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Prise à contre-jour dans la station du premier monorail suspendu à Wuppertal (Allemagne), cette scène est très riche en nuances grâce à l’utilisation d’un appareil numérique moyen format. Le but était ici de conserver toutes les subtilités du fichier RAW, à la fois dans les tons foncés et dans les hautes lumières.

1. Un déplacement du curseur Exposition (- 0.33) m’a permis de récupérer les parties écrêtées dans l’angle supérieur droit de l’image, et le curseur Récupération (30) a contribué à la meilleure restitution de la texture de la vitre en verre dépoli.

2. Des valeurs de +112 pour le curseur Luminosité et 24 pour le curseur Lumière d’appoint rééquilibrent la plage des tonalités, sans pour autant rendre compte de tous les détails dans les hautes lumières et les tons foncés.

3. L’outil Courbe des tonalités offre une incroyable souplesse pour améliorer certaines parties ciblées de l’image. J’ai ici revigoré les tons moyens (Teintes claires et Teintes sombres) et les basses lumières (Tons foncés), tout en affinant les hautes lumières (Tons clairs) menacées par un écrêtage potentiel. Un déplacement du curseur Clarté à + 40 augmente le contraste des tons moyens pour conférer davantage de tonus à l’image.

Cet article est extrait de la troisième édition de l’ouvrage Développer ses fichiers Raw , paru aux éditions Eyrolles.

Quelques semaines seulement après ses concurrents SanDisk, Transcend et PhotoFast (notez que ce dernier fabricant taïwanais est virtuellement inconnu dans l’univers des supports de mémoire…), Lexar annonce la commercialisation d’une gamme de cartes mémoire ultra-performantes, disponibles dans trois déclinaisons de 8, 16 et 32 Go et pour laquelle le fabricant américain annonce une vitesse d’écriture de pas moins de 90 Mo par seconde, deux fois plus importante que celle des cartes CompactFlash de la gamme Lexar Professional 300x CompactFlash qui continue à être proposée.

Les performances extrêmes des nouvelles cartes sont, hélas, uniquement atteintes lorsqu’elles sont utilisées dans l’un des derniers appareils photo compatibles avec le standard UDMA 6 (Canon 5D Mark 2, 1 D Mark 4 et 7D, Nikon D300s et D3s) et associées à un lecteur capable de soutenir de telles vitesses, époustouflantes. Avec un lecteur de cartes “standard”, les vitesses annoncées sont légèrement plus importantes. C’est pour cette raison que Lexar propose une gamme de lecteurs : hormis un lecteur CompactFlash à la norme FireWire 800, il y a un lecteur USB à deux emplacements (CF et SD) ainsi qu’un tout nouveau lecteur au format ExpressCard qui devrait permettre des vitesses de transfert de plus élevées (133 Mo/s).

Si les vitesses de ces cartes mémoires actuelles invitent à tous les fantasmes pour ce qui est de la vitesse d’enregistrement par l’appareil est celle du transfert vers l’ordinateur, la réalité est souvent moins spectaculaire qu’annoncée. De plus, toutes les cartes mémoires ne sont pas créés égales en ce qui concernent leur fiabilité et robustesse. En plus, les caractéristiques désignant leur vitesses d’écriture et de lecture (133x, 266x, 20Mb/s, Ultra, Extreme, Write Accelerated…) ne sont pas vraiment utiles pour évaluer leur performances. Sachez d’abord qu’il existe plusieurs goulots d’étranglement : l’appareil photo, le lecteur de carte et l’ordinateur :

• L’appareil photo numérique. De manière générale, plus un appareil est onéreux (et récent…), plus le fabricant a soigné les performances de ses composantes. Pour acheminer les images le plus rapidement possible du capteur vers la carte, l’appareil doit comporter un processeur performant, de la mémoire tampon (« buffer ») rapide et un contrôleur véloce. Si votre appareil est déjà un peu ancien, rien ne sert à lui insérer une carte ultrarapide si ce n’est que pour augmenter la vitesse de transfert entre le lecteur de carte mémoire et l’ordinateur…

• Le lecteur de carte mémoire : il est déconseillé de transférer ses images à l’aide d’une liaison directe entre l’appareil et l’ordinateur (outre la consommation d’énergie, la liaison s’avère beaucoup moins stable…), il convient donc de choisir le lecteur de carte approprié. Le standard USB 1.1 étant aujourd’hui complètement dépassé, optez plutôt pour un lecteur de carte de type USB 2, ou mieux, Firewire 400 ou 800 (IEEE-1394). Vous tirerez ainsi la quintessence des cartes ultra-rapides, qui vous permettent le transfert de plusieurs centaines d’images en un temps record.

• Alors que le choix d’un bon ensemble carte et lecteur de carte vous assure une vitesse de transfert élevée, encore faut-il que votre ordinateur, (et surtout votre disque dur …) ne soit pas à la traîne. Certains ordinateurs, surtout les portables, possèdent des disques durs dont la vitesse de rotation est limitée à 4200 ou 5400 tr/min – ce qui est bien insuffisant à l’égard des performances des meilleures cartes et lecteurs. Pensez à vous équiper d’un ordinateur performant doté d’un disque rapide (plus de 7200 tr/min) et suffisamment volumineux pour accueillir vos photos…

Quid de la norme UDMA ?

Si la technologie UDMA (Ultra Direct Memory Access) intègre les appareils photo numériques et cartes memoire depuis 2007, elle est déjà assez ancienne (10 ans) et elle ne représente même plus le protocole d’accès actuel pour les disques durs, ou le standard S-ATA règne en maître depuis quelques années déjà. Toutefois, le protocole UDMA autorise des vitesses de transfert très élevées (le maximum théorique se situe autor de 133 Mo/s) et ce sans pour autant requérir les ressources du processeur (appareil ou ordinateur). Actuellement, tous les fabricants réputés proposent des cartes UDMA qui ne donnent leurs meilleures performances qu’avec l’un des appareils compatibles. Hormis les appareils cités plus haut, répondant à la norme en vigueur, UDMA 6, voici une liste non exhaustive des appareils qui proposent une prise en charge d’une des normes précedentes (UDMA 4 ou 5 ) qui offrent des vitesses moins impressionnantes, de 45 ou 60 Mo/s : Canon 1Ds Mark 3 et Canon EOS 50D, Nikon D3, D3x, D300 et D700, Olympus E-3, Sony Alpha A700, A850 et A900. Notez que la norme UDMA ne s’applique pour l’instant qu’aux cartes CompactFlash, les cartes SD suivent une logique différente car la spécification SDHC se décline actuellement en trois vitesses différentes, respectivement à 2 (Class 2), 4 (Class 4) et 6 (Class 6) mégaoctets par seconde.

Technique couramment utilisée pour la numérisation des négatifs et diapositives argentiques, le multi-échantillonage vise à éliminer ou atténuer le bruit aléatoire. En effectuant plusieurs passages (balayages), la numérisation par multi-échantillonage augmente la rapport signal-bruit et promet ainsi des transitions beaucoup plus douces entre les couleurs et une texture du bruit bien plus discrète. Plus le nombre de passages est important, plus le bruit sera dominé par le signal et plus il sera atténué dans l’image.

Cependant, l’avantage de cette technique est tout relatif avec un scanner moderne et performant – avec un Nikon LS 5000 ED, le gain justifie pas toujours la durée de numérisation, multipliée par le nombre de passages.

En prise de vue numérique, cette technique est encore assez peu répandue et on pourrait s’interroger sur son utilité. Les processeurs des appareils et les logiciels de développement ont fait d’importants progrès ces dernières années pour nettoyer le bruit des images prises aux sensibilités ISO les plus élevées. DxO Optics Pro, pour ne citer que lui, est particulièrement efficace dans cet exercice qui nécessite de puissants algorithmes et calculs mathématiques.

Suffit-il alors de traiter ses images prises aux sensibilités ISO élevées (le marketing des fabricants d’appareils photo pousse par ailleurs les photographes à utiliser ces dernières) pour retrouver une qualité d’image proche de celle obtenue aux sensibilités ISO de base ? Malheureusement, la réponse est non. La magie n’opère pas : hormis un lissage parfois important des petits détails, les images prises aux sensibilités les plus élevées souffrent d’une plage dynamique réduite (notamment dans les tons foncés où on constate une perte de nuances) et de bruit résiduel qui se manifeste le plus souvent par une pollution des aplats par des taches colorées. De plus, les logiciels de développement RAW les plus sophistiqués ne parviennent pas à complètement résoudre les problèmes cités, bien qu’ils procèdent à d’habiles subterfuges pour en cacher les aspects les plus néfastes, notamment par une désaturation des couleurs pour réduire le bruit coloré et l’application d’une courbe pour maquiller le bruit dans les tons les plus foncés.

Depuis quelque temps déjà, les spécialistes en traitement de signal s’intéressent à la super-résolution, ensemble de technologies s’appuyant notamment sur l’analyse d’une séquence d’images pour en créer une image de résolution plus élevée dont le rapport signal-bruit est grandement amélioré. A ce jour, peu de logiciels l’exploitent et encore moins nombreux sont ceux qui peuvent traiter des fichiers RAW. J’avais présenté ici Photo Acute Studio, véritable couteau suisse (hélas très sous-estimé) qui rend d’excellents services pour créer une image améliorée (plage dynamique, taille et/ou profondeur de champ) à partir d’une série d’images prises à intervalles très rapprochées.

Suite de notre série de papiers post-rencontre Déclencheur-Eyrolles autour de Eric Delamarre et de Rémi Chapeaublanc. Le premier article publié il y a quelques jours reprenait un certain nombre de questions portant sur le statut de photographe, voici aujourd’hui un complément toujours sur le même thème. Pour rappel, le débat “Au-delà de la création, comment vendre ses photos” s’est organisé autour de trois axes : démarrer son activité, appréhender la relation client et comment se faire connaître.

Rémi Chapeaublanc : Un photographe-auteur peut-il donner des cours ?
Eric Delamarre : La réponse est simple, a priori… Non, un photographe-auteur assujetti à l’Agessa n’a pas le droit de donner des cours ou une conférence et de se faire payer en notes d’auteur. Il peut toutefois se faire rémunérer en salaire ou déclarer une activité de formateur à l’Urssaf (sur laquelle il paiera des charges sociales conséquentes) afin de pouvoir délivrer des cours.
Un photographe-auteur affilié à l’Agessa bénéficie, lui, d’une tolérance des revenus accessoires à l’activité d’auteur, qui est limitée à un certain seuil (environ 4 700 euros par an). Cette partie des revenus accessoires est assez contrôlée et encadrée par l’Agessa, et doit rester dans les limites prévues tant du point de vue des montants que des types de revenus.

Question du public : Peut-on pratiquer une activité photographique avec un statut de SARL ou d’EURL ?
E. D. : Le statut de SARL (Société à responsabilité limitée, constituée d’au moins deux associés) ou d’EURL (Entreprise unipersonnelle à responsabilité limitée, constituée d’un seul associé) n’est pas incompatible avec une activité de photographe, mais son intérêt va dépendre de l’importance de l’activité. Dans une SARL, les charges sont importantes en termes d’impôts forfaitaires annuels, d’impôt société, etc., et il y a également un impôt sur les bénéfices.
Une SARL fonctionne également en rémunérant son gérant en salaire. Les bénéfices d’une SARL, lorsqu’on les dégage, étant en général redistribués aux actionnaires ou laissés en trésorerie, il n’est pas toujours intéressant d’en dégager.
Un auteur en SARL peut ne pas faire apport de ses droits d’auteur à la SARL, et c’est préférable, car la SARL ne lui appartient pas. En cas de faillite, si l’auteur a fait apport de ses droits d’auteur à la SARL, il perdra tout. Il peut éventuellement les céder à part au client, ou les rétrocéder ponctuellement à la SARL en parallèle d’une activité d’auteur. Cela permet de sortir artificiellement une part du chiffre d’affaires de la SARL en tant qu’auteur (cette part sera moins imposée aussi bien en termes de charges sociales que de bénéfices) et cela laisse au photographe davantage de liberté dans son activité, puisque s’il était amené à vendre ses parts de la SARL, il garderait ses droits d’auteur.
En bref, un photographe ne doit jamais céder totalement ses droits d’auteur à un organisme quel qu’il soit, y compris à sa propre entreprise.
Dans le même ordre d’idées, il ne faut jamais mettre son matériel dans une entreprise, il vaut mieux emprunter et investir de l’argent, car en cas de dépôt de bilan, le matériel serait perdu (puisqu’il appartient à la société).

Si dorénavant l’utilité de calibrer son écran semble être acquise, on pourrait encore douter du calibrage de l’appareil photo. En effet, nombreux sont ceux qui insistent sur le fait qu’un calibrage ne sera valide que pour les conditions d’éclairage ayant servies à la photo de la mire. Mais dans la plupart des cas, nous pouvons être optimistes quant à la validité du profil : celui-ci sera souvent adapté à d’autres températures de couleur pour peu qu’il ne s’agisse pas de tubes néon et que vous ayez pris le soin d’établir la balance des blancs. Suivant le logiciel de développement RAW utilisé, la procédure diffère : si Bibble, Capture One, DxO Optics Pro et Raw Developer autorisent à établir des profils à partir des copies Bitmap de vos fichiers RAW (méthode plutôt onéreuse, car elle nécessite une mire plus ou moins sophistiquée et un logiciel de calibrage ou les services d’un prestataire externe…), Camera Raw et Lightroom se contentent d’une simple mire ColorChecker Classic ou MiniColorChecker et d’un utilitaire gratuit (DNG Profile Editor).

Quelle est alors l’utilité du ColorChecker Passport, astucieux ensemble composé de trois mires et d’un étui en matière plastique ? Nous venons (presque…) répondre à cette question : le nouveau produit est simplement bien plus confortable à utiliser que les mires en carton rigide désormais ringardisées. Plutôt fragiles et assez onéreuses, les mires en question étaient inadaptées au reportage à l’extérieur et ne sortaient ainsi que rarement des studios de prise de vue. Quant au ColorChecker Passport, il semble être paré aux conditions les plus adverses : sa coque en plastique rigide protège les mires, respectivement dédiées à la balance des blancs (WhiteBalance Target), au calibrage de l’appareil photo (Classic Target) au contrôle de l’exposition et aux effets créatifs (Creative Enhancement Target).

L’ensemble est suffisamment compact pour se glisser dans un fourre-tout photo (9 × 12,5 cm, les dimensions d’un passeport…) et assez léger pour s’y faire oublier. L’étui sert également à poser et à orienter les mires, il n’est donc plus nécessaire de fixer les mires avec des bulles de gomme ou des bouts de scotch et ainsi compromettre leur durée de vie. Selon X-Rite, la ColorChecker Passport devrait durer 24 mois environ ; vous pouvez inscrire votre date d’achat sur le certificat de qualité qui se situe sur l’une des faces internes de l’étui pour savoir quand la remplacer. Mais tout dépendra des conditions d’utilisation : évitez surtout de toucher les mires et manipulez-les avec soin.

C‘était un samedi après-midi de juin, le pari semblait un peu risqué… Le public viendrait-il s’enfermer dans un amphithéâtre, ne serait-il pas plutôt parti en week-end ou tout simplement indisponible pour cause de mariage en province ? Les inscriptions recueillies par les organisateurs laissaient penser cependant que la salle ne resterait pas vide… Déclencheur et les éditions Eyrolles avaient, en effet, convié Eric Delamarre, photographe professionnel, formateur en gestion dans plusieurs écoles de photographie, et auteur de l’indispensable Profession photographe indépendant, et Rémi Chapeaublanc, jeune photographe indépendant, travaillant dans la mode et le portrait, à échanger autour du micro de Benoît Marchal sur le thème : Au-delà de la création, comment vendre ses photos ?

La rencontre s’est articulée autour de trois axes : démarrer son activité, appréhender la relation client et comment se faire connaître. Jeunes photographes et professionnels aguerris venus nombreux (!) se sont relayés pour poser des questions concrètes sur la profession ou témoigner de leur propre expérience, laissant transparaître bon nombre des préoccupations actuelles de tout photographe : comment ne pas tomber dans l’illégalité face à une mécanique administrative complexe, comment réagir face à un client qui impose un prix et un mode de rémunération, quel tarif pratiquer lorsque l’on s’installe, comment concilier photos commerciales et photos pour l’image ? QuestionsPhoto vous livre ici un premier aperçu de ces échanges, tandis que Benoît Marchal, animateur du débat, vous fera (re)vivre ces moments en mettant prochainement à disposition sur Déclencheur l’enregistrement de la conférence pour une immersion dans l’ambiance…

Question du public : Lorsque l’on a déjà une activité et que l’on souhaite pratiquer la photo en activité annexe, en subordonné ou en indépendant, quel statut vaut-il mieux adopter ?
Eric Delamarre : Tout dépend de l’activité de chacun (attention au respect des clauses de non concurrence figurant dans les contrats de travail ! Un salarié ne peut exercer une activité annexe faisant concurrence à son employeur principal) et du niveau d’occupation que cette activité annexe va prendre. Selon la loi, lorsque l’on a déjà une profession à temps complet, on ne peut exercer deux activités salariées en même temps, car on ne peut dépasser un certain nombre d’heures par semaine (le seuil est flou).
On note cependant que le droit d’auteur est compatible avec tous les métiers, y compris avec ceux qui n’autorisent pas le fait d’avoir une activité accessoire. Il faut simplement noter que, selon la loi, toute perception de droits d’auteur est assujettie à l’Agessa (que l’on bénéficie ou non du régime) et nécessite donc d’effectuer une déclaration d’activité.
Les fonctionnaires, en général, n’ont pas la possibilité d’exercer une autre activité professionnelle que la leur, en revanche, ils peuvent pratiquer une activité artistique et en percevoir des revenus complémentaires. Mais la notion d’activité artistique reste floue et il n’est pas toujours simple de savoir comment considérer la pratique photographique et les différentes formes qu’elle recouvre (la vente d‘œuvres, ainsi, rentre bien dans le cadre d’une activité artistique ; mais si la photo résulte d’une commande professionnelle peut-elle être considérée comme une activité artistique ou comme une activité professionnelle ?). Attention, donc à bien se renseigner !

À l’instar de Hahnemühle, fabricant de papiers depuis 1584, la maison Canson est issue d’une très longue tradition : son histoire se confond en fait avec celle de la famille Montgolfier qui s’est illustrée par l’invention de la montgolfière, presque entièrement fabriquée en papier. Très connue pour ses fournitures de dessin, Canson produit depuis de nombreuses années des supports pour l’impression jet d’encre. La gamme Infinity a été conçue pour l’impression “FineArt” et photo et propose pas moins de dix-sept références de papiers et de canvas dont une bonne partie a été certifiée par Wilhelm Imaging Research et Epson pour leur longévité et qualité.

La marque Canson présente deux nouveaux papiers, un papier photo brillant de type RC et un papier baryté d’un aspect de surface satiné. Selon le fabricant, le papier Photo Highgloss Premium RC ne contient ni acide ni azurants optiques ce qui devrait à priori lui garantir une durée de vie aussi importante que celle des autres papiers testés par Wilhelm Imaging Research. Le support en question possède une très bonne tenue en main (315 g/m2) et une surface brillante, sans atteindre la blancheur d’un papier qui contient des azurants optiques.

Pour comparer ce nouveau papier à une référence similaire, Tecco PHG 260 High-Gloss, nous avons imprimé des essais sur une imprimante Epson 3800. Alors qu’il était possible d’utiliser le (très bon) profil mis à disposition par Tecco, il nous a fallu créer pour le papier Canson un profil personnalisé avec un spectrophotomètre X-Rite ColorMunki – n’étant pas encore commercialisé sur le site du fabricant, aucun profil générique n’était encore disponible pour lui.

S’agissant de papiers brillants de RC et à surfaces lisses, les deux références sont plutôt semblables pour ce qui est de leur surface, mais leur rendu est assez différent : d’une épaisseur moins importante, le Tecco PHG 260 High-Gloss possède un blanc papier à la fois plus chaud et moins brillant, mais il restitue bien mieux les infimes détails d’une image. Quant au support Canson, il souffre d’un léger “voile” et d’une diffusion des détails, la dernière étant plutôt difficile à corriger, même avec un taux d’accentuation plus important. Nous avons mesuré la densité maximale pour chacun des papiers testés et bien que les différences entre le Tecco PHG 260 High-Gloss et le Canson Infinity Photo Highgloss Premium RC ne soit pas plutôt subtiles, elles jouent en défaveur du Papier Canson : 2,20 contre 2,15, ce qui pourrait expliquer ses carences de microcontraste.

Apparu il y a un peu plus de deux ans, Canon Picture Style Editor est venu combler un manque dont souffraient les Styles d’image : la possibilité offerte de personnaliser et de créer des styles. Si les styles de base complétés par ceux qui sont téléchargeables sur Internet offrent une palette presque complète pour un usage quotidien, il est des cas isolés où l’utilisation de Picture Style Editor pour le traitement sélectif des couleurs prend toute sa dimension.

Pour rappel les Styles d’image sont des modes de rendu présents sur tous les appareils reflex numériques Canon depuis les EOS 5D et 1D Mark II, mais aussi via Canon Digital Photo Professional (DPP) pour tout les APN de la marque. Ils qui possèdent leurs propres caractéristiques en termes de saturation, de netteté, de contraste et de colorimétrie. A chaque sujet son Style d’image, un peu comme en argentique où l’on choisissait tantôt une pellicule Velvia pour avantager les couleurs chatoyantes d’un paysage, tantôt une Reala pour exprimer la douceur d’un regard… Ici on parlera de modes Standard, Paysage, Neutre… Au nombre de 6, ces styles portent des noms qui ne prêtent pas à confusion.

• Standard : Les couleurs sont relativement claquantes et saturées, mais sans excès. Les images sont contrastées et la netteté par défaut convient à la majorité des prises de vue. Le rendu est équilibré et les couleurs sont très proches de la réalité.
• Portrait : Une certaine douceur apparaît dans les images prises dans ce mode. Netteté, saturation et contraste sont modérés et les couleurs sont optimisées pour préserver les teintes de la peau.
• Paysage : Les images sont contrastées, très nettes et le rendu des couleurs privilégie la présence des bleus et des verts ; cet effet se rapproche de ce que l’on pouvait avoir avec une pellicule Velvia.
• Neutre : Un contraste très retenu, une saturation et une netteté faibles laissent une plus grande souplesse dans le post-traitement des images. C’est par exemple un style utilisable pour rattraper une photo prise en contre-jour, ou encore pour des portraits. C’est l’un de mes préférés.
• Fidèle : Les images sont un peu plus contrastées qu’avec le style précédent. La colorimétrie des images est optimisée pour une balance des blancs Lumière du jour. Généralement, on retrouve plus de présence des bleus qu’avec le mode Neutre.
• Monochrome : les photos sont converties en noir et blanc. Les curseurs Teinte et Saturation laissent place à deux curseurs Effets de filtres (pour contraster le rendu) et Effet de tons (virage de couleur).

Si vous travaillez en JPEG, je vous conseille de vous limiter aux styles Standard et Neutre, avec une préférence pour ce dernier, notamment pour les portraits et les photos avec des lumières dures et difficiles. La douceur de son contraste alliée à une légère accentuation et à une saturation retenue font de lui un véritable réglage passe-partout. Si besoin, passez par le menu de réglages du boîtier : augmentez légèrement l’accentuation et la saturation d’un cran, mais pas plus.
Le mode Paysage est tentant, mais son fort contraste et sa saturation parfois excessive dans les verts et les bleus requièrent un peu d’expérience… Il gagne à être appliqué en abaissant la saturation par défaut d’un cran.

Dans le cas de prises de vue en RAW, configurer son boîtier avec un style plutôt qu’un autre n’a pas une grande incidence. Veillez seulement à choisir un mode qui puisse vous faire gagner du temps au post-traitement. Attention, seul DPP et RAW Image Task (RIT) sont capables de reconnaître le Style d’image choisi à la prise de vue. Ils permettent tous les deux de jongler d’un profil à l’autre, voire d’appliquer des styles supplémentaires comme ceux que l’on trouve sur Internet (voir en fin d’article), ou bien des styles personnalisés grâce à Picture Style Editor.

Le passage vers un nouveau système d’exploitation est toujours plein de (mauvaises) surprises et ne contribue souvent qu’à une perturbation, voire une interruption forcée d’un flux de production bien rodé. Les précédentes versions de MAC OS X apportaient chacune leur lot de problèmes et il fallait parfois attendre une des dernières mises à jour d’un nouveau système pour retrouver la stabilité de l’ancien. Mac OS X 10.5 “Leopard” souffrait au début d’une mauvaise gestion de l’impression, forçant les fabricants d’imprimantes et les éditeurs d’utilitaires d’impression et de RIP à revoir leurs logiciels. Je n’étais donc pas très ravi à l’idée de passer à Mac OS X 10.6 “Snow Leopard ”, d’autant plus que ce nouveau système n’apporte peu de vraies nouveautés.

Cependant, je me suis laissé prendre au jeu, un DVD de mise à jour aidant à faire le grand saut — sur mon MacBook en premier temps, puis, après moultes vérifications, sur mon MacMini Core2Duo. Voici mes premières (bonnes) impressions.

Mise à jour depuis Mac OS X 10.5

N’ayant fait que la mise à jour à partir de versions Mac OS X 10.5 préinstallées et préalablement mises à jour ves la dernière mouture de « Leopard » (10.5.8), mes expériences sont malheureusement limitées à une mise à niveau rapide (environ 50 minutes) et sans complications particulières.

Si, suite au redémarrage, l’écran d’accueil affiche une nouvelle image de fond, le bureau ne montre aucun changement perceptible, toutes les icônes se trouvant au même endroit qu’avant la mise à jour. Il y a également quelques améliorations cosmétiques qui facilitent la vie sans pour autant la révolutionner : lorsque vous cliquez sur une des icônes du dock tout en gardant le doigt sur la touche gauche de votre souris, Snow Leopard affiche un aperçu des documents ouverts sur le bureau assombri et en mode d’affichage Icones, il permet d’agrandir les icônes du dossier Applications à de dimensions gigantesques. Les piles du Dock possèdent désormais une barre de défilement qui facilite le passage entre les différents éléments de la pile.

Le démarrage, l’affichage d’un dossier dans le Finder et la copie de fichiers entre l’ordinateur et un disque dur externe semblent être plus rapides, mais le gain en termes de vitesse et de réactivité n’est pas aussi spectaculaire que laissent croire certains tests sur le Web. N’ayant à ma disposition que des ordinateurs assez modestes, bien qu’équipé avec des processeurs Core2Duo et 4 ou 2 Go de RAM, je ne peux constater un véritable bond en avant justifiant un passage à la nouvelle mouture. Cependant, l’installation de Snow Leopard sur une version de Leopard m’a permis de récupérer environ 8 Go sur mes disques durs, ce qui pourrait motiver les utilisateurs d’un MacMini ou d’un iMac dont le disque dur intégré ne possède souvent qu’une capacité de stockage limitée.

Suivant les déclarations d’Apple, ce gain en espace disque, qui varie suivant les installations, serait dû à une optimisation du code (notez que les anciennes machines à processeur Motorola et IBM ne sont plus prises en charge par le nouveau système…) et au fait que Snow Leopard installe uniquement les pilotes d’impression pour les imprimantes détectées à l’installation. Pour ma part, je me suis retrouvé aussitôt que cela a eu lieu avec un pilote assez basique pour mon imprimante laser HP (Gimpprint/Gutenprint) alors que j’avais installé, sous MAC OS X 10.5, le pilote propriétaire. Mais bon, il n’a fallu que réinstaller ce pilote (qui fonctionne par ailleurs sans soucis) pour que tout soit rentré dans l’ordre.

À l’installation, Snow Leopard examine les logiciels installés et se charge de désactiver les (rares) logiciels incompatibles. Au premier démarrage, il propose aussi d’installer Rosetta pour les quelques logiciels qui ont survécu à l’ère PowerPC. Mais chez moi, le processus n’a pas pour autant été sans encombre : cette fois-ci,les problèmes se situent plutôt du côté des logiciels ayant trait à la sécurité (Little Snitch) et au transfert FTP (Cyberduck). Il a fallu mettre les deux logiciels à jour afin qu’ils puissent continuer à fonctionner. Mais il y a aussi des logiciels qui sont devenus inutilisables : le logiciel de mon vieux scanner à plat Agfa refuse de s’exécuter, réclamant le réglage du profil d’affichage dans le panneau ColorSync (qui n’existe plus ....) et la version bêta publique de ACDSee Pro ne s’ouvre plus, bien qu’elle soit très récente. Fort heureusement, je peux toujours utiliser mon scanner sous Windows, j’espère simplement que la version finale de Windows 7 ne soit pas plus tatillonne que la version RC.

Il y a quelques jours, j’ai donné quelques conseils quant à l’importation et le tri des images. Voici la suite, consacrée à leur correction globale.

L’amélioration et la correction des images sont sans doute perçues comme l’étape de traitement la plus complexe. Pourtant, si vous respectez les règles suivantes, elle se déroulera sans encombre.

Utilisez un écran de qualité. La plupart des photographes considèrent leur équipement de prise de vue comme étant d’importance capitale pour obtenir des photos de qualité, mais l’équipement informatique (et surtout l’écran) fait souvent l’objet d’une négligence presque délibérée. Pourtant, c’est grâce à l’écran que les fichiers numériques se matérialisent en images et si cet écran est de piètre qualité, toutes les tentatives de correction seront vouées à l’échec. Les fabricants tentent par ailleurs à brouiller les pistes quant à la qualité de leurs produits : les taux de contraste sont souvent surestimés et sont insignifiants pour la restitution harmonieuse d’une échelle de valeurs de gris, la luminosité maximale est sans importance pour un photographe visant plutôt des valeurs comprises entre 80 et 130 cd/m2, et le temps de réactivité n’intéresse que ceux souhaitant visionner des films et effectuer des montages vidéo. Quid donc du rendu final des images que l’on ne peut pas quantifier par des mesures, mais uniquement vérifier de visu ? Et pourquoi les fabricants ne communiquent pas davantage sur l’étendue des couleurs qu’un écran peut restituer (gamut), véritable enjeu pour un photographe exigeant ? Pour un affichage fidèle, éliminez de préférence les écrans de portables et tous les écrans « bureautiques » à base de matrices de type TN — privilégiez à leur place des écrans plus haut de gamme, de types S-PVA, M-PVA et S-IPS.

Calibrez et caractérisez votre écran. Si certains écrans sont livrés avec un « calibrage usine », quelquefois plutôt satisfaisant, ce calibrage ne fait le plus souvent guère mieux que certains profils génériques proposés par les fabricants de supports jet d’encre. Or, un profil n’est valide que lorsqu’il correspond aux préférences et aux conditions d’affichage de l’utilisateur (luminosité, point blanc, gamma). De plus, les profils génériques que l’on peut télécharger sur certains sites Web ne représentent que des pis-aller. Envisagez donc l’achat d’un colorimètre de dernière génération (Eye One Display 2 ou Spyder 3) et fuyez les modèles d’entrée de gamme (Huey et Spyder Express) ou d’occasion. Sachez également que les colorimètres possèdent de filtres dont la durée de vie n’excède pas trois années…

Soignez la matière première. Une bonne photo commence par une bonne prise de vue et le traitement d’image ne sert qu’à embellir une photo déjà réussie au départ. Ne vous fiez pas uniquement aux automatismes d’exposition de votre appareil et déplacez-vous au lieu de tourner la bague de zoom…

Allez du plus simple au plus complexe. Commencez par les ajustements de la balance des blancs, du point blanc, du point noir et de la luminosité des tons moyens avant d’entreprendre la correction des couleurs, des défauts optiques, du bruit et de la netteté.Les corrections sélectives sont effectuées par la suite, avant le passage éventuel à Photoshop ou un plug-in spécialisé pour des traitements plus pointus et plus rares.

Automatisez le plus possible. Usez et abusez des paramètres de développement par défaut, des jeux de paramètres prédéfinis et de la fonction de synchronisation afin de traiter plusieurs photos à la fois. Ainsi, vous passerez moins de temps à traiter vos images et il vous en restera pour la prise de vue.

Anticipez le traitement dès la prise de vue. Certains sujets se prêtent davantage à une transformation noir et blanc que d’autres, tandis qu’une plage dynamique trop étendue incite à une série d’images bracketées en vue d’une fusion HDR et certains paysages majestueux à la création d’une photo panoramique, composée de plusieurs images fusionnées.

Restez raisonnable. S’il est possible de transformer une photo ratée en photo médiocre, jamais elle ne se métamorphosera en photo réussie, les moyens et le temps investi y resteront disproportionnés. Concentrez-vous sur vos meilleures images et n’en faites pas trop : les corrections trop vigoureuses (saturation, accentuation, réduction du bruit, corrections sélectives, etc.) génèrent trop souvent des artéfacts inesthétiques.