotonie de leurs cadrages.

Du côté objectifs à focale fixe, trois « gammes » cohabitent : les « anciens », survivants d’une époque lointaine et équipés de moteurs de mise au point traditionnels (AFD), les « semiprofessionnels », dotés de moteurs USM, et les « professionnels » de la gamme « L », pourvus de tous les raffinements optiques (verres spéciaux et éléments asphériques) et mécaniques (protection contre les poussières et les infiltrations d’eau, moteurs USM annulaires à retouche manuelle de mise au point et construction solide). Si les anciennes optiques (EF 15 mm f/2, 8, EF 24 mm f/2, 8, EF 35 mm f/2, EF 50 mm F/1, 8 Mark 1, EF 50 mm F/2, 5 Macro…) ne paient pas de mine, certaines sont même dotées d’un rapport qualité/prix exceptionnel, avec une qualité optique qui n’est pas si éloignée des références « L», bien plus onéreuses. Quant à la gamme intermédiaire (EF 20 mm f/2, 8 USM, EF 28 mm f/1, 8 USM, EF 50 mm f/1, 4 USM, EF 85 mm f/1, 8 USM, EF 100 mm f/2 USM...), elle bénéficie d’un confort d’utilisation et une ouverture maximale très confortables, une qualité optique élevée, mais d’une réalisation mécanique moins réussie que celle de la gamme « L » et, parfois, même de la « gamme des anciens ». Les objectifs de la série « L » (EF 14 mm f/2, 8 L II USM, EF 24 mm f/1, 4 L’ II USM, EF 35 mm f/1, 4 L USM, EF 50 mm f/1, 2 L USM, EF 85 mm f/1, 2 L II USM, ...) représentent le haut de la gamme Canon : lumineux, superbement réalisée et d’une qualité optique exquise, ils sont également plutôt onéreux, plus lourds et parfois même d’un usage moins confortable.

On peut regretter que Canon se concentre sur les seuls objectifs « L », délaissant ainsi les objectifs à focale fixe appartenant aux gammes inférieures. En effet, de nombreuses références méritent une révision, notamment en ce qui concerne leur réalisation mécanique et leur dispositif de mise au point. Compacts, légers et plus discrets que les objectifs zoom, les objectifs demeurent néanmoins très intéressants pour qui souhaite marcher dans les traces des photographes célèbres : à l’époque, trois objectifs suffisaient pour la plupart des sujets – 35 mm, 50 mm et 85 mm, lumineux, bien piqué et faciles à emporter…

Mise au point

Les objectifs TS-E et le MP-E 65 mm sont les seuls à ne pas intégrer un moteur AF, la mise au point y est manuelle, mais assistée. Tous les autres objectifs incorporent un moteur de mise au point aux dimensions adaptées. Si quelques objectifs anciens et peu chers incorporent un moteur de type AFD, plutôt lymphatique et assez bruyant, la plupart intègrent un moteur USM, dont il existe cinq déclinaisons : les moteurs Micro USM (types 1 et 2) équipent plusieurs objectifs zoom grand public (EF 28-200 mm, EF 55-200 mm, EF 70-300 mm IS…), mais également l’objectif standard 50 mm f/1, 4, le moteur USM annulaire de type MI la plupart des objectifs « experts » et le moteur USM annulaire de type LI les objectifs télé entre 300 et 800 mm et l’EF 85 mm f/1, 2 L II USM. Notez que seuls les moteurs annulaires sont (presque) silencieux, ce qui est un point important pour passer inaperçu dans un environnement peu sonore.

Moteur AF à ultrasons fonctionnant sous l’action d’oscillations ultrasoniques; les vibrations générées par l‘élément piézoélectrique déclenchent l’action mécanique de mise au point.

J’ai énuméré au sein du dernier article quelques arguments plaidant pour l’utilisation d’appareils reflex numériques un peu anciens et l’article présent s’évertue à donner quelques informations complémentaires afin de vous aider à bien choisir entre ces appareils, en fonction de vos sujets favoris.

Visez plus haut

Évitez les appareils reflex « grand public » : si les Canon EOS 300D, 350D et 400D sont disponibles en occasion à de tarifs peu importants, ceux-ci sont guère moins élevés que les tarifs des appareils experts au format APS-C, proposant des performances, un confort d’utilisation et une fiabilité bien supérieures. De plus, certains de ces appareils sont toujours proposés en fin de série (EOS 400D et 450D), dotés d’une garantie, d’un prix et d’une qualité d’image alléchants. Bref, optez plutôt pour un EOS 20D, 30D ou 40D dont les tarifs d’occasion évoluent entre 200 et 500 euros, suivant le modèle et son état d’usure. Les modèles D30 et D60 sont aujourd’hui obsolètes : viseurs sombres et étroits, systèmes de mise au point lentissimes et dynamique peu étendue dans les hautes lumières, ces appareils incorporent un obturateur peu résistant.

Quant à l’EOS 5D, il s’agit là d’un véritable monument : premier appareil « full frame » à peu près abordable, il brille quatre années après sa sortie par les qualités intrinsèques de son capteur : 12,2 mégapixels et processeur DIGIC II, cet appareil délivre toujours des images de grande qualité, pour peu que l’objectif associé soit à sa hauteur.
Et pourquoi ne succomberez-vous pas à la charpente bien dessinée d’un appareil professionnel ? Les anciens EOS 1D et 1Ds, d’une fiabilité hors pair, se négocient aujourd’hui à des tarifs tout à fait raisonnables : l’EOS 1D se trouve autour de 500 €, comptez deuf fois plus pour un exemplaire de l’EOS 1Ds. Pour les appareils de deuxième génération, il vous faudrait investir environ 1000 (EOS 1D Mark 2) ou 2500 € (EOS 1Ds Mark 2).

Privilégiez la qualité des objectifs

Si les fonctionnalités et les performances des nouveaux appareils vous incitent tôt ou tard à changer de boitier, les objectifs vous accompagneront plus longtemps. Après avoir trouvé un boitier d’occasion, libre à vous de le compléter par quelques optiques d’exception. L’EF 17-40 mm f/4 L USM ou l’EF 16-35 mm f/2,8 L II s’imposent pour couvrir les focales grand angle. Mais peut-être préfériez-vous l’EF-S 10-22 mm f/3,5-4,5 USM, d’une réalisation moins sophistiquée mais incontournable pour un appareil à capteur APS-C. Et quid des focales fixes de la gamme ? Canon y offre un vaste choix d’objectifs de qualité, reste à évaluer vos besoins. Personellement, je me méfie des objectifs EF-S, voués à disparaître dès que l’utilisation des capteurs plein format se géneralise. En revanche, procurez-vous un objectif standard (privilégiez le modèle à ouverture 1,4, plus robuste et plus confortable…) et l’un des objectifs 70 – 200 mm de la série L, pour un investissement à la fois pérenne et de haute qualité.

Shootez en RAW

Le format RAW procure une deuxième jeunesse aux appareils un peu défraîchis puisqu’il permet de contourner la faiblesse majeure de ces appareils, leur processeur intégré. Les performances des logiciels de développement RAW ne cessent d’évoluer pour ce qui est de la qualité des algorithmes de dématriçage et les meilleurs sont à même de tirer la substantifique moelle de ces appareils. Capture One, Bibble et DxO Optics Pro, pour ne nommer qu’eux, incorporent une réduction du bruit efficace. Les images prises avec l’EOS 1 Ds (et à fortiori avec les EOS 1D Mark 2, 1Ds Mark 2 et 5D) sont ainsi parfaitement exploitables aux sensibilités ISO les plus élevées, pour peu que la taille des tirages ne dépasse pas le format A4.