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Pour ceux qui n’ont jamais osé se lancer dans la photo de studio – trop cher, trop compliqué –, Cyrill Harnischmacher décrit simplement les techniques et les matériels de base pour monter à peu de frais un mini-studio à domicile, puis explique comment utiliser son flash cobra avec des accessoires d’éclairage (diffuseur, réflecteurs, parapluies, tente à lumière…).

Comparaison des accessoires d‘éclairage

Nous allons examiner l’effet des différents accessoires pour flashs compacts sur un sujet photographié. Tous les accessoires que nous présentons sont utilisés avec un flash compact déclenché à une distance d’environ 1,5 m du sujet. Le fond est réalisé à partir d’un simple rouleau de papier blanc.

Lors de vos prises de vue, notez toujours le nom de l’accessoire dont vous vous êtes servi. En associant cette mention aux informations enregistrées par l’appareil photo, vous constituerez une base de données d’éclairages que vous pourrez consulter à tout moment. Si l’installation est particulièrement compliquée, pensez à prendre une photographie de la mise en scène avec un second appareil.

Conseil pour les novices : préparez un sujet qui servira de cobaye et exploitez les possibilités de modelage de la lumière que vous trouverez dans votre environnement. Servez-vous du mur de la pièce ou de cartons blancs de différentes tailles comme réflecteurs. Recouvrez les cartons de feuilles d’aluminium, utilisez du papier sulfurisé comme diffuseur ou servez-vous de miroirs pour diriger la lumière. Vous serez étonné de la multitude d’ambiances que vous parviendrez à créer par ces moyens rudimentaires.

Cette installation permet de passer en revue les détails auxquels vous devez prêter une attention particulière lorsque vous créez une mise en scène. Les illustrations ont intentionnellement été conservées en noir et blanc pour mettre en valeur la répartition de l’ombre et de la lumière.

Dans le style “cuisine nouvelle ” la nouvelle tendance en livre photo est le mini-format. Ainsi, l’éditeur Pearson vient de publier deux nouveaux ouvrages dédiés à la photographie de paysage et à l’exposition. Proposés dans un format de poche, ils tiennent aisément dans un sac à main ou un fourre-tout photo tout en conservant un contenu assez dense.

“Le guide tout terrain du paysage” du photographe Carl Heilman II évoque tous les aspects de la photo de paysage que ce soit l’équipement, la technique, la prise de vue, les effets créatifs ou le flux de production. La progression du livre est logique et on peut même piocher les informations qui nous intéressent sans être obligé de tout lire. La présentation du livre est agréable et attire le regard. Le livre est particulièrement riche en images très variées. On sent que l’auteur a pris un soin particulier pour illustrer ses propos et c’est déjà un plaisir de le feuilleter même sans le lire. On peut cependant lui reprocher son petit format qui rend la lecture malaisée, notamment pour ceux ayant dépassé le cap des 40 ans… De même, les photos auraient gagné à être reproduites dans une taille plus avantageuse. Ce mini-format économique est une initiation agréable en la matière sans pour autant se substituer à d’autres ouvrages plus spécialisés.

“Le guide tout terrain de l’exposition” de l’auteur à best-seller Michael Freeman semble être issu de l’ouvrage “L’art de l’exposition” du même auteur. Remodelé et écrémé pour s’adapter à son petit format, l’ouvrage en petit format reprend la structure de l’ouvrage original. Ce dernier enseigne de manière très didactique comment aborder l’exposition sur le terrain. Les principales problématiques de l’exposition sont abordées y compris ceux qui sont spécifiques au numérique, notamment le bruit, la page dynamique et l’écrêtage des hautes lumières.
Bien illustré et agrémenté de schémas techniques, l’ouvrage permet de comprendre les méthodes de travail de l’auteur. L’ouvrage pêche cependant par son petit format qui rend illisibles certaines illustrations comparatives et ainsi incompréhensibles les propos associés. C’est dommage car les propos de Michael Freeman sont pertinents. Ce nouveau format économique se prête donc plus ou moins bien aux ouvrages techniques. En somme, je ne retrouve pas les mêmes sensations que pour l’ouvrage de Carl Heilman II et je préférerais l’ouvrage de Michael Freeman dans son format d’origine.

Extrait de “Photographier la nature en macro- guide pratique” de Gérard Blondeau dont la deuxième édition est parue en novembre 2010 aux éditions Eyrolles.

La toile, une merveille d’architecture

Il y a quelque chose de magique dans une belle toile d’araignée. Les plus visibles sont les grandes toiles rondes des épeires. En vous levant tôt, vous découvrirez, avec la rosée, leurs délicates guirlandes scintillantes sous le soleil. Faciles à voir au milieu de leur logis, les épeires pourraient bien devenir vos modèles préférés. Il existe aussi d’autres espèces plus timides qui se dissimulent dans une cachette située sur un côté de leur toile. Une des astuces pour les inciter à se montrer est d’utiliser un diapason. En le faisant vibrer puis en touchant doucement la toile, vous éveillerez la curiosité de l’animal qui, intrigué, ne tardera pas à apparaître. La capture d’une proie constitue toujours une scène fantastique à photographier. Observez bien le moment où, sa proie capturée, l’araignée l’enveloppe d’un flot de soie en la faisant tourner avec deux de ses pattes.

Extrait de “Photographier la nature en macro- guide pratique” de Gérard Blondeau dont la deuxième édition est parue en novembre 2010 aux éditions Eyrolles.

La photo d’insectes en vol : voilà le genre de sujet qui représente un véritable défi pour le photographe, et qui fera bien le jeu du numérique. Le résultat n’est jamais acquis malgré les nombreux essais qu’il réclame, car leur petite taille et leur mobilité rendent la prise de vue des insectes toujours aléatoire. L’amateur confirmé ou l’expert pourra se lancer dans l’achat de matériel coûteux mais, avant d’en arriver là et pour se faire la main, il existe quelques méthodes simples.

Les ailes déployées

Avant de tenter de saisir l’animal en plein vol, essayons d’abord de le photographier les ailes déployées.
Les coléoptères et les punaises, par exemple, possèdent des ailes membraneuses cachées sous des élytres. Avant de déplier les premières, ils doivent soulever les secondes. Il faut donc prendre le temps de bien les observer pour être prêt le moment venu, car l’action ne dure que peu de temps. Avec un peu d’habitude, on finit par déclencher au bon moment, même si la photo n’est pas réussie à chaque fois. Pour obliger les coléoptères à ouvrir leurs ailes, on peut jouer à… « la petite bête qui monte », ces insectes choisissant souvent pour décoller le point le plus élevé. Commencez donc par leur préparer un décor, par exemple un morceau de bois sur un fond assez uni. Côté matériel, il vous faudra un 100 mm macro et plusieurs flashs : la vitesse de l’éclair figera le mouvement. Ne cadrez pas trop serré et prévoyez un peu d’espace supplémentaire afin de ne pas être pris de court par le décollage.

Dans un premier temps, il est préférable de s’exercer avec des insectes assez gros et plutôt lents comme les hannetons ou les longicornes. La coccinelle qui s’envole au bout du doigt est un classique, mais sa petite taille nécessite un grandissement trop important pour des premiers essais.

Pour photographier le hanneton, il faut profiter du court moment où, arrivé en haut d’un support, il ouvre ses élytres et déplie ses ailes. 200 ISO, 100 mm macro et deux flashs, 1/125 s à f/22. Prévoyez également un ou une partenaire dynamique qui, n’ayant pas peur des petites bêtes, les localisera et les rattrapera. Les insectes doivent être en pleine forme, pas question de leur offrir un petit séjour au frigo. Et n’oubliez pas qu’ils ont aussi besoin d’un peu de repos, laissez-les souffler de temps en temps…

Sur le dos

Certains insectes retournés éprouvent des difficultés à se redresser. Pour ce faire, ils entrouvrent leurs élytres. Pour les photographier, placez-les sur le dos, sur une surface lisse (une plaque de verre ou d’altuglas opaque, par exemple). La prise de vue doit être rapide, avant leur envol tourbillonnant, d’où la nécessité, là encore, de disposer d’un assistant qui les manipulera si nécessaire. Sous le verre, un flash en contre-jour évitera les reflets. On peut placer l’appareil au-dessus ou en dessous du verre (voir la photo suivante).

L’affût devant les fleurs

Repérez une belle fleur régulièrement visitée par les insectes. Installez en face d’elle votre appareil sur un pied solide et cadrez assez large à l’aide d’un 100 mm macro. Utilisez au moins deux flashs dont la rapidité des éclairs figera le mouvement de l’animal. Leurs ailes battent très vite et le bout en sera rarement net, mais ce flou de bougé accentue l’impression de dynamisme. La puissance des flashs intervient peu dans ce type de prise de vue. Pour ma part, j’ai réussi à geler les ailes d’un sphinx ou de syrphes à l’aide d’un flash annulaire Canon de nombre-guide 11, alors que je n’y parvenais pas avec deux grosses torches Metz de nombre-guide 60 !

Pour réduire la durée de la vitesse de l’éclair avec un flash TTL, placez-vous très près et ne fermez pas trop le diaphragme. Pour le même résultat, l’autre solution consiste à utiliser le flash (s’il autorise ce réglage, bien sûr) au quart ou au 1/64e de puissance. Il en faudra alors plusieurs et vous devrez effectuer de nombreux essais pour affiner vos réglages. Le Metz 60 CT4 propose de diminuer de 1/2e, 1/4e, 1/8e, 1/16e, 1/32e, 1/64e, 1/128e, 1/256e la puissance de l’éclair.

Certains matériels donnent la possibilité de cadrer non plus l‘œil au viseur, mais à partir de l‘écran arrière de l’appareil. Si cette pratique est parfois décriée car relativement difficile à gérer en plein soleil (écran alors peu lisible) et, selon certains photographes, moins agréable au niveau qualité de visée, elle présente cependant de nombreux avantages.

La liberté d’angle de vue
Tout d’abord, la visée à l‘écran (“Live view” en anglais) nous permet de diversifier énormément nos angles de vue. Cadrer au ras du sol, à la verticale, tenir l’appareil à bout de bras tout en validant le cadrage à l‘écran lorsque nous ne pouvons pas modifier notre propre positionnement est, grâce à elle, possible. L‘écran arrière des appareils est souvent de bonne qualité et bien lisible même de côté. Il n’est donc pas indispensable qu’il soit orientable pour vous apporter de nouvelles opportunités.

Lors d’un exercice de prise de vue, je demande à ce photographe de trouver le positionnement qui lui permet de placer la sculpture juste dans le triangle blanc formé par la lumière, sans que la crête ni le poitrail ne touchent la zone d’ombre. Le choix de la visée à l‘écran lui donne davantage de liberté d’angle de vue. Elle est réalisée ici à l’aide de l‘écran orientable d’un reflex mais peut s’effectuer également avec l‘écran fixe de n’importe quel appareil offrant ce type de visée.

Un appareil suffisamment léger pour être tenu à une main permet d’exploiter au mieux liberté d’action et possibilités créatives. Adaptez votre cadrage d’un simple mouvement de poignet pour faire coïncider une ligne avec l’angle du cadre ; vos compositions gagneront en précision et en graphisme. Éloigner l‘écran de votre œil pour adopter un angle de vue différent peut être paradoxalement une bonne chose car, de plus loin, vous percevez les formes, lignes et couleurs qui constituent votre image plus que les détails du sujet… La visée à distance peut donc vous aider à améliorer vos compositions.

Un petit temps d’adaptation est nécessaire pour faire évoluer les habitudes photographiques qui limitent nos mouvements et nos idées. Ainsi, de nombreux photographes amateurs tiennent leur compact devant leur visage, ne réalisant pas qu’ils sont à présent affranchis de ce positionnement restreint et libres de déplacer l’appareil autour d’eux pour s’ouvrir de nouvelles portes. Entraînez-vous à désolidariser votre boîtier de votre œil !

La relation à l’autre
Le fait de cacher notre visage derrière le boîtier altère et parasite notre relation à l’autre. Ainsi, je conseille la visée à l‘écran pour certaines prises de vue humaines de type scènes de vie : celle-ci vous permettra d‘être présent pour l’autre, réceptif, et à visage découvert, tout en déclenchant après un simple coup d‘œil sur l‘écran. Vous verrez comme les gens se sentent plus détendus quand l’appareil se fait discret !

Le mode d’emploi du 600D n’est ni très explicite, ni très clair quant à l’intérêt et au fonctionnement des quatre modes de mesure. L’exposition d’une image est pourtant directement liée à la mesure de la lumière et à l’interprétation qui en est faite ; c’est un critère technique et esthétique des plus importants où l’expérience du photographe est souvent plus efficace que les automatismes du boîtier…

Le « gris moyen » à 18 %

Le 600D dispose d’un posemètre intégré qui opère en réflexion ; autrement dit, c’est la quantité de lumière renvoyée par le sujet qui est mesurée. Or, selon sa matière, sa surface et sa couleur, chaque sujet réfléchit une part plus ou moins importante de la lumière et si l’œil et le cerveau s’y adaptent naturellement, une cellule en est incapable. Des études ont donc été menées pour déterminer la valeur moyenne du coefficient de réflexion d’un sujet courant et l’ont établi à 18 %. Les cellules sont étalonnées sur cette valeur. Ainsi l’appareil considère systématiquement que le sujet réfléchit 18 % de la lumière reçue et déduit alors de la mesure (et de la sensibilité sélectionnée) un couple temps de pose/ouverture du diaphragme offrant une exposition correcte. Du moins a priori car, dès que l’on s’éloigne de la référence statistique, le système conduit à la surexposition des sujets les plus denses et à la sous-exposition des plus clairs.

Le sujet statistique moyen sur lequel sont étalonnées les cellules réfléchit 18 % de chacune des composantes colorées de la lumière. Il apparaît donc gris. Visualiser la densité de cette référence est délicat, mais fondamental pour comprendre les erreurs de mesure et les corriger dans le but de parfaire l’exposition des images.

Les quatre modes de mesure du 600D (Evaluative, Sélective, Spot et Moyenne à prépondérance centrale) font tous appel à ce principe fondamental. Ils ne diffèrent que par l’étendue de leur champ de mesure et par une interprétation plus ou moins perfectionnée. Certaines options permettent d’ailleurs de reprendre la main sur ces automatismes pour, par exemple, mémoriser ou corriger la mesure du boîtier (voir la rubrique suivante). Elles sont pratiquement indispensables pour maîtriser et parfaire l’exposition de ses images.

Un capteur sensible à la couleur

Si les quatre modes de mesure que propose l’appareil sont des plus classiques, le 600D dispose du nouveau capteur dit « iFCL » (intelligent Focus, Color an Luminance) apparu sur le 7D et dont la structure à deux couches (l’une sensible au rouge-vert, l’autre au bleu-vert) autorise pour la première fois chez Canon la prise en compte de l’information colorée. En complément de celles de la luminance et de la distance de mise au point, elle permet en quelque sorte au dispositif d’identifier la nature du sujet en analysant sa réflexion de la lumière à la fois en quantité et en qualité. En effet, l’œil humain ne présente pas la même sensibilité à toutes les teintes (il est plus sensible au vert qu’au rouge et au bleu), une particularité dont ne peut pas tenir compte un système achromate (non sensible à la couleur) dont la sensibilité spectrale est différente, généralement davantage portée vers le rouge. La structure à double couche assortie d’un nouvel algorithme est censée lisser ces disparités et offrir une exposition plus fiable, évitant par exemple des erreurs en forêt ou en paysage (quand la forte proportion de feuillage trompe facilement un système classique), ou encore, comme l’annonce Canon, une certaine sous-exposition des tons chair (pour ceux de type caucasien du moins, qui réfléchissent en effet beaucoup de rouge).

Sur ces photos du capteur, on distingue les 63 zones de mesure et leur disposition. Le schéma de principe établit, lui, la façon dont sont séparées les composantes colorées de la lumière avant d’être interprétées par un nouvel algorithme. (D’après documents Canon)

Si connaître les bases de la photo et être à l’aise avec son matériel sont des prérequis incontournables quel que soit le sujet photographié, le meilleur conseil à suivre pour réussir ses images d’animaux, c’est de bien connaître les espèces que l’on veut immortaliser et, surtout, de passer du temps, sur le terrain, en observation. Certains animaux sont relativement faciles à photographier ; d’autres, plus discrets ou plus rares, demanderont plus de connaissances et de patience au photographe.

Connaître les animaux
Pour bien photographier les animaux, il faut bien les connaître. Vous devez donc être capable de reconnaître les différentes espèces, ou au moins celles que vous désirez photographier. Pour cela, vous devez vous documenter. Il existe énormément de publications, depuis le guide très généraliste qui traite l’ensemble des animaux d’un milieu donné (bord de mer, montagne…) jusqu’aux travaux de scientifiques concentrés sur un aspect de la vie d’une espèce.
Les guides naturalistes édités par Delachaux et Niestlé sont très bien faits, notamment Le guide ornitho, de Killian Mullamey. Le livre Les oiseaux d’Europe, de Lars Jonsson, aux éditions Nathan, est aussi très pratique. Il existe également des guides spécialisés sur les mammifères, où vous trouverez bon nombre d’informations sur leurs mœurs et leur habitat. Les guides plus généralistes, comme la collection “Nature en poche”, aux éditions Larousse, proposent de nombreux titres sur différents milieux ou éléments naturels (faune, flore, minéraux). Ainsi, le titre Bords de mer présente les animaux vivant sur le littoral : oiseaux, insectes, coquillages, mammifères. Que ce soit pour une identification rapide ou comme aide de terrain, ces petits ouvrages sont utiles.
Très souvent, en photographie animalière, une espèce attire notre attention. C’est alors sur cette espèce précise qu’il faudra collecter un maximum de données : son habitat, son alimentation, la (ou les) période où elle est présente sur nos côtes dans le cas d’un animal de bord de mer, les mois où elle se trouve dans notre région pour les oiseaux migrateurs, etc.
Aujourd’hui, Internet est une bonne source d’informations pour trouver des données précises. Il est ainsi possible d’avoir accès aux travaux de scientifiques spécialisés dans l’animal qui vous intéresse. Cette connaissance acquise à travers vos recherches préalables sera très précieuse sur le terrain, et vous évitera de chercher des bernaches cravant au mois d’août, alors que cette oie migratrice n’est présente chez nous que lors de l’hivernage, où on la trouve sur les grandes vasières.

Le temps passé sur le terrain avec une paire de jumelles permettra d’acquérir une bonne connaissance des animaux. Ainsi, lorsque je me suis installé dans mon affût à faucon pour réaliser l’image de la fin de cet article (voir portfolio), cela représentait la dernière étape du processus – ou presque, si on considère l’instant photographique, celui du déclenchement. Avant cela, j’étais allé sur différents sites fréquentés par des faucons, j’avais rencontré un spécialiste de cet oiseau et nous avions réalisé des observations ensemble. Puis, j’avais choisi un lieu fréquenté par des faucons et j’étais allé les observer à plusieurs reprises. J’ai passé des heures très agréables, assis sous des ajoncs, à surveiller les mouvements des oiseaux. Le faucon commence sa journée très tôt et mes lectures ne m’avaient pas laissé penser que son activité commençait avant le lever du soleil. Il connaît très bien son secteur et le parcourt pour chasser, à la recherche d’une proie.
Vous découvrirez rapidement que chaque animal a son propre caractère ; parfois même cela va déterminer les choix de prise de vue. Certains oiseaux sont particulièrement craintifs et il vaudra mieux chercher un autre individu de la même espèce que d’insister sur cet individu peureux. Ainsi par exemple, les macareux, lorsqu’ils reviennent au sol pour nourrir leur petit, se posent et rejoignent à pied le terrier. Certains oiseaux restent un long moment posés sans trop bouger avant de rejoindre leur petit, d’autres filent à toute vitesse se mettre à l’abri dans leur terrier. Vous aurez intérêt à chercher le « bon » macareux, celui qui prend son temps et vous laissera tout le loisir de faire une série d’images de ce superbe oiseau avec ses petits poissons dans le bec.
Si le temps passé sur le terrain est indispensable pour enregistrer des informations sur l’animal, il permet aussi de collecter des informations sur la manière dont le lieu est éclairé au fil de la journée, sur les accès au site, les possibilités de placer un affût et de le camoufler correctement, etc.

Incontournable de la photographie de nature, le paysage est un sujet exigeant qui nécessite préparation et repérages. Selon le panorama (reliefs escarpés ou au contraire grandes étendues…) et la météo, le photographe devra s’adapter et tirer parti des conditions. Voici quelques conseils adaptés aux paysages marins, mais qui restent valables dans une majorité de cas.

Les repérages
On dit que pour réaliser une belle photographie, il faut être au bon endroit au bon moment. C’est assez juste quel que soit le sujet, y compris en paysage, où la lumière évolue beaucoup selon les heures, les saisons et la météo. En bord de mer notamment, les éclairages sont souvent changeants et, à certaines saisons, la même journée peut offrir une grande variété. Mais les plus belles lumières sont souvent celles du matin et du soir ; être au bon endroit au lever ou au coucher du jour est donc déjà un bon point pour capturer de beaux paysages. Je privilégie en général les lumières du soir pour les paysages de roches, qui sont magnifiés par les tons chauds des derniers rayons. Pour les paysages plus calmes, avec des bancs de sable ou de vase, la lumière du matin, plus douce, est ma préférée.
Pour évaluer le potentiel photographique d’un site et bénéficier des meilleures conditions lumineuses, il est important de réaliser un repérage avant de commencer les prises de vue. Celui-ci peut avoir lieu dans l’après-midi qui précède la soirée de prises de vue, voire quelques heures avant le moment photographique. Parfois, il s’agit d’un lieu que l’on connaît de longue date et où il faut anticiper le positionnement du soleil et les effets de lumière qui en découlent : quelles zones vont être éclairées, quelles autres seront dans l’ombre.
Il n’y a généralement pas de grandes surprises quand on photographie des zones sans relief : plaines, vasières ou plages, elles ne comportent pas d’éléments majeurs qui risquent de cacher le soleil ou de générer de grandes zones d’ombres. À l’inverse, un paysage accidenté comme des falaises peut se retrouver très tôt à l’ombre si il n’est pas dans l’axe du soleil au moment de son coucher. Il faut bien regarder comment est orientée la zone que l’on désire photographier (éventuellement grâce à une boussole), afin de se faire une idée du moment où la lumière viendra éclairer le paysage. Certaines zones sont toujours à l’ombre ; dans ce cas, l’idéal est souvent de réaliser les images par temps gris ou couvert.
Quel que soit le type de paysage, il faut aussi choisir son éclairage : face au soleil, en contre-jour, avec le soleil de côté ou de dos. Pour cela, le temps passé sur le terrain sera déterminant. N’hésitez pas à vous déplacer pour essayer de trouver d’autres points de vue ; parfois, une falaise peut être photographiée depuis le bas, en contre-plongée, mais cela ne sera peut être possible qu’à marée basse lors de grandes marées… Dans ce cas, pensez aussi à votre retour, et faites attention de ne pas vous faire coincer par la montée de l’eau. En bord de mer, il est en effet important de tenir compte des marées. Pour cela, munissez-vous d’un horaire des marées, ou renseignez-vous sur Internet où de nombreux sites indiquent les heures et coefficients des marées.
Pour photographier des étendues de sable ou de vase, la marée basse donne souvent de bons résultats. Lorsque l’eau se retire, le sol humide agit comme un miroir et réfléchit la lumière et le ciel, donnant des premiers plans très intéressants. Si la mer est un peu agitée en revanche, la marée haute donnera des images plus spectaculaires, avec les mouvements des vagues. Cela est particulièrement vrai lors des gros coefficients de marées.

Pour faire de belles photos, connaître les bases de l’exposition ne suffit pas ; il faut aussi comprendre la lumière. Si, en studio, il est possible de construire la lumière souhaitée, en extérieur, il faudra jouer avec ce que nous offre la nature. Savoir regarder les variations subtiles de la lumière et la façon dont elle est réfléchie ou absorbé par le sujet est la clef pour réaliser des images exceptionnelles. Ainsi, en bord de mer, les lumières sont très changeantes et offrent une grande variété. C’est parfois même l’absence de lumière qui génère des images intéressantes.
La lumière peut être analysée sous l’angle de sa qualité (dure ou douce), de sa couleur et selon l’angle avec lequel elle frappe le sujet. Le soleil et sa position vont donc être déterminants dans la réussite des photos.

La lumière zénithale
Un soleil très brillant, à son zénith au milieu de l’été, ne donnera généralement pas de bonnes images – exception faite de certaines situations très particulières comme les vues sous-marines. En effet, quand le soleil est très haut et très brillant, en milieu de journée, il crée des contrastes très forts, avec des zones d’ombre très dures. Privilégiez ce moment pour faire la sieste ou du repérage sur le terrain. Il arrive cependant que vous ne puissiez pas faire autrement que de sortir sous cette lumière dure, par exemple si l’animal guetté ne peut être photographié qu’à midi ; il faudra alors s’y résoudre, mais les images obtenues manqueront de subtilité.
Le soleil se déplaçant de façon différente au cours de l’année, il procurera une lumière beaucoup moins dure en hiver qu’en été. Il sera donc presque possible d’avoir une lumière correcte toute la journée en hiver, alors qu’en été, passé deux heures après le lever et deux heures avant le coucher du soleil, la lumière sera très forte et très dure, donnant rarement de bons résultats.

La lumière directe
On appelle ainsi la lumière de face ; c’est le plus classique des éclairages. La lumière vient éclairer le sujet depuis l’endroit où se trouve le photographe : il a donc la lumière dans le dos. Cet éclairage donne de bons résultats, en particulier quand il fait beau et qu’il y a beaucoup de soleil. Il est conseillé quand vous voulez obtenir des couleurs saturées et contrastées, avec des détails dans toute la scène.
C’est l’éclairage le plus commun en photographie animalière. Il permet de réaliser de beaux portraits de l’animal, en particulier le matin et le soir, si la lumière est légèrement colorée. C’est aussi la lumière adaptée pour stopper un animal en mouvement ou en vol. En paysage, c’est également celui qui donnera les meilleurs résultats s’il y a un plein soleil ou par grand beau temps avec du ciel bleu. Cette lumière est facile à mesurer et la mesure Matricielle convient parfaitement dans ce cas. Si vous êtes débutant, trouver la bonne exposition ne posera donc pas de souci : il suffit de laisser faire l’appareil.

Extrait :

Comment ne pas m’être senti un peu collègue avec cet artiste de l’image à qui ses patients confient également leur peau, qu’il immortalisera du meilleur grain… Le cliché qu’il a réalisé de moi restera parmi mes favoris, à l’instar de ceux des grands noms de la profession pour qui j’ai eu la chance de poser, de William Klein à Mondino ou Roversi, à qui il n’a rien à envier…
Tin-Tin (extrait de la préface)

Il a fallu 6 ans à Julien Lachaussée pour réaliser ces 146 portraits, de tatoueurs en tatoués. Bodybuilders, videurs de clubs, stripteaseuses, rockabilly, bikers… Ils lui ont fait confiance en se prêtant au jeu de la vérité. En noir et blanc ou en couleur, toutes ces photos ont été réalisées au moyen format argentique et au Polaroïd, pour leur côté authentique. Comme le sont ces personnages.

Julien Lachaussée est né en 1976 à Paris, il est photographe free-lance. Après des études à l’école de photo EFET, il a été pendant 5 ans l’assistant du photographe de mode Jan Welters. Il a déjà plusieurs expositions à son actif (galerie Agnès B, Fnac, Tattoo art festival…). Il a notamment collaboré avec les magazines Sang bleu, Inked, Gustav mag, Rugged, Clark magazine, Desillusion, Maelström. Il travaille également pour la publicité (Edwin). En 2010, il a remporté le 3e prix au concours Fnac Nikon.

Ce coffret livre collector comprend :

Ce coffret livre collector, avec un tirage argentique numéroté et signé par Julien Lachaussée, est limité à 100 exemplaires dont 80 sont disponibles en précommande sur Ulule.

L‘édition standard paraîtra en librairie en novembre 2011.